El Graduado - 40 años de su estreno

Hola a todos:

El primer programa del 2008 será dedicado a escuchar la banda sonora de una película estrenada hace 40 años, que se convirtió en un clásico del cine estadounidense, y que por sus particulares características, en la época en la que se estrenó, se convirtió en un manifiesto generacional. Hablamos de El Graduado, cinta dirigida por Mike Nichols, que fue basada en la novela homónima del escritor Charles Webb, que daría a conocer al mundo al actor Dustin Hoffman, quien interpretó al protagonista, Benjamin Braddock, estando acompañado de Anne Bancroft, en su inolvidable actuación como la Señora Robinson.

El director Mike Nichols, nacido en Berlín, Alemania, se había dado a conocer en el mundo del cine en 1966 por su película Quién le teme a Virginia Woolf?, protagonizada por Elizabeth Taylor y Richard Burton, pareja que había protagonizado años atrás, en 1963, la clásica Cleopatra. En 1967, Nichols trabajó junto a Calder Willingham y Buck Henry, quienes fueron los encargados de escribir el guión adaptado de la novela original de Webb.

La historia narra las situaciones en las que se ve envuelto un joven que acaba de graduarse del bachillerato y que en medio de los deseos de su familia y círculo social cercano, no sabe a qué se dedicará en el futuro, situación que lo tiene lleno de estrés y temor. Durante la fiesta de su graduación, una mujer casada, la señora Robinson, que es amiga de la familia Braddock, trata de seducirlo para que tengan un romance clandestino; Benjamín por su inocencia e ingenuidad, va cayendo y finalmente sostiene dicho romance durante un tiempo, pero la relación se torna en algo tormentoso, y se agrava, cuando Benjamín comienza a salir con la hija de la señora Robinson, Elaine, de quien se enamora, y quien se entera de la relación que su madre sostuvo con él. Elaine entra a la universidad, y Benjamín la persigue y le propone matrimonio, pero Elaine ya tiene novio, y esta comprometida con dicho personaje. Finalmente, en una memorable escena, Benjamín, desesperado, llega corriendo a la iglesia donde se va a celebrar el matrimonio, y se enfrenta a todos los invitados, incluyendo al Señor Robinson, y se escapa con Elaine en un bus de servicio público.

Durante la filmación, Nichols estaba obsesionado con la música de Simon & Garfunkel, y quería que la banda sonora de la película contara con canciones del dúo. Gracias al productor Lawrence Thurman, Nichols logró contactar a Paul Simon, para que compusiera 2 o 3 canciones originales para la película, Simon dijo que no tenía tiempo, porque estaba de gira, y finalmente, compondría una sola canción, que se convertiría en uno de los temas más conocidos de su carrera artística, la famosa “Mrs. Robinson”.

Además de las canciones del dúo neoyorquino, se incluyó dentro de la película, música compuesta por Dave Grusin, compositor, arreglista y pianista nacido en Littleton, Colorado, quien ha trabajado en más de 100 bandas sonoras para cine y televisión en su carrera. Ha sido nominado en varias ocasiones a varios premios, y fue el ganador del premio Oscar a Mejor Banda Sonora Original, por su trabajo en la película El Secreto del Milagro de 1988, filme dirigido por Robert Redford y que contó con la actuación del salsero Rubén Blades. Grusin ha trabajado en varios géneros musicales, pero se le asocia y se le conoce como un músico de jazz.

La banda sonora de la película, fue lanzada al mercado el 21 de enero de 1968, y fue subiendo en los listados de popularidad, llegando al número 1 en los 200 de Billboard en Abril 6 de dicho año, permaneciendo allí durante 7 semanas consecutivas. Grusin y Simon recibirían el Premio Grammy a Mejor Banda Sonora Original escrita para Televisión o Cine en 1969. Dentro de la película se incluyen los temas "The Sound Of Silence", "April Come She Will", "Scarborough Fair/Canticle" y "Mrs. Robinson".

Debido al éxito de la película, Simon & Garfunkel decidieron hacer una versión larga de la canción “Mrs. Robinson”, ya que en la banda sonora y en la película, se incluyeron dos versiones cortas e instrumentales. El sencillo fue finalmente lanzado en Abril de 1968, junto al álbum Bookends, tercero del dúo, y que es considerado como uno de sus mejores trabajos. “Mrs. Robinson” llegó al número 1 en las 100 calientes de Billboard el 1 de junio, permaneciendo allí por 3 semanas. La canción se llevaría el prestigioso premio Grammy a Mejor Grabación del año.

Esta película logró mostrar al mundo el sentimiento de inconformidad, alienación e insatisfacción que vivía la juventud de los años 60 en los Estados Unidos. Es de resaltar, la forma en que Nichols logró hacer una crítica mordaz a la sociedad conservadora de dicha época, como era el caso de la familia y el círculo social que rodeaba a Benjamín. Además se rompió el prototipo de actores con gran físico en Hollywood, con la gran actuación de Dustin Hoffman, quien a la postre se convertiría en una de las estrellas de la “meca” del cine.

La forma narrativa en que fue contada la película, fue innovadora; Nichols se llevaría el premio Oscar y el Globo de Oro a Mejor Director, merecidamente. La cinta recibió siete nominaciones en los premios Oscar, incluyendo la de Mejor Película, y se llevaría el premio en esta misma categoría en los BAFTA, y en la categoría de Mejor Comedia o Musical en los Globo de Oro. La música fue muy importante dentro de la cinta, ya que realzó y enfatizó los momentos clave dentro de la historia, y fue fundamental para que la carrera de Simon & Garfunkel ascendiera vertiginosamente.

Domingo 20 de enero de 2008, 10:30-11:00 p.m.
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Charles Chaplin - 30 años de su muerte

Hola a todos:

El pasado martes 25 de diciembre se conmemoraron 30 años de la muerte del cómico más popular en la historia del cine, uno de los más geniales e importantes artistas del séptimo arte, el inglés Sir Charles Spencer Davis Jr., mas conocido como Charles Chaplin, quien creó al famoso personaje Charlot.

Chaplin nació el 16 de abril de 1889 en Lambeth, Londres, fue hijo de dos artistas de music-hall, que le enseñaron a cantar y actuar a temprana edad; cuando sus padres se separaron, vivió junto a su hermano mayor Sydney y su madre Hannah, teniendo muy poco contacto con su padre, ya que era alcohólico. Esta enfermedad terminaría con su vida en 1901, cuando Charles tenía tan solo 12 años. Posteriormente, su madre tuvo un problema de laringe, por lo cual su carrera como cantante de music-hall terminó para siempre, al poco tiempo, se volvería una enferma mental, por lo cual Charles y su hermano la llevaron a un asilo.

De esta manera, los hermanos Chaplin tuvieron que arreglárselas para sobrevivir, ganándose la vida como actores en el music-hall, recordemos que el music-hall fue una forma de espectáculo muy popular en Gran Bretaña desde la segunda mitad del siglo XIX hasta la década de los 60 del siglo pasado, en la que se mezclaban canciones populares, comedia y baile, siendo muy similar al vaudeville americano, y que fue de gran influencia para el teatro musical moderno.

El gran salto de Chaplin a la fama, se produjo cuando su hermano Sydney, quien se había convertido en una de las estrellas del grupo cómico de Fred Karno, recibió una oferta por parte de este, para que viajara con el grupo, y trajera a Charles para una gira que iban a realizar por los Estados Unidos, esto a comienzos de la década de 1910. Luego de esta gira, Mack Senett, canadiense conocido como “El Rey de la Comedia” en California, contrató a Charles y fue allí donde conoció el mundo del cine y pronto recibiría propuestas de Hollywood, para que trabajara en varias cintas.

En 1914 haría su primera aparición en la película Charlot Periodista, y en la segunda Carreteras Sofocantes, ya aparecería con su indumentaria característica, de vagabundo andrajoso que tenía un bastón y un bigote pequeño. Ese era el famoso Charlot, que se convertiría en un icono de la cultura universal. Un personaje que buscaba mejorar su vida sin conseguirlo nunca.

Dentro de cada una de las películas de Chaplin, había una dura crítica a la sociedad americana, esto se pudo evidenciar claramente en películas como El Inmigrante de 1917 o Vida de Perro de 1918. Además de ser un gran actor y mimo, Chaplin era polifacético, y desde que adquirió reconocimiento y fama, fue productor, director, guionista, protagonista e incluso compositor de la música de sus películas.

En 1919, junto a Mary Pickford, Douglas Fairbank y David W. Griffith, Chaplin fundó la United Artists, y gracias a esto pudo rodar largometrajes, ya que hasta ese momento solo había rodado cintas de corta duración. En 1921, realizaría una de sus películas más recordadas, El Chico, cinta que muestra a un hombre que decide adoptar y criar a un niño que fue abandonado por su madre. La relación entre ambos es muy enternecedora, cariñosa y amorosa, y es una de las cintas imprescindibles de la era muda del cine, en la que Chaplin trató de mostrar en ese niño, lo que él había vivido en su infancia.

En la década del 20 del siglo pasado, se impondría el cine sonoro, hecho que no hizo que Chaplin cambiara su forma de realizar películas, teniendo confianza de que el público aceptaría que él continuara realizando películas mudas, en las que mostraba su habilidad como mimo, expresando las emociones sin necesidad de diálogos. Él pensaba que su personaje Charlot que había creado con tanto esmero y esfuerzo durante años, perdería su esencia, sí llegaba a hablar.

Lo que sí cambiaría dentro de sus películas, sería la forma en que le añadiría la música. Con el surgimiento de la hoja sonorizadora, es decir, la banda de sonido, Chaplin pudo controlar la música de sus cintas. En palabras de él mismo, escritas en su autobiografía, dijo al respecto lo siguiente: “Me esforcé mucho en componer una música elegante y romántica, que contrastase con mi personaje. Estaba convencido de que una música elegante daría a mis películas una dimensión afectiva, cosa que no acababan de comprender los arreglistas musicales. Ellos pedían que la música fuera divertida, pero los explique que lo que yo buscaba no era rivalizar con la imágenes, sino darles un contrapunto. Mi idea era que la música expresará sentimientos, porque sin ellos, como escribió William Hazlitt, toda obra de arte está incompleta”.

En 1925 se estrenó una de sus cintas más recordadas, La Quimera de Oro, que es considerada como una de sus obras maestras. Varios años después, en 1942, Chaplin compondría la música para esta película. En 1928 realizaría El Circo, una de las películas más taquilleras de la era muda del cine. Chaplin recibiría un premio Oscar, en una categoría especial, por “su versatilidad al producir, escribir, dirigir y actuar en su película El Circo”.

Debido a la fuerte crítica social que expresaba en sus películas, en especial hacía el capitalismo y la sociedad de consumo, Chaplin tuvo muchos problemas con el gobierno estadounidense, por cintas como Tiempos Modernos y El Gran Dictador, llegando a ser deportado en 1952 por ser una amenaza moral para el país, por su apoyo e identificación con la ideología comunista. De esta manera, Charles se instaló en Suiza en 1953, en donde pasaría el resto de sus días.

En 1966 estrenaría su última película, en la que actuaron Marlon Brando y Sophia Lorén, titulada La Condesa de Hong-Kong, que no fue muy aclamada por la crítica. Posteriormente en la década del 70, recibiría un Oscar Honorífico por el “incalculable efecto producido en el arte del siglo XX: el cine”, esto en 1972, así mismo recibió en la misma ceremonia el premio a Mejor Banda Sonora por su trabajo realizado junto a Ray Rass y Larry Russell en la música de la película Candilejas, original de 1952; en 1975, fue nombrado caballero de la Corte Real Británica, fallecería el día de navidad de 1977, cuando tenía 88 años.

En 1992, con motivo de los 15 años de su muerte, el británico Richard Attenborough, recordado por dirigir la película ganadora de 9 premios Oscar en 1982, Gandhi, realizaría un filme semi-biográfico titulado Chaplin, la cinta sería nominada a 3 premios Oscar, incluyendo el de Mejor Banda Sonora, compuesta por John Barry y a Mejor Actor Principal, por el papel de Robert Downey Jr. como Chaplin.

La sencillez y profundidad a la vez, que tenían las películas de Chaplin, fue lo que las convirtió en obras fundamentales para el desarrollo del arte cinematográfico, acompañado de la genialidad y su versatilidad como actor y como creador de historias originales y únicas, que lo convirtieron en una de las figuras más importantes en la historia del cine, así como en la historia del arte del siglo XX.

En el programa se escucháran algunos cortes de la música de las películas: Día de juerga (1919), La quimera de oro (1925) y El Circo (1928).

Los mejores deseos para todos en el próximo año 2008.

Domingo 30 de diciembre de 2007 - 10:30-11:00 p.m. (GMT -05:00)

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Especial de Navidad - Mi Pobre Angelito - John Williams

Hola a todos:

Estamos en vísperas de la navidad, esa época del año que sirve para el recogimiento, la reflexión y que nos permite reunirnos con nuestros seres queridos y nuestros familiares. Por este motivo el programa del próximo domingo, será dedicado a escuchar una banda sonora compuesta por el célebre y reconocido John Williams, para una película familiar navideña, que fue conocida en Latinoamérica como Mi Pobre Angelito.

Esta comedia familiar de Mi Pobre Angelito, que sigue siendo hasta hoy en día la película de comedia de acción en vivo más taquillera de todos los tiempos, fue escrita y producida por John Hughes, reconocido director, productor y guionista de algunas de las comedias estadounidenses más exitosas de la década de los 80 y de los 90. La dirección estuvo a cargo de Chris Columbus, quien también a lo largo de su carrera ha trabajado en películas familiares, tales como Señora Doubtfire, El Hombre Bicentenario y las dos primeras películas de Harry Potter.

Hughes le propuso a Columbus realizar una película con una historia que había escrito sobre un niño de 8 años llamado Kevin McCallister, quien es abandonado por accidente, cuando su familia, bastante numerosa por cierto, en medio del afán y el retraso por salir rápido y llegar al aeropuerto, para su viaje de vacaciones navideñas hacía París. Kevin al quedarse solo en casa, algo que en el fondo deseaba por problemas que había tenido con algunos familiares, se siente feliz por el momento, por su ingenuidad, pero después se va dando cuenta de la falta que le hace su familia. De todas maneras, el niño logra defenderse a su manera, y cuando es asediado por dos ladrones, quienes desean robar su casa, logra enfrentarlos, colocándoles diferentes trampas de manera muy inteligente y sagaz.

El mayor acierto fue haber escogido para el papel de Kevin a Macaulay Culkin, un niño de 9 años, nacido en Nueva York, que desde los 4 años había incursionado en la actuación, y que había aparecido en diferentes obras en Broadway, en series televisivas y con un paso fugaz en cine, en una película también escrita y dirigida por John Hughes, titulada El Tío Buck, cinta estrenada en 1989. Sumada a la escogencia de Culkin, el reparto no pudo ser mejor, con Joe Pesci y Daniel Stern interpretando a los dos ladrones, Harry y Marv respectivamente, sumándose Catherine O’Hara, actriz canadiense que interpretó a la madre de Kevin, quien ya había sido conocida por su actuación en Beetlejuice en 1988.


La música no pudo haber sido dejada en mejores manos, John Williams, recordado por su trabajo en las sagas de Star Wars e Indiana Jones, y por películas como Superman y Tiburón, le puso su sello personal a la música, siendo algo esencial para el éxito de la película. Para esta cinta, Williams utilizó como inspiración la famosa suite del Cascanueces Op.71, composición del músico ruso del siglo XIX, Pyotr Ilyich Tchaikovsky.

Un instrumento utilizado por Williams, que es conocido precisamente por su utilización en el Cascanueces de Tchaikovsky, fue la celesta, instrumento de composición similar al piano, pero cuyos martillos activados por teclas percuten placas de metal en lugar de cuerdas tensas. Estas placas al ser percutidas provocan una resonancia sobre una caja de madera destinada a este fin, produciendo un sonido dulce y bello.

Williams además de poner su cuota musical dentro de la película, también adaptó algunos villancicos tradicionales como "O Holy Night" y "Carol Of The Bells". Por su parte, Williams compuso junto a Leslie Bricusse (letras) dos villancicos: "Star Of Bethlehem" y el recordado "Somewhere In My Memory", que fue nominado como Mejor Canción Original en los Premios Oscar.

Esta película, además del éxito que obtuvo a nivel mundial en taquillas, fue también utilizada para la creación de diferentes videojuegos. Además de la nominación a Mejor Canción Original por “Somewhere In My Memory”, Williams fue nominado también a la categoría de Mejor Banda Sonora por su trabajo. Recordemos que Williams es el compositor y artista vivo con más nominaciones a premios de la Academia en toda la historia con 45 en total.

Como dato curioso, el famoso poster en el que Culkin aparece cogiendose las mejillas con sus 2 manos, es una parodia de uno de los cuadros más conocidos en el mundo, El Grito, del pintor expresionista noruego Edvard Munch, pintura original de 1893, que se encuentra en la Galería Nacional de Oslo y que a finales del siglo XX adquirió el estátus de icono cultural, simbolizando el desespero, la angustia y los complejos de culpa y ansiedad que vive el hombre.

En 1992 se estrenaría una segunda parte de esta historia, Mi Pobre Angelito 2: Pérdido En Nueva York, que contó con la dirección de Columbus nuevamente y con el mismo reparto actoral, incluyendo a los protagonistas. En 1997 ya con otro reparto actoral, se estrenaría una tercera parte, que no tuvo mucho éxito, así como tampoco lo tuvo la cuarta parte estrenada por la ABC en 2002.

!Una Feliz Navidad para todos!

Domingo 23 de diciembre - 10:30-11:00 p.m. (GMT-05:00)

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Saturday Night Fever - 30 años después

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El 14 de diciembre de 1977, se estrenó una de las películas más recordadas en la historia, que generó y tuvo un impacto cultural bastante significativo, se trata de Saturday Night Fever, película que fue protagonizada por John Travolta y que fue la encargada de popularizar la música disco alrededor del mundo.

Robert Stigwood, nacido en Adelaida, Australia, es uno de los empresarios y productores de espectaculos musicales y de entretenimiento más importantes en la historia, desde la década de los 60’s, incursionó en la industria musical, patrocinando a grupos de rock como Cream y los Bee Gees en sus comienzos, y posteriormente siendo el impulsor de varios de los musicales mas exitosos de Broadway y del West End, como Hair, Jesucristo Superestrella, Evita y Grease, que debido a su éxito y acogida, también fueron llevados al cine, con Stigwood a la cabeza.

En 1975, en la revista New York Magazine, el periodista británico Nik Cohn, publicó un artículo titulado “Tribal Rites of The New Saturday Night” o “Ritos Tribales de la nueva noche de Sábado”, que fue una historia ficticia que el periodista creo para describir la escena disco que estaba viviéndose en los Estados Unidos, y que fue la fuente de inspiración para la creación de la película que dirigiría John Badham. La historia que tiene lugar en Brooklyn, Nueva York, muestra a Tony Maniero, un joven de 19 años de ascendencia italiana, quien encuentra en la discoteca el lugar de escape y de diversión, a sus problemas intrafamiliares y laborales. La película retrata la historia de este personaje, y de una bailarina, mayor que él, con quien participa en una competencia de baile. Tony se enamora de Stephanie, y ella llega a interesarse en él, pero las circunstancias y situaciones que ambos viven, los hace entender sobre el final que su relación no puede ser algo más que una bonita amistad.

La música disco, surgió en la década de los 70, convirtiendose en un género popular, tomando elementos de géneros como el Motown, el Soul, el R&B y el Funk, con toques latinos en muchos casos, y que se convirtió en la música de las salas de baile, de las discotecas, de ahí el origen de su nombre. El sonido disco, se caracterizaba por las secciones de cuerda y metales, con la base instrumental del piano eléctrico y la guitarra eléctrica.

Los Bee Gees, un trío formado por 3 hermanos, Barry y los gemelos Robin y Maurice Gibb, tuvo un leve éxito sobre el final de la década de los 60, pero pasaron al olvido rapidamente, Stigwood su productor musical, les propuso que compusieran la música para la película que estaban realizando. De esta manera, el trío compuso la música, y empezo a difundirse en la radio, y luego con el éxito rotundo que tuvo la película, se convirtieron en unos de los artistas más exitosos de la historia, ayudando a difundir y popularizar la música disco en el mundo, por lo cual fue de suma importancia tanto la música como la película, y esto se representó en las ventas millonarias de la banda sonora, que la convirtió en la más vendida de todos los tiempos, con las canciones de los Bee Gees como principal atractivo, y con música de otros artistas.

Los temas más recordados son "Stayin' Alive", "How Deep Is Your Love", "More Than A Woman", "Night Fever", "You Should Be Dancing" e "If I Can't Have You", que fue interpretado por Yvonne Elliman. Todos ellos los podra escuchar en el programa.

Domingo 16 de diciembre de 2007 - 10:30-11:00 p.m. (GMT-05:00)

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Erich Wolfgang Korngold - 50 años de su muerte

Hola a todos:

Los dos primeros programas del mes de Diciembre, serán sobre uno de los compositores más importantes en toda la historia de la música para cine, se trata del compositor austro-húngaro de música clásica, Erich Wolfgang Korngold, quien falleció hace 50 años, el 29 de noviembre de 1957.

Cuando el cine apareció a finales del siglo XIX, con los hermanos Lumiére y hasta la década de los 20 del siglo pasado, la música había sido tan solo un acompañante en las cintas. Servía como elemento distractor para el público, siendo un paliativo para las producciones cinematográficas de aquella época que tenían muchas interferencias de sonido, así como defectos técnicos. Por lo tanto la música se desplegaba más por su forma que por su contenido. La música se interpretaba en vivo por lo general, en su mayoría por un pianista o a veces por una pequeña orquesta, pues no existía la hoja sonorizadora; era un mosaico musical de diferentes obras pre-existentes, que el interprete variaba según la película, siendo en unas ocasiones exitosa la atmósfera que creaba o en otras desastrosa, ya que no había una conexión entre lo que las imágenes mostraban y lo que la música expresaba.

Durante la década de 1910 y la de 1920, ya se fue planificando la música que debía acompañar a cada una de las escenas específicamente; cuando se creó la hoja sonorizadora, se logró sincronizar la imagen con la música, convirtiéndose en un recurso narrativo fundamental, ya que la música para cine tiene como fin reforzar nuestras reacciones emocionales frente a la historia que estamos viendo en la pantalla grande. Así pues, la música además de ser un recurso narrativo, se fue convirtiendo también en un recurso explicativo, porque en la era del cine mudo, cada escena iba acompañada de comentarios, siendo esta la forma en que se le explicaba al público lo que estaba observando.

Cuando el cine sonoro se impuso, con la película El Cantor de Jazz de 1927, esta función de la música en el cine, se convirtió en algo imprescindible para las producciones cinematográficas. En la década de 1930, cuando Korngold llegó a Hollywood, fueron surgiendo compositores muy importantes también, tales como Max Steiner, Franz Waxman y Alfred Newman, quienes fueron pioneros en la creación de música original para las grandes producciones de Hollywood entre los años 30 y 50, periodo conocido como la Era Dorada.

El estilo musical característico de las bandas sonoras de estas películas, era la música totalmente sinfónica, propia del romanticismo del siglo XIX, con representantes como Mahler, Strauss y Wagner, que fueron de gran influencia para Korngold. Para él, la música para cine era como la música de ópera, por lo cual incluyo elementos de la ópera en la música que compuso para los diferentes filmes en los que trabajó. La inclusión de los leitmotivs, propios de las óperas de Wagner, que son temas musicales recurrentes, asociados dentro de una pieza musical con un personaje, un lugar o una idea, fueron utilizados por el compositor.

Korngold, nació el 29 de mayo de 1897 en Brünn, ciudad que quedaba en el territorio del Imperio Austro-Húngaro, y que hoy en día esta ubicada en la República Checa. Desde que tenía 4 años, vivió en Viena, la capital musical del mundo, en donde mostró a los vieneses, y a los músicos en boga por aquella época, Gustav Mahler y Richard Strauss, su gran talento, siendo un prodigio del piano, tanto así, que se le llegó a comparar inclusive con Mozart, guardando las proporciones, claro esta.

En 1911, se estrenaron sus primeros trabajos, su primera sonata para piano y su primer trabajo orquestal; en 1913, se estrenó su primera sinfonía, y su primera sonata para piano; en 1916, se convirtió en un compositor de ópera respetado, luego del estreno de sus dos primeras obras de este tipo, Der Ring des Polykrates y Violanta. En 1920 estrenaría la ópera Die Tode Stadt, que es la más conocida de su repertorio, y que fue compuesta después de la Primera Guerra Mundial.

Luego de ser nombrado profesor Honoris Causa de la Academia de la Música de Viena a los 33 años de edad, y de entablar una amistad con el reconocido director y actor de cine y teatro Max Reinhardt, quien fuera uno de los impulsores del expresionismo en el cine y teatro, en las que la música era sumamente importante, al lado de un montaje teatral espectacular, su vida cambió por completo, cuando este le pidió que viajara a los Estados Unidos, para trabajar en la adaptación de la música de Félix Mendelssohn para la versión cinematográfica de la famosa Sueño de Una Noche de Verano, que el director filmaría con la productora Warner Bros.

Luego de este trabajo, Korngold firmaría un contrato con esta gran productora de Hollywood, siendo un contrato bastante flexible, en el que él escogía las películas que él quisiera, para componer la música de las mismas. De esta manera, Korngold abandonó Viena, para instalarse en Hollywood, en donde se convertiría en el primer compositor de música para cine reconocido y famoso.

La importancia de la obra de Korngold es invaluable en la historia de la música para cine, porque logró darle una identidad al género de las bandas sonoras, junto a sus contemporáneos, dotándola de una exuberante, brillante y muy bien cuidada orquestación, que creaba los ambientes sonoros necesarios para cada secuencia, que fueron de vital importancia, para compositores a posteriori, como Miklós Rózsa, Elmer Bernstein, Jerry Goldsmith y John Williams, entre otros. Asimismo, se pudo ver como la música en el cine, era una nueva forma de componer música sinfónica o música clásica, dotándola de elementos del romanticismo del siglo XIX y de elementos también de la Música Contemporánea de la época.

Entre sus bandas sonoras más destacadas, se encuentran la de Anthony Adverse, The Adventures of Robin Hood, The Sea Hawk, The Prince and The Pauper, Kings Row y Escape Me Never, entre otras.

"La música es música sea para teatro, palco o cine. La forma puede cambiar, la manera de escribir puede variar, pero el compositor no debe hacer concesiones a lo que él considera como su propia ideología musical”, decía Korngold en una entrevista concedida en 1946.

Domingos 2 y 9 de diciembre - 10:30-11:00 p.m. - (GMT-05:00)
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Cine y Literatura

Hola a todos:

El programa de este fin de semana será sobre la música inspirada en adaptaciones de varias novelas a la pantalla grande. Son muchas las películas que se han realizado hasta el momento, en las que se ha tratado de interpretar lo más fielmente posible, diferentes obras literarias, siendo en algunos casos exitoso el resultado, o en otros casos catastrófico. De igual manera, esta apreciación es algo muy subjetivo. De antemano, se sabe que el cine y la literatura son dos lenguajes muy diferentes, y no podrán nunca concordar totalmente.

Los procesos políticos y los escenarios de guerra han sido de gran interés para la literatura anglosajona y en particular para el cine. De ello es prueba las múltiples adaptaciones cinematográficas de las novelas de John Le Carré y Graham Greene, maestros del thriller político y el mundo de los espías.

El Jardinero Fiel es una novela de Le Carré llevada al cine por el director brasileño Fernando Meirelles famoso por su película de la favela de Río de Janeiro Ciudad de Dios. La trama de la novela se inserta en el mundo de la diplomacia británica en Kenya y el negocio de las transnacionales farmacéuticas que en teoría prueban sus nuevos medicamentos como la ficcional Dipraxa para curar la tuberculosis en enfermos africanos, pues sus vidas no valen para el resto del mundo y de paso, reciben gratuitamente medicina para tratar la penosa enfermedad del sida por permitir experimentar con ellos las nuevas tabletas de la corporación Hipo. Nairobi es el escenario inicial de la novela y la película, donde sus dos protagonistas Tessa y Justin dividen sus vidas, ella por el amor a los niños y los derechos humanos en la zona marginal, él por la diplomacia que lo conducirá a encontrar a los asesinos de su esposa en la elite y la corrupción de sus allegados. Tanto así que sacrifica su vida para poder estar con ella, porque tal cuál dijo “Tessa es mi hogar”.

El desarrollo musical fue llevado a cabo por el ya consagrado español Alberto Iglesias que utilizó instrumentos nativos para ambientar la ciudad que coexiste entre la riqueza y la pobreza, los grandes paisajes del país africano y el amor de los protagonistas.

El Fin del Romance es una novela de Graham Greene llevada al cine por Neil Jordan en 1999, que trata la condición moral del amor en un triangulo apasionado entre una mujer casada, Sarah, quien fue interpretada por Juliane Moore, y que le valió la nominación al Oscar a Mejor Actriz Principal, su marido, Henry Miles, interpretado por Stephen Rea, y el amante que narra con honestidad su deseo de que ella sólo esté con él, este último fue interpretado por Ralph Fiennes. La historia se basa en un estado crucial: la muerte que se la lleva a ella por una enfermedad y la que aparece incipiente en un bombardeo alemán durante la segunda guerra mundial para su amante, ella al verlo así le pide a “Dios” que le devuelva la vida y jura arrepentirse de su infidelidad y quedarse al lado de su marido. La música compuesta por Nyman, se convierte en la expresión más honesta del amor tan profundo que los une, al punto de dejarlo para cumplir su promesa divina por el retorno a la vida de Maurice que dice cuando la ve después a ella muriendo al mismo “Dios”: “haré lo que sea, si usted la hace vivir...solamente déjela viva una vez mas”.

En la década de los 90 se estrenaron dos grandes películas de amor inspiradas en novelas que mostraban momentos de tensión política. Primero en 1994, el escritor chileno Antonio Skármeta se hizo famoso mundialmente por la adaptación de la premiada película Il Postino, inspirada en su gratísima novela “El cartero de Neruda”. Situada originalmente en los últimos años del poeta en isla negra al lado de su adorada Matilde, con el descubrimiento de una nueva amistad con su cartero, un joven de 17 años de edad, Mario Jiménez, y el cortejo permanente de él hacía la hermosa Beatriz por medio del aprendizaje riguroso de los versos de Neruda. La banda sonora, ganadora del Oscar, fue realizada por el argentino Luis Bacalov. Ambienta perfectamente la reflexión de Skármeta acerca del fin de Neruda: “muere el poeta, muere la democracia”.

El mexicano Alfonso Cuarón en 1998 estrenó una adaptación cinematográfica contemporánea de la novela clásica Grandes Esperanzas de Charles Dickens. El ejemplo literario más claro de que las propias acciones no siempre determinan nuestras vidas. Es una gran historia del ascenso social de Philipp Pirrip, bajo la mano oculta de un benefactor que hace parte de la ilegalidad, el señor Provis. Pero también es una historia de desamor desde que el niño “Pip” conoce a la rica y hermosa niña, Estela, adoptada por la señora Havisham y entrenada con un sólo fin: destruir los corazones de los hombres. Textualmente como lo dice Dickens: “…el verdadero amor. Es devoción ciega, humillación absoluta, total sumisión, fe y confianza contra uno mismo y el mundo entero, plena entrega del alma y el corazón al que te lo destroza…”. En la cinta de Cuarón, el protagonista, interpretado por Ethan Hawke, se llamó Finnegan Bell, más conocido como “Finn”, en diminutivo, al igual que “Pip”. La banda sonora de la película fue escrita con sencillez por el inglés Patrick Doyle. Esta película fue protagonizada por los británicos Ralph Fiennes y Rachel Weisz, que se llevaría el Oscar a Mejor Actriz de Reparto, por su papel como Tessa.

Una de las mejores películas de lo últimos años tampoco ha sido ajena al fenómeno de la literatura y del guión adaptado. Secreto en la Montaña, la famosa película que ganó en todos los festivales de cine en que se presentó, pero que fue ignorada por el Oscar, está inspirada en un relato de la escritora estadounidense Annie Proulx llamado En Terreno Vedado, que se presenta como una ironía al machismo del cowboy y una propuesta al respeto a la intimidad y a la condición sexual en imperios donde reina la homofobia. Más que una película sobre dos vaqueros, que intiman en un espacio para la aparente gallardía, es una historia de amor clandestino entre Ennis y Jack contada perfectamente por el director Ang Lee y musicalizada majestuosamente por el argentino Gustavo Santaolalla, tanto así, que fue merecedor del Oscar por mejor banda sonora original.

Una gran película que cumplió este año su 25 aniversario de creación, fue Blade Runner, basada en la controversial, futurista y apocalíptica novela de Philip Dick, “Sueñan los androides con ovejas eléctricas” y dirigida por el norteamericano Ridley Scott. La novela plantea el dilema presente de matar y no sentir nada, así sea a unos androides en el futuro, total para ello se puede alterar el estado de animo por medio de la tecnología, olvidar y creer que la realidad es verdadera. La banda sonora fue compuesta por el griego y siempre enigmático Vangelis, con una melodía de otro mundo, uno mas avanzado con caza recompensas, dioses cibernéticos y androides más capacitados para sentir que los propios seres humanos o sino porque un “cuasi” robot como Roy Batty le dice a Rick Deckard un humano depredador de vidas cibernéticas, interpretado por Harrison Ford: “he visto cosas que a los humanos les costaría creer…”.

Durante el programa, se escucharán cortes musicales de cada una de las películas que se mencionan en esta publicación.

Domingo 25 de noviembre - 10:30-11:00 p.m. (-05:00 GMT)

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Titanic - James Horner - 10 años de su estreno

Hola a todos:

Se cumplen 10 años del estreno de la película más taquillera de todos los tiempos, Titanic, cinta ganadora de 11 premios Oscar, incluyendo el de Mejor Película y Mejor Banda Sonora, que fue dirigida y concebida por el canadiense James Cameron. Este filme ha sido el que más estatuillas de la Academia ha recibido, junto al clásico épico Ben-Hur de 1959, y El Señor de Los Anillos: El Retorno del Rey de 2003. Además ha sido junto a Eva al desnudo, cinta de 1950, protagonizada por la legendaria Bette Davis, la película con más nominaciones en la historia, con 14 en total.

Desde que el trasatlántico R.M.S. Titanic, salió del puerto inglés de Southampton el 10 de abril de 1912, siendo el barco más grande y lujoso creado hasta ese momento, llegándose a considerar como inundible; y con el posterior choque que sufrió con un témpano de hielo en la noche del 14 de abril, y el hundimiento posterior, en el que murieron aproximadamente 1500 personas, se han realizado varias películas, una serie televisiva, un musical de Broadway y hasta un juego de video, en el cual se recrea la trágica historia.

Al director, productor y guionista James Cameron, le apasionaron siempre los naufragios, por lo cual escribió un guión para realizar una película de más de 3 horas de duración, en la que ilustraría detalladamente la historia del Titanic, teniendo de fondo una historia de amor, entre una joven de clase alta, Rose DeWitt Bukater y un joven de tercera clase, Jack Dawson. Rose fue interpretada por la inglesa Kate Winslet, y fue nominada al Oscar y Globo de Oro por su actuación. Leonardo DiCaprio, por su parte interpretó a Jack, y fue gracias a esta película que saltó a la fama mundial. Luego de que la Twentieth Century Fox aceptará la propuesta de Cameron, se invirtieron aproximadamente 200 millones de dólares para la realización de esta superproducción.

En palabras de Cameron, "La historia no pudo haber sido escrito mejor... la yuxtaposición entre ricos y pobres, la magnificencia del gran barco, la fascinante de historia de amor que la envuelve y por encima de todo, la lección de que la vida es incierta, el futuro impredecible, y lo impensable posible", hizo que la historia fuera bastante atractiva para la audiencia.

La música de James Horner, fue sumamente importante para el éxito obtenido por la película. Para esta, Horner utilizó elementos de la música celta, propia de las islas británicas, mezclándola con música orquestal y sintetizadores. La cantante y soprano noruega Sissel, interpretó todas las partes vocales, por lo cual llegó a ser comparada con Enya y con Sarah Brightman.

James Horner compuso en secreto junto al célebre Will Jennings, la canción ‘My Heart Will Go On’, porque Cameron no quería incluir canciones dentro de la banda sonora de la película. La célebre cantante canadiense Céline Dion grabó un demo, y sobre el final de la filmación, Horner le presentó la canción a Cameron. Luego de escucharla varias veces, Cameron dio su aprobación, pero estaba preocupado, porque según él, lo iban a criticar, por ser comercial sobre el final del filme.

La canción finalmente se incluyo en los créditos finales de la cinta, y tuvo un éxito rotundo en listados populares alrededor del mundo, siendo la canción más exitosa de Celine Dion en toda su carrera, y ganadora de múltiples premios, incluyendo el Oscar, Globo de Oro y Grammy a Mejor Canción Original, así como Mejor Canción y Grabación del año en los Grammy de 1999. Es según la United World Chart, la decimocuarta canción más exitosa de todos los tiempos.

Debido al éxito de esta canción, la banda sonora compuesta por Horner, es hasta la fecha, la banda sonora orquestal más vendida de todos los tiempos, con 27 millones de copias vendidas. Siendo destacable el hecho de que solo incluya esta canción Pop, porque por lo general las bandas sonoras más vendidas, incluyen únicamente temas Pop y Rock. En Agosto de 1998, se lanzaría una segundo álbum con música de la película, incluyendo nuevos arreglos y otros cortes. Este álbum se título Back To Titanic.

Para Cameron, la música de la película expresa hábilmente la grandeza como la intimidad, la felicidad como la tristeza, bajo el espectro que envuelve a la película, sin perder la unidad temática y el estilo propio.

Domingo 18 de noviembre 10:30-11:00 p.m. (-05:00 GMT)

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