Güemes, la Tierra en Armas - Ariel Ramírez y Mercedes Sosa

 

Hola a todos:

El pasado 4 de octubre falleció una de las figuras más importantes de la música latinoamericana en la segunda mitad del siglo XX, conocida como 'La Voz de América' o 'La Negra', Haydée Mercedes Sosa, mujer nacida el 9 de julio de 1935 en San Miguel de Tucumán, capital de la Provincia de Tucumán, al noroeste de la República Argentina. Gran exponente de la música folclórica de su país y de la Nueva Canción Latinoamericana, la mujer que se definía a sí misma como “cantora” antes que “cantante”, también incursionó en contadas ocasiones en la pantalla grande.

Dedicaremos el programa del fin de semana a escuchar la banda sonora de la primera película en la que participó “La Negra”, titulada Güemes, la tierra en armas, cinta estrenada en 1971, dirigida por Leopoldo Torres Nilsson y que contó con banda sonora del célebre compositor Ariel Ramírez, además de incluir, por supuesto, algunos temas en los que canta Sosa.

Esta película hace un recuento por la vida y la batalla del General Martín Miguel de Güemes, primer gobernador de la Provincia de Salta, y una de las figuras principales en la historia de la independencia de Argentina. Güemes defendió de los españoles a las provincias norteñas, comandando al ejército de los gauchos. 

 

El General Güemes fue encarnado por el reconocido actor Alfredo Alcón, uno de los más importantes representantes del cine, el teatro y la televisión de su generación en Argentina. Mientras tanto, Mercedes Sosa interpretaría a la guerrillera del Alto Perú, actual Bolivia, Juana Azurduy, otro importante personaje en la historia de la independencia de los pueblos boliviano y argentino del dominio y opresión del Virreinato del Río de la Plata.

Esta película de Leopoldo Torres Nilsson, fue la única en la que Mercedes Sosa no apareció como ella misma. En los otros filmes en los que apareció, que fueron: Argentinísima de 1972, Esta es mi Argentina de 1974, Mercedes Sosa, como un pájaro libre de 1983, Será posible el sur: Mercedes Sosa de 1985 e Historias de Argentina en vivo de 2001, la cantante no interpretó a ningún personaje en especial.

 

El compositor de la música original  de esta cinta fue Ariel Ramírez, músico, pianista, concertista, compositor y director argentino, quien ha sido uno de los más versátiles músicos que ha dado Latinoamérica, nacido el 4 de septiembre de 1921 en la ciudad de Santa Fe, Ramírez ha trabajado mucho por la música, siendo en la actualidad el presidente de la Sociedad Argentina de Autores y Compositores de Música.

Ramírez fue uno de los grandes representantes y promotores del folclor musical de Suramérica, presentando su música en varios países de Europa. Su más célebre obra, la Misa Criolla, obtuvo gran éxito internacional y fue interpretada, entre otros artistas, por Mercedes Sosa, con quien trabajó en algunos de los álbumes más exitosos de la tucumana, como Mujeres Argentinas de 1969 y Cantata Sudamericana de 1971, justamente el mismo año en que se estrenó Güemes, la tierra en armas. En esta banda sonora se pueden escuchar temas de música andina en su mayoría, así como de música contemporánea.

Domingo 1 de noviembre de 2009 - 10:30-11:00 p.m. (GMT -05:00)

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Coco antes de Chanel - Alexandre Desplat

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Dedicaremos el programa de este fin de semana a escuchar en estreno la banda sonora de la película Coco antes de Chanel, cinta autobiográfica de la directora Anne Fontaine, acerca de la vida de la célebre diseñadora de moda Gabrielle Bonheur Chanel, más conocida como “Coco” Chanel, una de las mujeres más influyentes en el mundo durante el siglo XX. Esta cinta, que se encuentra actualmente en cartelera, fue estrenada el 22 de abril en Francia, y el 9 de octubre del presente año en las salas de cine de nuestro país.

Como bien dice su título, esta película se centra en los años anteriores al gran período de fama y reconocimiento de Coco Chanel como modista. La mujer nacida un 19 de agosto de 1883 en Saumur, población ubicada en la región de Pays de la Loire o los países del Loria, al noroccidente de Francia, vivió durante 7 años en un orfanato ubicado en Auvergne, administrado por unas tías, luego de que su madre falleciera de una tuberculosis y su padre la abandonara junto a sus hermanos y hermanas, cuando ella apenas contaba con tan solo 12 años.

Dicho período de su vida, justamente en plena adolescencia, fue bastante duro para Gabrielle por la falta que le hacían sus padres. Sin embargo, la joven aprendió durante aquel tiempo a coser y manejar el hilo y la aguja, gracias a lo cual obtuvo su primer empleo como costurera a los 17 años. Un año después se independizaría, abandonando el orfanato de sus tías, y probaría suerte como cantante en un cabaret de provincia.

Luego de que el multimillonario Étienne Balsan la conociera en la sastrería donde trabajaba, "Coco" vive una relación amorosa con este hombre, por lo cual se desplaza a París, donde comparte reuniones y bailes junto a la elite de la llamada ciudad Luz. Luego de terminar su relación con Balsan, “Coco” conocería al mejor amigo de éste, el capitán Arthur Edward “Boy” Capel, jugador de polo y miembro de la realeza británica, con quien sostendría también una relación sentimental.

Durante el transcurso de la película, podemos ver cómo esta mujer era pujante y autónoma, rebelde y talentosa, características que a la postre la llevarían a ocupar el lugar de honor que tuvo en la historia de la moda y la alta costura francesa.

La partitura compuesta por Alexandre Desplat para esta cinta fue bastante intimista, con melodías muy suaves que evocan fragilidad y dramatismo, que envuelven a la historia de la diseñadora de moda en el período de vida anterior a su exitosa carrera, recordemos. Si bien no hay mucha variedad dentro de la partitura, la composición fue bien lograda y funciona dentro de la película.

Además de la participación de Audrey Tautou, la dirección de Anne Fontaine y la música de Alexandre Desplat, estuvieron el italiano Alessandro Nivola en el papel de “Boy” Capel, y el belga Benoit Poelvoorde, quien encarnó a Étienne Balsan.

Luego de su estreno, esta película ha recibido bastantes críticas, especialmente por el guión y el ritmo que lleva la cinta, que según varios expertos la hace perder mucho a la hora de hacer una valoración general del filme. Si bien se destacan la cuidada fotografía, el vestuario y la actuación de Tautou, para muchos esta película no muestra la faceta más importante en la vida de la famosa “Coco” Chanel.

No es la primera vez que esta importante mujer aparece en la pantalla grande, ya en 1981 había aparecido una cinta de George Kaczender, titulada Chanel Solitaire; Coco Chanel, película de televisión norteamericana; Coco Chanel e Igor Stravinsky del director Jan Kounen, que muestra la supuesta relación que tuvieron “Coco” y el ruso; y finalmente el musical de Broadway de André Previn, Coco, estrenado en 1969.

Domingo 25 de octubre de 2009 - 10:30-11:00 p.m. (GMT -05:00)

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Howard Shore

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El 18 de octubre de 1946, nació el compositor canadiense Howard Shore, uno de los más reconocidos compositores de bandas sonoras de los últimos tiempos. Con motivo de este aniversario, dedicaremos el programa del fin de semana a hacer un recorrido por su vida y obra, recordando algunas de sus bandas sonoras más conocidas.

Howard Leslie Shore nació en la ciudad de Toronto en Canadá. Estudió música en el Berklee College of Music de Boston e hizo parte entre 1969 y 1972 de la banda de de rock-fusión Lighthouse. Su carrera en los medios audiovisuales inició en 1970, cuando fue director musical del programa en vivo The Hart & Lorne Terrific Hour. Posteriormente compondría la música del influyente show televisivo de la NBC Saturday Night Live y debutaría como compositor de música para cine en 1979, en la película canadiense de terror La Cría, dirigida y escrita por David Cronenberg, nacido también en Toronto y quien dirigió la conocida serie televisiva Viernes 13.

Desde aquel entonces, Shore ha trabajado en asociación con Cronenberg, quien es considerado como uno de los padres del body horror, es decir, películas de terror y ciencia ficción que muestran gráficamente la destrucción o desmembración de partes del cuerpo, algo evidente, por ejemplo, en la clásica película Alien del británico Ridley Scott. De los trabajos realizados por la sociedad Shore-Cronenberg se destacan La Mosca de 1986, El almuerzo desnudo de 1991, Crash de 1996 y la más reciente colaboración Promesas del Este del 2007.

La experiencia en películas del género del terror y la ciencia ficción, precisamente, hicieron que Shore trabajara aún más en películas de este tipo, con música opresiva, amenazante y siniestra, tal y como el tema que escuchamos para iniciar el programa de esta noche, nos referimos al tema central del clásico thriller de terror y suspenso del director Jonathan Demme, El Silencio de los Inocentes, estrenada en 1991.

Esta película ostenta aún el record, junto a las cintas Lo que sucedió aquella noche de 1934 y Atrapado sin salida de 1975, de haber ganado el llamado grand slam de los Oscar, los 5 premios más importantes que entrega la Academia a Mejor Película, Mejor Director, Mejor Actor Principal, Mejor Actriz Principal y Mejor Guión Adaptado u Original.

La historia entre la detective Clarice, interpretada por Jodie Foster, y el doctor Hannibal Lecter, encarnado por Anthony Hopkins, es uno de los grandes clásicos en la historia del séptimo arte hecho en Hollywood. La música de Howard Shore para esta cinta fue muy bien lograda, generando un ambiente de terror y de constante alerta para la protagonista, por lo cual es una partitura mucho más sugestiva que explícita.

En 1993, Tom Hanks recibió su primer premio Oscar a Mejor Actor Principal por su papel protagónico en Philadelphia, cinta dirigida por Jonathan Demme, mismo director de El Silencio de los Inocentes. Al lado de Hanks estuvieron Denzel Washington y el español Antonio Banderas, siendo ese uno de sus primeros papeles allí en Hollywood.

Durante el resto de la década de los 90, además de continuar trabajando con su socio David Cronenberg, Howard Shore trabajaría con varios directores, entre los que se encuentran Joel Schumacher y David Fincher. Pero lo que consagraría y le daría fama mundial a este compositor fue la música que creó para la adaptación cinematográfica de la trilogía de novelas de fantasía El Señor de los Anillos del escritor, poeta filólogo y profesor de universidad británico John Ronald Reuel Tolkien.

Dichas producciones, estrenadas entre 2001 y 2003, fueron dirigidas por el neozelandés Peter Jackson y obtuvieron gran éxito, por ser películas excelentes en diferentes aspectos, como la fotografía, el maquillaje, la fotografía, escenografía, los efectos especiales y por supuesto, la música, interpretada en su mayoría por la Orquesta Filarmónica de Londres y el reconocido ensamble coral Las Voces de Londres, que han participado en la grabación de otras bandas sonoras como La misión, La guerra de las galaxias, Harry Potter y La Pasión de Cristo.

Howard Shore compuso en total aproximadamente 10 horas de música para la trilogía, algo verdaderamente impresionante, que ha sido publicada en ediciones por separado y también en cajas de lujo, y se espera que en este año 2009 se publiquen temas no utilizados dentro de la película.

La música fue compuesta de modo operático por Shore, quien creó aproximadamente 80 leitmotifs distintos para una partitura que se caracteriza por el sentido épico y fantástico que le imprime la orquesta, compuesta de cuerdas, vientos, metales, percusión y de coros. El compositor quiso expresar con su música la lucha entre el bien y el mal, identificando a las diferentes culturas de Tierra Media, y el resultado fue bastante acertado, haciendo de estas bandas sonoras unas de las más conocidas y aclamadas de la historia, posicionándose al lado de creaciones tan famosas como las de John Williams para la saga de La guerra de las galaxias o Indiana Jones, por ejemplo.

El canadiense recibiría tres premios Oscar por su trabajo en la trilogía de El señor de los anillos, que recordemos contó con las actuaciones de Elijah Wood, Viggo Mortensen y Orlando Bloom, entre otros. Las tres estatuillas doradas de la Academia que obtuvo Shore fueron en la categoría de Mejor Banda Sonora Original en 2001 por su trabajo en La comunidad del anillo y en 2003 por El retorno del rey en la misma categoría y en la de Mejor Canción Original por el tema “Into the west”, interpretado por la escocesa Annie Lennox.

La canción también obtuvo el premio Grammy en 2004, y en dichos galardones, los más prestigiosos del mundo de la música, sus tres bandas sonoras recibieron el premio a Mejor Álbum de Banda Sonora Original compuesta para Cine, Televisión u otro medio audiovisual. En los Globos de Oro, Shore recibiría el premio a Mejor Banda Sonora por la partitura de la última película de la trilogía, que recordemos, fue la más exitosa de todas, llevándose 11 premios Oscar, incluyendo el de Mejor Película, lo cual la hace la cinta con más estatuillas en la historia, al lado de Ben-Hur y Titanic.

Un año después de finalizar su trabajo en la trilogía de El señor de los anillos, Shore compuso la música para la película de Martin Scorsese, El Aviador, que relata la vida del magnate Howard Hughes, encarnado por Leonardo DiCaprio. Dicha banda sonora hizo merecedor a Shore de su segundo Globo de Oro.

En 2006, Shore trabajaría por segunda vez con Martin Scorsese, en la película que le daría al director neoyorquino el tan ansiado Oscar, luego de haber estado nominado en varias ocasiones, nos referimos al thriller policíaco Los Infiltrados, un remake de la película china Asuntos Infernales, que contó con un elenco de lujo, encabezado por Jack Nicholson, Martin Sheen, Alec Baldwin, Leonardo DiCaprio, Matt Damon y Ben Affleck. El trabajo del canadiense en esta película no fue muy amplio, ya que la banda sonora está compuesta en su mayoría de canciones Cronenberg. preexistentes de diferentes artistas populares.

En el 2007, el compositor recibiría su más reciente nominación en los Globos de Oro, por la banda sonora de la película Promesas del Este de su socio David La última banda sonora de su autoría publicada fue para la película La Duda de 2008, protagonizada por Meryl Streep y Philipp Seymour-Hoffman.

Domingo 18 de octubre de 2009 - 10:30-11:00 p.m. (GMT -05:00)

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Patrick Swayze (1952-2009)

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El pasado 14 de septiembre de este año 2009, falleció el famoso actor, bailarín y cantante Patrick Swayze, recordado por sus actuaciones en películas como Dirty Dancing y Ghost. Por tal motivo, le haremos un pequeño homenaje, haciendo un recorrido por su vida y escuchando la música que acompañó a estas exitosas producciones en las que participó durante su carrera.

Patrick Wayne Swayze nació el 18 de agosto de 1952 en Houston, Texas. Hijo de una bailarina, instructora y coreógrafa, y de un ingeniero, Patrick vivió sus primeros 20 años de vida en su ciudad natal, durante sus años de colegio desarrolló habilidades físicas y artísticas, estudió educación física durante dos años, patinaba sobre hielo, actuaba en obras de teatro y practicaba ballet clásico.

Para 1972, Swayze se trasladó a Nueva York, donde completó su formación como bailarín, en las escuelas de ballet Harkness y Joffrey. Gracias a estas habilidades dancísticas y escénicas, así como su formidable estado físico, el tejano inició su carrera como bailarín del famoso Disney Parade, y posteriormente incursionó en Broadway, cuando actúo como reemplazo en el famoso musical Grease, en el papel principal, interpretando a Danny Zuko. En 1979, en la película Skatetown, U.S.A., Swayze debutaría en la pantalla grande, pero se daría a conocer por su actuación en la película Rebeldes de Francis Ford Coppola, estrenada en 1983.

Su primer gran éxito vino con la miniserie televisiva Norte y Sur, basada en la trilogía de novelas escritas por John Jakes, acerca de la amistad de dos hombres oriundos cada uno del norte y del sur de Estados Unidos. La historia narra cómo dicha amistad perdura a lo largo del tiempo, a pesar de que las familias de donde provienen se enfrentan en la Guerra Civil Americana de mediados del siglo XIX. Swayze encarnó a uno de los protagonistas, Orry Main, el hombre humilde originario del sur, hijo de granjeros.

En 1987, Swayze protagonizaría una de las películas más exitosas de dicha década en los Estados Unidos, titulada Dirty Dancing. La cinta fue concebida y escrita por Eleanor Bergstein, quien se inspiró en su experiencia propia, cuando en su adolescencia, mientras sus padres jugaban golf en lujosos resorts, aprendía a bailar Mambo, compitiendo en los concursos de “baile prohibido”, tal y como se titula este largometraje.

El argumento central del filme nos muestra el romance que viven un instructor de baile, llamado Johnny Castle, y una joven de 17 años, llamada Frances “Baby” Houseman, en el verano de 1963. Casi un tercio de la película contiene escenas de baile, por lo cual se tuvo que elegir cuidadosamente a los protagonistas. Lógicamente, Swayze, al ser bailarín profesional, era idóneo para este papel, por lo que fue escogido para el papel principal junto a Jennifer Gray.

La película obtuvo un éxito inesperado, y todo gracias al baile y a la música que la acompañó. Su banda sonora es una de las más vendidas en toda la historia, con aproximadamente 42 millones de copias alrededor del mundo hasta la fecha. Variada en géneros, en esta banda sonora se encuentra música de artistas populares del mundo del Pop, Rock, R&B y Soul de los años 50, 60 y 80. Luego de ser lanzada el 21 de agosto de 1987, un día después del estreno de la película, llegó a ocupar el Número 1 en la lista de los 200 álbumes de Billboard durante 18 semanas.

Debido al contexto y la época en que se desarrolla la película, se incluyeron temas bastante populares como estos, los cuales ambientaban las fiestas juveniles de aquel entonces. Swayze desplegó todas sus habilidades profesionales de bailarín en esta película, no solo con estos temas netamente norteamericanos, sino también con música bailable latina, como el mambo y el merengue.

El hombre clave en la selección de temas fue el productor Jimmy lenner, quien había trabajado en el pasado con John Lennon, entre otros artistas. Además de la música perteneciente a la época en que se desarrolla, también hubo lugar para incluir algunos temas románticos pertenecientes a la época en que se filmó la película. Tal fue el caso de “Hungry Eyes”, que dio a conocer a Eric Carmen, y de “She’s Like The Wind”, tema originalmente compuesto para la banda sonora de Grandview, U.S.A, por el mismo Patrick Swayze junto a Stacy Widelitz, pero no fue utilizado.

Swayze guardó el tema y cuando se encontraban filmando Dirty Dancing en 1986, se lo mostró un demo a los productores, a quienes les gustó mucho y dieron el visto bueno para que fuera utilizada dentro de la banda sonora de la película. Swayze grabó el tema junto a Wendy Fraser, y fue uno de los grandes éxitos de la década los 80 en listados de popularidad.

Patrick Swayze fue nominado en los Globos de Oro de 1988, por su papel en Dirty Dancing, en la categoría de Mejor Actor Principal de Comedia o Musical. Y tres años después, sería nominado nuevamente en esta categoría, luego de que protagonizara junto a la naciente estrella de Hollywood, Demi Moore, una cinta dirigida por Jerry Zucker, titulada Ghost.

Esta película narra la historia de amor entre el espíritu de un hombre asesinado, Sam, y la mujer con la que tenía un romance en vida, Molly. La cinta, estrenada a mediados de 1990, obtuvo gran éxito y varias nominaciones en los premios Oscar y Globos de Oro, llevándose dos premios de la Academia en las categorías de Mejor Guión Original y Mejor Actriz de Reparto, por el papel de Whoopi Goldberg como Oda Mae Brown, personaje quien tiene el poder de escuchar a los fantasmas, y es el médium entre el fantasma de Sam y Molly en la película.

La banda sonora de esta película fue obra de Maurice Jarre, compositor francés también fallecido en este 2009, el 29 de marzo. Su trabajo recibió críticas tanto positivas como negativas y fue nominado al premio Oscar a Mejor Banda Sonora Original. Lo cierto es que su partitura pasó a un segundo plano, ya que dentro de la banda sonora se incluyó un clásico tema romántico compuesto originalmente por Alex North y Hy Zaret, titulado “Unchained Melody”. Esta canción es una de las más versionadas en la historia de la música popular, y la utilizada dentro de Ghost fue la del dúo californiano The Righteous Brothers, publicada originalmente en 1965. La canción acompaña una de las escenas más recordadas de la película, conocida como la escena de la cerámica, en la que Sam y Molly tienen un encuentro erótico.

Al igual que en Dirty Dancing, el papel de Swayze como el fantasma Sam en Ghost, tuvo un impacto cultural bastante grande. De allí en adelante, el actor no volvería a tener el mismo éxito de antes, participando en películas bastante discretas, algunas de ellas fracasos rotundos en taquillas. En 2008, al actor se le diagnosticó cáncer en el páncreas, enfermedad que padeció hasta el día de su muerte, ocurrida el lunes 14 de septiembre de este 2009, en la ciudad de Los Ángeles. Su última actuación fue para la serie televisiva La Bestia, de A&E.

Domingo 11 de octubre de 2009 - 10:30-11:00 p.m. (GMT -05:00)

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Yellow Submarine - George Martin

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Dedicaremos el programa de este fin de semana, con motivo del reciente lanzamiento de todo el catálogo discográfico remasterizado de los llamados Fab Four, a escuchar en estreno la música original creada por George Martin, el llamado “Quinto Beatle”, para la película animada Yellow Submarine, estrenada en 1968 y cuya banda sonora fue publicada en enero de 1969, como el décimo álbum de los Beatles.

Hay personajes que capturan el espíritu de una época y de una generación, siendo sus portavoces y líderes. Los cuatro integrantes de la agrupación británica The Beatles: John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr, fueron, sin lugar a dudas, los máximos representantes de su generación, en la revolucionaria década de los 60 del siglo pasado.

El fenómeno de los Beatles fue algo que sobrepasó los límites de lo musical, a pesar de ser este el elemento fundamental dentro de su carrera, llegando a convertirse en íconos de la moda, así como en figuras del cine y la televisión. A lo largo de su corta trayectoría, el cuarteto de Liverpool realizó 5 películas, 4 de ellas para la pantalla grande y una para la pantalla chica.

George Dunning y Al Brodax, habían sido los gestores y productores de la serie animada televisiva de los Beatles, que emitió la cadena estadounidense ABC entre 1965 y 1967, para un total de 39 episodios. Luego de que terminara la serie, Brodax y Dunning se acercaron al manager de los Beatles, Brian Epstein, para presentarle la idea que tenían de hacer una película animada con una visión y métodos de animación diferentes a lo hecho hasta ese entonces.

 

Inspirados en el Pop Art de la época, cuyos principales exponentes eran Andy Warhol, Martin Sharp, Alan Aldridge y Peter Blake, y en los dibujos y diseños de Heinz Edelmann, artista alemán fallecido recientemente, en julio de 2009, un equipo de aproximadamente 40 animadores y 140 artistas técnicos, fueron los encargados de crear esta recordada cinta que una vez más llevaba a los Beatles y a su música a un nivel ecléctico.

El argumento central de la cinta, que fue escrita por Brodax, Lee Minoff, Jack Mendelsohn y Erich Segal, estaba inspirado, al igual que la serie televisiva norteamericana, en las canciones de los Beatles, pero en este caso particular en una en especial, “Yellow Submarine”, clásico tema compuesto por Paul McCartney luego de un sueño que tuvo, en el cual imaginaba que vivía en un submarino amarillo. Por el aire infantil de la canción, McCartney le dio esta canción a Ringo para que la cantara.

Además de la innovación en diseño de animación, inspirada en los dibujos de Edelmann, cuya característica principal era el brillo y los colores vivos, así como la audacia de las imágenes que eran en su mayoría rectangulares y no circulares, esta película fue pionera en otros aspectos, como la unión de fotografía en movimiento con animación, y lograr un efecto tridimensional en una de las primeras escenas en las que aparece la ciudad de Liverpool. De igual manera, se utilizaron filtros polarizados para lograr el colorido y efecto caleidoscópico de la secuencia en que se escucha “Lucy In The Sky With Diamonds”.

Sir George Martin, nacido el 3 de enero de 1926 en el área de Highbury en Londres, saltó a la fama por ser el productor discográfico de los Beatles en la década de los 60, pero su trayectoria musical se remontaba a la década de los 50, cuando ingresó al departamento de música clásica de la prestigiosa BBC, luego de graduarse en el Guildhall School of Music and Drama de la capital británica, en donde estudió piano y oboe.

Martin era un apasionado por la música, y de niño soñaba con convertirse en el nuevo Rachmaninov. Su experiencia y conocimiento musical fueron la piedra angular para que los Beatles lograran desarrollar y efectuar muchas de las ideas que tenían en mente, por lo cual, además de posteriores trabajos con otros artistas reconocidos, hace que muchos lo consideren como uno de los mejores productores en toda la historia.

La gran mayoría de arreglos orquestales e instrumentales del catálogo de los Beatles, fueron compuestos por George Martin. Cuando los Beatles realizaron sus primeras películas, A Hard Day’s Night y Help! , el músico y productor fue el encargado de componer la música original para las mismas, que acompañaría a las canciones originales del cuarteto de Liverpool.

Tal sería el caso de Yellow Submarine, con la diferencia de que en este trabajo hubo más composiciones originales y no arreglos sobre temas de los Beatles, como en las producciones anteriormente mencionadas. Muchos consideran que éste álbum de los Beatles, es el menos significativo en su carrera, por cuanto no incluye sino cuatro temas nuevos y dos que ya habían sido publicados, y el resto es la música original compuesta por Martin para esta cinta animada.

De todas maneras, esto es muy subjetivo, ya que para los amantes y conocedores de las bandas sonoras, esta creación de Martin es una verdadera joya, rica en melodías y texturas. De hecho, este trabajo sería nominado en los premios Grammy de 1970, en la categoría de Mejor Banda Sonora Original escrita para Cine o un especial de Televisión.

Dentro de esta película, los Beatles aparecen en persona brevemente sobre el final, teniendo una pequeña discusión relacionada con la historia e introduciendo la canción “All Together Now”. La premiere de la película tuvo lugar el 17 de julio de 1968, y los cuatro Beatles asistieron, declarando después que les había sorprendido gratamente la producción.

En 1999, la película fue lanzada en DVD junto a un álbum de canciones, en el que aparecen los 15 temas originales de los Beatles que se escuchan en la película. La reconocida revista semanal de entretenimiento Variety, anunció en agosto de 2009 que la Disney y el director Robert Zemeckis, recordado por haber dirigido la trilogía de Volver al Futuro y otras películas como El Expreso Polar, estaban en negociaciones para hacer un remake de la película con animación creada por computador. Si el proyecto se concreta, se espera que el filme sea estrenado en el verano del año 2012, cuando estén en curso los Juegos Olímpicos, que serán celebrados en Londres en dicho año.

Domingo 4 de octubre de 2009 - 10:30-11:00 p.m. (GMT -05:00)

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