Expiación, Deseo y Pecado - Dario Marinelli

Hola a todos:

El programa de este fin de semana será sobre la banda sonora de la película ganadora del Globo de Oro a Mejor Película de Drama y del BAFTA a Mejor Película: Expiación, Deseo y Pecado, cinta basada en la aclamada novela Expiación (2001) del escritor Ian McCewan. El filme fue dirigido por Joe Wright, y protagonizado por Joe McCavoy y Keira Knightley. Esta nominada a 7 premios Oscar, incluyendo el de Mejor Película y Mejor Banda Sonora Original. Fue estrenada el pasado 8 de febrero en el país, y se perfila como la gran candidata en los Oscar de este año.

La historia nos muestra a Briony Tallis, una niña de 13 años, hija de familia de clase alta inglesa, quien es apasionada por la literatura y tiene el sueño de ser escritora. Es el año de 1935, en el día más caluroso del verano la hermana de Briony, Cecilia, quien tiene 23 años y esta pasando vacaciones en su casa en Cambridge, tiene un encuentro con el hijo de la sirvienta, quien se llama Robbie Turner. Ambos personajes entran en un juego de seducción, del cual es testigo Briony, quien guarda un interés en secreto por el joven. Los malos entendidos derivan en que la niña acuse a Robbie de la supuesta violación de una prima de 15 años, llamada Lola. Sin embargo, Robbie es inocente. La situación termina por cambiar la vida de la familia, además de la separación de Robbie y Cecilia. El joven es llevado a prisión, y logra salir cuatro años después, cuando esta comenzando la Segunda Guerra Mundial. A cambio de su libertad, deberá unirse a la Fuerza Expedicionaria Británica. Durante este período, Briony trabaja como enfermera en Londres, y trata de buscar a su hermana Cecilia, para pedirle perdón por su falta.

La banda sonora fue compuesta por el italiano Dario Marinelli, la interpretación estuvo a cargo de la Orquesta de Cámara Inglesa, dirigida por Benjamín Wallfisch, y los solos de piano estuvieron a cargo del francés Jean-Yves Thibaudet. Marinelli, quien ya había trabajado con Wright en la adaptación de la novela Orgullo y Prejuicio en 2005, compuso una partitura llena de carga dramática, con música romántica y afligida, así como también música de alta intensidad y tensión. Este contraste utilizado inteligentemente por Marinelli, favorece las intenciones de la película. Lo más interesante es la utilización de una máquina de escribir, como instrumento de percusión, así como también se destacan la delicadeza y limpieza en algunos pasajes musicales.

Son muchas las nominaciones y premios que ha recibido Expiación, Deseo y Pecado desde que fue estrenada como la película de apertura del festival de cine de Venecia en agosto del año pasado. La novela de McCewan, aclamada por la crítica en 2001, por ser una de las mejores novelas británicas de los últimos tiempos, fue llevada dignamente a la pantalla grande, según los críticos. Con grandes actuaciones, una excelente cinematografía y una banda sonora apropiada y eficaz, la película es un gran logro para Wright, quien tiene tan solo 35 años. Esta nominada a 7 premios Oscar: Mejor Película, Mejor Guión Adaptado, Mejor Actriz de Reparto, Mejor Dirección de Arte, Mejor Fotografía, Mejor Vestuario y a Mejor Banda Sonora Original. Marinelli, se llevó el Globo de Oro a Mejor Banda Sonora Original, en los BAFTA, se llevaría el honor Christopher Gunning por su trabajo en La Vie En Rose, banda sonora que escuchamos en los dos últimos programas.

Domingo 17 de febrero de 2008 - 10:30-11:00 p.m. (GMT-05:00)

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La Vie En Rose - Edith Piaf

Hola a todos:

El mes de febrero es un mes muy movido en la cartelera de cine en nuestro país. Es el mes en el que se estrenan varias películas que han ganado varios galardones y que estan nominadas en los premios Oscar, que se entregarán este año, como ya es costumbre desde hace algun tiempo, en el Teatro Kodak de Hollywood en L.A.

Por tal motivo, los cuatro programas del mes de febrero serán estrenos, y los dos primeros serán dedicados a la banda sonora de una película que fue estrenada en el Festival de Berlín hace un año exactamente. Se trata de La Vie En Rose, una película del director francés Olivier Dahan, que contó con la brillante y magistral actuación de la jóven actriz francesa de tan solo 32 años, Marion Cotillard, quien fue la encargada de darle vida nuevamente a la legendaria cantante Edith Piaf en la pantalla grande.

El director Olivier Dahan, narra la historia de Piaf sin seguir un orden cronológico, pasando por la infancia, adolescencia y carrera artística de la cantante. La pequeña Edith Giovanna Gassion, hija de un acróbata profesional y de una cantante ambulante de origen italo-argelino, nace el 19 de diciembre de 1915 en el número 72 de la rue de Belleville en la ciudad luz, París. Su madre, que sufría de alcoholismo, y su padre abandonarían pronto a la pequeña Edith, dejándola bajo la custodia de su abuela, quien era la dueña de un burdel. De los 3 a los 7 años, debido a una meningitis, Edith sufrió de ceguera, pero se curaría milagrosamente luego de que las prostitutas que la cuidaron durante este tiempo, llevaron dinero en petición a la virgen de Santa Teresa de Lisieux.

A los 14 años, se reuniría nuevamente con su padre en su trabajo de acróbata, cantando por primera vez en público. En la película, la escena en la que Edith es forzada por su padre a cantar en público alguna melodía, debido al desespero que siente de no recibir ni una moneda por sus acrobacias, es una de las más conmovedoras. La pequeña niña entona la famosa marsellesa, y da muestras del poder y la belleza que sus cuerdas vocales pueden ofrecer al mundo. Lamentablemente en la banda sonora no aparece este corte musical.

A sus 18 años, Edith ya vivía sola y se ganaba la vida cantando en las calles de los suburbios parisinos. Durante este periodo tuvo varios romances, y fue madre de una niña, que moriría a causa de meningitis con tan solo 2 años.

Es en 1935, cuando Edith contaba con tan solo 20 años, que comienza su carrera artística, cuando es descubierta por Louis Lepleé, dueño de un club nocturno llamado Le Gemy. Fue este personaje el que le dio como nombre artístico a Edith, comparando su voz con la de un gorrión, que en francés se dice Piaf. Fue allí, donde Edith dio sus primeros pasos en el mundo de la música. Luego de que Lepleé fuera asesinado, Edith tuvo que acudir a Raymond Asso, con quien sostuvo un romance y le colaboró para que siguiera con su carrera. Durante el comienzo de la década de los 40, Edith Piaf era la artista con más renombre y la más escuchada en Francia.

La carrera de Edith adquirió fama internacional después de que terminara la Segunda Guerra Mundial, cuando se fue de gira por Europa, los Estados Unidos y América del Sur. Se llegó a presentar ocho veces en el recordado show televisivo dominical The Ed Sullivan Show, y dos veces en el Carnegie Hall en Nueva York. Durante la década del 50 Edith realizó varias giras internacionales, pero sus actuaciones más memorables fueron las que efectuó en el legendario teatro Olympia de París, ubicado en la avenida de los Campos Eliseos.

El gran amor de la vida de Edith fue un boxeador francés llamado Marcel Cerdan, al que conoció en Nueva York, y con el cual sostuvo un romance clandestino, puesto que Cerdan era un hombre casado. En la película, este personaje fue interpretado por el actor Jean-Pierre Martins. En Octubre de 1949, Cerdan moriría trágicamente en un accidente aéreo, cuando venía desde París a visitar a Edith, quien se encontraba en Nueva York en ese momento. Fue un gran golpe emocional para la cantante, quien se vio bastante afectada por el apego tan grande que sentía por el boxeador.

En 1951, Edith sufriría un accidente de tránsito junto al también célebre Charles Aznavour, sufriendo una fractura de un brazo y dos costillas, su salud tan endeble se vio aun mayormente afectada por este accidente, llegando a volverse dependiente de la mórfina y de drogas tranquilizantes. Los últimos años de la vida de Edith fueron realmente tormentosos a causa de esto, y en la película Dahan logra mostrar este período de la vida de Edith con lujo de detalles: el desespero, la impotencia, las memorias, los buenos recuerdos y las tristezas que le trajo la vida a la cantante francesa más popular que nos adentra con su música y su voz, en la que es considerada por muchos como la ciudad más hermosa del mundo, París.

La canción más recordada del repertorio de Edith Piaf, es “Non, Je Ne Regrette Rien”, que traduce al castellano “No, yo no me arrepiento de nada”, canción que fue lanzada en 1961, cuando Edith ya no podía si quiera mantenerse en pie en un escenario. Edith se sintió plenamente identificada con la letra de esta canción, siendo el mensaje que la cantante quería enviar al mundo, en las postrimerías de su vida. El 10 de octubre de 1963, Piaf moriría de cáncer de pulmón en Plasclassier, en la riviera francesa, aunque fue oficialmente anunciada el 11, mismo día en el que murió su amigo, el escritor Jean Cocteau.

Lo más destacado de esta película, es la magistral actuación de Marion Cotillard, quien ha recibido hasta el momento un Globo de Oro en la categoría de Mejor Actriz Principal de Comedia o Musical, y también ha recibido las nominaciones al BAFTA y Oscar en la categoría de Mejor Actriz Principal. En una entrevista concedida al diario Nuevo Herald, Cotillard dijo que “Lo primero que leí sobre su vida fue el guión, y me encontre con una sorpresa tras otra, porque su vida fue tan extrema. Ella fue una persona extrema que atraía situaciones extremas. Lo importante para mí fue comprender quién era ella, entender su corazón y su alma. No traté de sonar o de hablar o de moverme como ella sin antes de entender quién era Edith Piaf'. No quise ensayar demasiado. Mi deseo no era interpretar lo superficial sino lo interior”.

La banda sonora esta compuesta de 3 capítulos: los primeros 11 cortes que son canciones originales de Piaf remasterizadas para la publicación de este álbum; del corte 12 al 20, es música compuesta por el inglés Christopher Gunning; y del corte 20 al 27, son canciones adicionales en las que aparecen las voces de las francesas Jil Aigrot, Maya Barsoni y Mistinguett, con el acompañamiento musical de Gunning.

Domingos 3 y 10 de febrero de 2008 - 10:30-11:00 p.m. (GMT-05:00)

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'Belleza Americana' - Thomas Newman y Varios Artistas

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El programa de este fin de semana, último del primer mes del año, será sobre una película que se llevó múltiples premios en 1999, incluyendo el de Mejor Película en los Oscar y BAFTA. Se trata de Belleza Americana, película que significó el debut en el séptimo arte del director británico Sam Mendes.

"Hablar de Belleza Americana es plantear de inicio cuatro grandes discursos: la familia disfuncional americana, la soledad del adolescente, la ingenua fatuidad de la adultez y la disciplina castrense como base del progreso y el futuro de la sociedad. Sam Mendes, maestro del teatro ingles incursiona con su primera película en Hollywood con el objetivo de proclamar su visión lacónica sobre el sentir de la clase media americana, tanto así, que no tiene ningún reparo en contar varios secretos públicos que la aquejan. Por ejemplo es inevitable no percibir los comportamientos y conductas que para un sistema de valores tan conservador como el norteamericano, basado en la premisa de esforzarse al máximo para lograr alcanzar el reconocimiento en cualquier oficio, y de ese modo materializar la anhelada felicidad basada en los bienes materiales destroza y desnuda el sentir de una comunidad privilegiada en el consumo como muestra de vitalidad. Prueba de ello es la lucha manifestada por la mujer, ama de casa y empresaria inmobiliaria en crecimiento que olvida en su afán de alcanzar sus objetivos, el rol y el compromiso más importante para con su hija: el ser madre y luego quizá esposa.

Es precisamente la soledad que produce la imposibilidad del éxito, la que incita el vacío espiritual de los protagonistas de la película; el deseo y el libido desenfrenado del hombre adulto, el señor Burnham ante la belleza física inagotable de la adolescente que destila rosas de su pecho muestra poco a poco la felonía presente en un matrimonio al cual la falta de amor lo ha transformado en una inefable parábola de la adquisición al costo que sea, es más, al olvido de la razón suprema de lo que somos: sonreír, compartir y tener la sensación infinita de un primer beso.

Sería corto decir que la belleza americana se reduce a la disfuncionalidad de la que son víctimas los miembros de una familia, dentro del paradigma que rige la noción de familia, la de la película representa la idea adecuada del mismo. Sin embargo el espejismo de la familia nuclear perjudica claramente la noción de los valores que se construyen a diario en el núcleo por excelencia de la sociedad: una mujer que se acuesta con el gurú inmobiliario para favorecerse laboralmente, un hombre que abandona su trabajo y empieza un redescubrimiento de sus necesidades mas básicas, una hija que esta dispuesta a odiar a cambio de un poco de atención y de reconocimiento, un vecino que proclama la rigidez de un reglamento que a fin de cuentas solo es valido en su consciencia.

La ética entendida como el deber ser bajo un acuerdo colectivo y no solo como el reconocimiento de los derechos de cada cual implica tener en cuenta no una adecuada conducta sino una amable consideración de nuestras acciones, pues todas ellas traen consecuencias, y si nos dejamos aplacar por la moral resultante de códigos de comportamiento sobre impuestos, solo seremos soldados entrenados para recibir ordenes y cumplir los acometidos de otros. " (Camilo Bácares Jara)

El sello Dreamworks publicó dos álbumes, uno con la banda sonora original compuesta por Thomas Newman, hijo del célebre Alfred Newman, y otro con las canciones incluidas dentro del filme, una mezcla de clásicos de Rock, Pop y Soul.

Newman, se llevaría el premio BAFTA y Grammy por la partitura compuesta para esta película. Musicalmente, siguió en la línea experimental, característica de su repertorio, identificándose principalmente con el protagonista masculino. En palabras del experto en bandas sonoras, Conrado Xalaber, “El compositor recurre de forma deliberada a una música indefinida y ambigua, lo que en la película resulta muy práctico.”

Belleza Americana se llevó también en los Oscar, 4 estatuillas más, incluyendo el de Mejor Actor, por la actuación de Kevin Spacey, el de Mejor Director, siendo un debut soñado por Sam Mendes, quien hasta ese entonces se había dedicado a la dirección de obras de teatro, y los premios a Mejor Guión Original y a Mejor Cinematografía. En la categoría de Mejor Actriz, sería nominada la actriz Annette Bening, quien se llevaría el premio BAFTA en esta misma categoría.

Domingo 27 de enero de 2008 - 10:30-11:00 p.m. (GMT -05:00)

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El Graduado - 40 años de su estreno

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El primer programa del 2008 será dedicado a escuchar la banda sonora de una película estrenada hace 40 años, que se convirtió en un clásico del cine estadounidense, y que por sus particulares características, en la época en la que se estrenó, se convirtió en un manifiesto generacional. Hablamos de El Graduado, cinta dirigida por Mike Nichols, que fue basada en la novela homónima del escritor Charles Webb, que daría a conocer al mundo al actor Dustin Hoffman, quien interpretó al protagonista, Benjamin Braddock, estando acompañado de Anne Bancroft, en su inolvidable actuación como la Señora Robinson.

El director Mike Nichols, nacido en Berlín, Alemania, se había dado a conocer en el mundo del cine en 1966 por su película Quién le teme a Virginia Woolf?, protagonizada por Elizabeth Taylor y Richard Burton, pareja que había protagonizado años atrás, en 1963, la clásica Cleopatra. En 1967, Nichols trabajó junto a Calder Willingham y Buck Henry, quienes fueron los encargados de escribir el guión adaptado de la novela original de Webb.

La historia narra las situaciones en las que se ve envuelto un joven que acaba de graduarse del bachillerato y que en medio de los deseos de su familia y círculo social cercano, no sabe a qué se dedicará en el futuro, situación que lo tiene lleno de estrés y temor. Durante la fiesta de su graduación, una mujer casada, la señora Robinson, que es amiga de la familia Braddock, trata de seducirlo para que tengan un romance clandestino; Benjamín por su inocencia e ingenuidad, va cayendo y finalmente sostiene dicho romance durante un tiempo, pero la relación se torna en algo tormentoso, y se agrava, cuando Benjamín comienza a salir con la hija de la señora Robinson, Elaine, de quien se enamora, y quien se entera de la relación que su madre sostuvo con él. Elaine entra a la universidad, y Benjamín la persigue y le propone matrimonio, pero Elaine ya tiene novio, y esta comprometida con dicho personaje. Finalmente, en una memorable escena, Benjamín, desesperado, llega corriendo a la iglesia donde se va a celebrar el matrimonio, y se enfrenta a todos los invitados, incluyendo al Señor Robinson, y se escapa con Elaine en un bus de servicio público.

Durante la filmación, Nichols estaba obsesionado con la música de Simon & Garfunkel, y quería que la banda sonora de la película contara con canciones del dúo. Gracias al productor Lawrence Thurman, Nichols logró contactar a Paul Simon, para que compusiera 2 o 3 canciones originales para la película, Simon dijo que no tenía tiempo, porque estaba de gira, y finalmente, compondría una sola canción, que se convertiría en uno de los temas más conocidos de su carrera artística, la famosa “Mrs. Robinson”.

Además de las canciones del dúo neoyorquino, se incluyó dentro de la película, música compuesta por Dave Grusin, compositor, arreglista y pianista nacido en Littleton, Colorado, quien ha trabajado en más de 100 bandas sonoras para cine y televisión en su carrera. Ha sido nominado en varias ocasiones a varios premios, y fue el ganador del premio Oscar a Mejor Banda Sonora Original, por su trabajo en la película El Secreto del Milagro de 1988, filme dirigido por Robert Redford y que contó con la actuación del salsero Rubén Blades. Grusin ha trabajado en varios géneros musicales, pero se le asocia y se le conoce como un músico de jazz.

La banda sonora de la película, fue lanzada al mercado el 21 de enero de 1968, y fue subiendo en los listados de popularidad, llegando al número 1 en los 200 de Billboard en Abril 6 de dicho año, permaneciendo allí durante 7 semanas consecutivas. Grusin y Simon recibirían el Premio Grammy a Mejor Banda Sonora Original escrita para Televisión o Cine en 1969. Dentro de la película se incluyen los temas "The Sound Of Silence", "April Come She Will", "Scarborough Fair/Canticle" y "Mrs. Robinson".

Debido al éxito de la película, Simon & Garfunkel decidieron hacer una versión larga de la canción “Mrs. Robinson”, ya que en la banda sonora y en la película, se incluyeron dos versiones cortas e instrumentales. El sencillo fue finalmente lanzado en Abril de 1968, junto al álbum Bookends, tercero del dúo, y que es considerado como uno de sus mejores trabajos. “Mrs. Robinson” llegó al número 1 en las 100 calientes de Billboard el 1 de junio, permaneciendo allí por 3 semanas. La canción se llevaría el prestigioso premio Grammy a Mejor Grabación del año.

Esta película logró mostrar al mundo el sentimiento de inconformidad, alienación e insatisfacción que vivía la juventud de los años 60 en los Estados Unidos. Es de resaltar, la forma en que Nichols logró hacer una crítica mordaz a la sociedad conservadora de dicha época, como era el caso de la familia y el círculo social que rodeaba a Benjamín. Además se rompió el prototipo de actores con gran físico en Hollywood, con la gran actuación de Dustin Hoffman, quien a la postre se convertiría en una de las estrellas de la “meca” del cine.

La forma narrativa en que fue contada la película, fue innovadora; Nichols se llevaría el premio Oscar y el Globo de Oro a Mejor Director, merecidamente. La cinta recibió siete nominaciones en los premios Oscar, incluyendo la de Mejor Película, y se llevaría el premio en esta misma categoría en los BAFTA, y en la categoría de Mejor Comedia o Musical en los Globo de Oro. La música fue muy importante dentro de la cinta, ya que realzó y enfatizó los momentos clave dentro de la historia, y fue fundamental para que la carrera de Simon & Garfunkel ascendiera vertiginosamente.

Domingo 20 de enero de 2008, 10:30-11:00 p.m.
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Charles Chaplin - 30 años de su muerte

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El pasado martes 25 de diciembre se conmemoraron 30 años de la muerte del cómico más popular en la historia del cine, uno de los más geniales e importantes artistas del séptimo arte, el inglés Sir Charles Spencer Davis Jr., mas conocido como Charles Chaplin, quien creó al famoso personaje Charlot.

Chaplin nació el 16 de abril de 1889 en Lambeth, Londres, fue hijo de dos artistas de music-hall, que le enseñaron a cantar y actuar a temprana edad; cuando sus padres se separaron, vivió junto a su hermano mayor Sydney y su madre Hannah, teniendo muy poco contacto con su padre, ya que era alcohólico. Esta enfermedad terminaría con su vida en 1901, cuando Charles tenía tan solo 12 años. Posteriormente, su madre tuvo un problema de laringe, por lo cual su carrera como cantante de music-hall terminó para siempre, al poco tiempo, se volvería una enferma mental, por lo cual Charles y su hermano la llevaron a un asilo.

De esta manera, los hermanos Chaplin tuvieron que arreglárselas para sobrevivir, ganándose la vida como actores en el music-hall, recordemos que el music-hall fue una forma de espectáculo muy popular en Gran Bretaña desde la segunda mitad del siglo XIX hasta la década de los 60 del siglo pasado, en la que se mezclaban canciones populares, comedia y baile, siendo muy similar al vaudeville americano, y que fue de gran influencia para el teatro musical moderno.

El gran salto de Chaplin a la fama, se produjo cuando su hermano Sydney, quien se había convertido en una de las estrellas del grupo cómico de Fred Karno, recibió una oferta por parte de este, para que viajara con el grupo, y trajera a Charles para una gira que iban a realizar por los Estados Unidos, esto a comienzos de la década de 1910. Luego de esta gira, Mack Senett, canadiense conocido como “El Rey de la Comedia” en California, contrató a Charles y fue allí donde conoció el mundo del cine y pronto recibiría propuestas de Hollywood, para que trabajara en varias cintas.

En 1914 haría su primera aparición en la película Charlot Periodista, y en la segunda Carreteras Sofocantes, ya aparecería con su indumentaria característica, de vagabundo andrajoso que tenía un bastón y un bigote pequeño. Ese era el famoso Charlot, que se convertiría en un icono de la cultura universal. Un personaje que buscaba mejorar su vida sin conseguirlo nunca.

Dentro de cada una de las películas de Chaplin, había una dura crítica a la sociedad americana, esto se pudo evidenciar claramente en películas como El Inmigrante de 1917 o Vida de Perro de 1918. Además de ser un gran actor y mimo, Chaplin era polifacético, y desde que adquirió reconocimiento y fama, fue productor, director, guionista, protagonista e incluso compositor de la música de sus películas.

En 1919, junto a Mary Pickford, Douglas Fairbank y David W. Griffith, Chaplin fundó la United Artists, y gracias a esto pudo rodar largometrajes, ya que hasta ese momento solo había rodado cintas de corta duración. En 1921, realizaría una de sus películas más recordadas, El Chico, cinta que muestra a un hombre que decide adoptar y criar a un niño que fue abandonado por su madre. La relación entre ambos es muy enternecedora, cariñosa y amorosa, y es una de las cintas imprescindibles de la era muda del cine, en la que Chaplin trató de mostrar en ese niño, lo que él había vivido en su infancia.

En la década del 20 del siglo pasado, se impondría el cine sonoro, hecho que no hizo que Chaplin cambiara su forma de realizar películas, teniendo confianza de que el público aceptaría que él continuara realizando películas mudas, en las que mostraba su habilidad como mimo, expresando las emociones sin necesidad de diálogos. Él pensaba que su personaje Charlot que había creado con tanto esmero y esfuerzo durante años, perdería su esencia, sí llegaba a hablar.

Lo que sí cambiaría dentro de sus películas, sería la forma en que le añadiría la música. Con el surgimiento de la hoja sonorizadora, es decir, la banda de sonido, Chaplin pudo controlar la música de sus cintas. En palabras de él mismo, escritas en su autobiografía, dijo al respecto lo siguiente: “Me esforcé mucho en componer una música elegante y romántica, que contrastase con mi personaje. Estaba convencido de que una música elegante daría a mis películas una dimensión afectiva, cosa que no acababan de comprender los arreglistas musicales. Ellos pedían que la música fuera divertida, pero los explique que lo que yo buscaba no era rivalizar con la imágenes, sino darles un contrapunto. Mi idea era que la música expresará sentimientos, porque sin ellos, como escribió William Hazlitt, toda obra de arte está incompleta”.

En 1925 se estrenó una de sus cintas más recordadas, La Quimera de Oro, que es considerada como una de sus obras maestras. Varios años después, en 1942, Chaplin compondría la música para esta película. En 1928 realizaría El Circo, una de las películas más taquilleras de la era muda del cine. Chaplin recibiría un premio Oscar, en una categoría especial, por “su versatilidad al producir, escribir, dirigir y actuar en su película El Circo”.

Debido a la fuerte crítica social que expresaba en sus películas, en especial hacía el capitalismo y la sociedad de consumo, Chaplin tuvo muchos problemas con el gobierno estadounidense, por cintas como Tiempos Modernos y El Gran Dictador, llegando a ser deportado en 1952 por ser una amenaza moral para el país, por su apoyo e identificación con la ideología comunista. De esta manera, Charles se instaló en Suiza en 1953, en donde pasaría el resto de sus días.

En 1966 estrenaría su última película, en la que actuaron Marlon Brando y Sophia Lorén, titulada La Condesa de Hong-Kong, que no fue muy aclamada por la crítica. Posteriormente en la década del 70, recibiría un Oscar Honorífico por el “incalculable efecto producido en el arte del siglo XX: el cine”, esto en 1972, así mismo recibió en la misma ceremonia el premio a Mejor Banda Sonora por su trabajo realizado junto a Ray Rass y Larry Russell en la música de la película Candilejas, original de 1952; en 1975, fue nombrado caballero de la Corte Real Británica, fallecería el día de navidad de 1977, cuando tenía 88 años.

En 1992, con motivo de los 15 años de su muerte, el británico Richard Attenborough, recordado por dirigir la película ganadora de 9 premios Oscar en 1982, Gandhi, realizaría un filme semi-biográfico titulado Chaplin, la cinta sería nominada a 3 premios Oscar, incluyendo el de Mejor Banda Sonora, compuesta por John Barry y a Mejor Actor Principal, por el papel de Robert Downey Jr. como Chaplin.

La sencillez y profundidad a la vez, que tenían las películas de Chaplin, fue lo que las convirtió en obras fundamentales para el desarrollo del arte cinematográfico, acompañado de la genialidad y su versatilidad como actor y como creador de historias originales y únicas, que lo convirtieron en una de las figuras más importantes en la historia del cine, así como en la historia del arte del siglo XX.

En el programa se escucháran algunos cortes de la música de las películas: Día de juerga (1919), La quimera de oro (1925) y El Circo (1928).

Los mejores deseos para todos en el próximo año 2008.

Domingo 30 de diciembre de 2007 - 10:30-11:00 p.m. (GMT -05:00)

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Especial de Navidad - Mi Pobre Angelito - John Williams

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Estamos en vísperas de la navidad, esa época del año que sirve para el recogimiento, la reflexión y que nos permite reunirnos con nuestros seres queridos y nuestros familiares. Por este motivo el programa del próximo domingo, será dedicado a escuchar una banda sonora compuesta por el célebre y reconocido John Williams, para una película familiar navideña, que fue conocida en Latinoamérica como Mi Pobre Angelito.

Esta comedia familiar de Mi Pobre Angelito, que sigue siendo hasta hoy en día la película de comedia de acción en vivo más taquillera de todos los tiempos, fue escrita y producida por John Hughes, reconocido director, productor y guionista de algunas de las comedias estadounidenses más exitosas de la década de los 80 y de los 90. La dirección estuvo a cargo de Chris Columbus, quien también a lo largo de su carrera ha trabajado en películas familiares, tales como Señora Doubtfire, El Hombre Bicentenario y las dos primeras películas de Harry Potter.

Hughes le propuso a Columbus realizar una película con una historia que había escrito sobre un niño de 8 años llamado Kevin McCallister, quien es abandonado por accidente, cuando su familia, bastante numerosa por cierto, en medio del afán y el retraso por salir rápido y llegar al aeropuerto, para su viaje de vacaciones navideñas hacía París. Kevin al quedarse solo en casa, algo que en el fondo deseaba por problemas que había tenido con algunos familiares, se siente feliz por el momento, por su ingenuidad, pero después se va dando cuenta de la falta que le hace su familia. De todas maneras, el niño logra defenderse a su manera, y cuando es asediado por dos ladrones, quienes desean robar su casa, logra enfrentarlos, colocándoles diferentes trampas de manera muy inteligente y sagaz.

El mayor acierto fue haber escogido para el papel de Kevin a Macaulay Culkin, un niño de 9 años, nacido en Nueva York, que desde los 4 años había incursionado en la actuación, y que había aparecido en diferentes obras en Broadway, en series televisivas y con un paso fugaz en cine, en una película también escrita y dirigida por John Hughes, titulada El Tío Buck, cinta estrenada en 1989. Sumada a la escogencia de Culkin, el reparto no pudo ser mejor, con Joe Pesci y Daniel Stern interpretando a los dos ladrones, Harry y Marv respectivamente, sumándose Catherine O’Hara, actriz canadiense que interpretó a la madre de Kevin, quien ya había sido conocida por su actuación en Beetlejuice en 1988.


La música no pudo haber sido dejada en mejores manos, John Williams, recordado por su trabajo en las sagas de Star Wars e Indiana Jones, y por películas como Superman y Tiburón, le puso su sello personal a la música, siendo algo esencial para el éxito de la película. Para esta cinta, Williams utilizó como inspiración la famosa suite del Cascanueces Op.71, composición del músico ruso del siglo XIX, Pyotr Ilyich Tchaikovsky.

Un instrumento utilizado por Williams, que es conocido precisamente por su utilización en el Cascanueces de Tchaikovsky, fue la celesta, instrumento de composición similar al piano, pero cuyos martillos activados por teclas percuten placas de metal en lugar de cuerdas tensas. Estas placas al ser percutidas provocan una resonancia sobre una caja de madera destinada a este fin, produciendo un sonido dulce y bello.

Williams además de poner su cuota musical dentro de la película, también adaptó algunos villancicos tradicionales como "O Holy Night" y "Carol Of The Bells". Por su parte, Williams compuso junto a Leslie Bricusse (letras) dos villancicos: "Star Of Bethlehem" y el recordado "Somewhere In My Memory", que fue nominado como Mejor Canción Original en los Premios Oscar.

Esta película, además del éxito que obtuvo a nivel mundial en taquillas, fue también utilizada para la creación de diferentes videojuegos. Además de la nominación a Mejor Canción Original por “Somewhere In My Memory”, Williams fue nominado también a la categoría de Mejor Banda Sonora por su trabajo. Recordemos que Williams es el compositor y artista vivo con más nominaciones a premios de la Academia en toda la historia con 45 en total.

Como dato curioso, el famoso poster en el que Culkin aparece cogiendose las mejillas con sus 2 manos, es una parodia de uno de los cuadros más conocidos en el mundo, El Grito, del pintor expresionista noruego Edvard Munch, pintura original de 1893, que se encuentra en la Galería Nacional de Oslo y que a finales del siglo XX adquirió el estátus de icono cultural, simbolizando el desespero, la angustia y los complejos de culpa y ansiedad que vive el hombre.

En 1992 se estrenaría una segunda parte de esta historia, Mi Pobre Angelito 2: Pérdido En Nueva York, que contó con la dirección de Columbus nuevamente y con el mismo reparto actoral, incluyendo a los protagonistas. En 1997 ya con otro reparto actoral, se estrenaría una tercera parte, que no tuvo mucho éxito, así como tampoco lo tuvo la cuarta parte estrenada por la ABC en 2002.

!Una Feliz Navidad para todos!

Domingo 23 de diciembre - 10:30-11:00 p.m. (GMT-05:00)

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Saturday Night Fever - 30 años después

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El 14 de diciembre de 1977, se estrenó una de las películas más recordadas en la historia, que generó y tuvo un impacto cultural bastante significativo, se trata de Saturday Night Fever, película que fue protagonizada por John Travolta y que fue la encargada de popularizar la música disco alrededor del mundo.

Robert Stigwood, nacido en Adelaida, Australia, es uno de los empresarios y productores de espectaculos musicales y de entretenimiento más importantes en la historia, desde la década de los 60’s, incursionó en la industria musical, patrocinando a grupos de rock como Cream y los Bee Gees en sus comienzos, y posteriormente siendo el impulsor de varios de los musicales mas exitosos de Broadway y del West End, como Hair, Jesucristo Superestrella, Evita y Grease, que debido a su éxito y acogida, también fueron llevados al cine, con Stigwood a la cabeza.

En 1975, en la revista New York Magazine, el periodista británico Nik Cohn, publicó un artículo titulado “Tribal Rites of The New Saturday Night” o “Ritos Tribales de la nueva noche de Sábado”, que fue una historia ficticia que el periodista creo para describir la escena disco que estaba viviéndose en los Estados Unidos, y que fue la fuente de inspiración para la creación de la película que dirigiría John Badham. La historia que tiene lugar en Brooklyn, Nueva York, muestra a Tony Maniero, un joven de 19 años de ascendencia italiana, quien encuentra en la discoteca el lugar de escape y de diversión, a sus problemas intrafamiliares y laborales. La película retrata la historia de este personaje, y de una bailarina, mayor que él, con quien participa en una competencia de baile. Tony se enamora de Stephanie, y ella llega a interesarse en él, pero las circunstancias y situaciones que ambos viven, los hace entender sobre el final que su relación no puede ser algo más que una bonita amistad.

La música disco, surgió en la década de los 70, convirtiendose en un género popular, tomando elementos de géneros como el Motown, el Soul, el R&B y el Funk, con toques latinos en muchos casos, y que se convirtió en la música de las salas de baile, de las discotecas, de ahí el origen de su nombre. El sonido disco, se caracterizaba por las secciones de cuerda y metales, con la base instrumental del piano eléctrico y la guitarra eléctrica.

Los Bee Gees, un trío formado por 3 hermanos, Barry y los gemelos Robin y Maurice Gibb, tuvo un leve éxito sobre el final de la década de los 60, pero pasaron al olvido rapidamente, Stigwood su productor musical, les propuso que compusieran la música para la película que estaban realizando. De esta manera, el trío compuso la música, y empezo a difundirse en la radio, y luego con el éxito rotundo que tuvo la película, se convirtieron en unos de los artistas más exitosos de la historia, ayudando a difundir y popularizar la música disco en el mundo, por lo cual fue de suma importancia tanto la música como la película, y esto se representó en las ventas millonarias de la banda sonora, que la convirtió en la más vendida de todos los tiempos, con las canciones de los Bee Gees como principal atractivo, y con música de otros artistas.

Los temas más recordados son "Stayin' Alive", "How Deep Is Your Love", "More Than A Woman", "Night Fever", "You Should Be Dancing" e "If I Can't Have You", que fue interpretado por Yvonne Elliman. Todos ellos los podra escuchar en el programa.

Domingo 16 de diciembre de 2007 - 10:30-11:00 p.m. (GMT-05:00)

Escúchelo en Javeriana Estéreo 91.9 FM en Bogotá

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