La Sirenita - Alan Menken y Howard Ashman

Hola a todos:

El programa de este fin de semana estará dedicado a escuchar la banda sonora de una de las películas animadas de Walt Disney más recordadas de la historia, La Sirenita, cinta estrenada hace 20 años, el 17 de noviembre de 1989, que fue revolucionaria en diferentes aspectos.

La idea de realizar esta película animada basada en el cuento de hadas homónimo escrito por el célebre escritor danés de literatura infantil Hans Christian Andersen, estuvo en la mente de los miembros de la productora de Walt Disney desde la década de los 30, cuando comenzaban a trabajar en sus primeras películas.

Por diferentes circunstancias, el proyecto quedó en el tintero hasta medio siglo después, cuando a finales de la década de los 80, el director Ron Clements, quien dirigió Policías y Ladrones, cinta estrenada en 1986, propuso realizar una película basada en el cuento de Andersen. Finalmente, la idea fue aprobada y para la realización se incluyeron los bocetos y cambios de adaptación que se habían comenzado en los 30.

En 1987, Howard Ashman, un libretista de musicales y películas de este género, se interesó en el proyecto de La Sirenita. Fue así como junto a Clements y John Musker, ideó la realización de la película a forma de musical de Broadway, su especialidad, y algo que había quedado en el ostracismo en las películas de Disney. Para esto, Ashman trabajó de la mano con su socio musical Alan Menken, con quien había laborado en el exitoso musical de Broadway La pequeña tienda de los horrores de 1982.

Darle este caracter musical a la película significó el trabajo mancomunado entre directores y compositores. Hubo algunos cambios respecto a la historia original, como por ejemplo la creación de un personaje llamado Sebastián, un cangrejo que oficiaba como director musical en el fondo del mar, en el reino de rey Tritón, y como protector de Ariel, la protagonista y una de las hijas del rey.

El formato musical fue el elemento clave y característico de las películas de Disney desde la década de los 30 hasta la de los 70, algo que se retomó hasta la realización de La Sirenita. La banda sonora compuesta por Alan Menken y Howard Ashman incluyó en total siete canciones, además de los cortes instrumentales de la partitura original compuesta por el mismo Menken. En ella se pueden escuchar diferentes estilos musicales, como el inglés del barroco, música francesa y caribeña. Hoy en día sigue siendo considerada como una de las mejores bandas sonoras en toda la historia de Disney.

La Sirenita fue una película revolucionaria por varias razones. En primer lugar, marcó el regreso de los musicales de Broadway a las películas de Disney como formato narrativo que tanto éxito les había brindado en el pasado. La película recaudó 200 millones de dólares en taquillas en todo el mundo, algo jamás sucedido hasta ese entonces. Inclusive, en re-estrenos y realizaciones en VHS y DVD ha tenido ventas millonarias.

En segundo lugar, la animación fue algo innovador, por primera vez se generaron efectos especiales por medio de computadores. En tercer lugar, la película también significó el regreso de los cuentos de hadas a las películas de Disney, luego de 30 años, cuando en 1959 se realizó La Bella Durmiente.

Finalmente, la música fue algo fundamental para el éxito que obtuvo la producción. El trabajo realizado por Alan Menken y Howard Ashman fue prolífico y prueba de ello fueron los premios que recibieron por esta exitosa banda sonora, que a propósito ha sido seis veces platino, una cifra record. Dos premios Oscar y dos Globos de Oro en las categorías de Mejor Banda Sonora Original y Mejor Canción Original por “Bajo el mar”, y un premio Grammy por el mismo tema calipso, fueron los galardones para esta pareja que logró dos años después el mismo éxito con La Bella y la Bestia, y al siguiente año con Aladdín. La fórmula ganadora fue la misma, la de adaptar el formato de musicales de Broadway a las películas de Disney, que significó la llamada era del "Renacimiento de Disney".

Domingo 15 de noviembre de 2009 - 10:30-11:00 p.m. (GMT -05:00)

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Bastardos sin Gloria

Hola a todos:

Dedicaremos el programa de este fin de semana a escuchar en estreno la banda sonora de la más reciente producción del siempre polémico director norteamericano Quentin Tarantino, Bastardos sin Gloria, cinta estrenada el pasado mes de octubre en nuestro país y que es considerada por muchos críticos como la mejor película de Tarantino, luego de Tiempos Violentos o Pulp Fiction de 1994.

Quentin Tarantino ha sido un declarado fanático de los spaghetti westerns de la década de los 60 y 70. Desde el año 2001 el director nacido en Knoxville, Tennessee, comenzó a escribir el guión de esta película, la cual describe como “Un spaghetti western, pero con iconografía de la Segunda Guerra Mundial” y que considera como su obra en el estilo de Los Doce del Patíbulo, Donde las águilas se atreven o Los cañones de Navarone, todas ellas clásicas cintas del género bélico, que se desarrollan durante el período de la segunda guerra mundial.

El director pospuso la filmación y realización de este filme tanto tiempo, porque cada vez se le iban ocurriendo más cosas y la historia iba creciendo, ya que como afirmó, esta sería una cinta épica en la que reuniría varios elementos, como las batallas sociológicas del racismo y la barbaridad de la guerra, pero de una forma más cercana al expresionismo del cine negro y la ucronía, subgénero de la ciencia ficción en la que una historia real sucedida en el pasado, es versionada de forma diferente y alternativa a lo acontecido.

Tres historias convergen dentro de esta película: una es la de un grupo de prisioneros que se volvieron soldados con el fin de matar nazis, y se hacen llamar a sí mismos “Los Bastardos de Aldo”; la segunda historia es la de una joven judía quien fue la única sobreviviente de una masacre realizada por los nazis, en la que murieron sus padres, y por lo cual quiere vengarse; y finalmente la historia de una miembro de la resistencia alemana, llamada Bridget Von Hammersmak, quien busca efectuar un complot para atacar a la cúpula nazi.

Filmada en Francia y España, esta película de Tarantino tuvo un elenco de lujo, encabezado por Brad Pitt, quien encarnó al teniente Aldo Raine, Diane Kruger en el papel de la agente y actriz alemana Bridget Von Hammersmark, Daniel Brühl como Frederick Zoller, y el austriaco Cristoph Waltz, quien interpretó a Hans Landa, el llamado “cazador de judíos”. Este papel hizo merecedor a Waltz del premio al Mejor Actor en el pasado Festival de Cannes de 2009. Ante la actuación de Waltz, Tarantino declaró “Creo que Landa es uno de los mejores personajes que he escrito y que escribiré, y Christoph lo interpretó a la perfección... Es cierto que si no hubiese encontrado a alguien tan bueno como Christoph, no podría haber hecho Bastardos sin Gloria”.

Algunos críticos han aclamado a esta cinta de Quentin Tarantino como una obra maestra por algunas escenas magistralmente logradas, lo cual reafirma el talento de este polémico director, como uno de los mejores cineastas contemporáneos. Para algunos no es afortunada la mezcla entre spaghetti westerns y la Segunda Guerra Mundial, además de que la prensa judía no le agrado en lo absoluto la forma en que fueron ilustrados en la cinta. De todas maneras, cabe resaltar, como se mencionó al inicio de este programa, que es una cinta del subgénero de la ucronía, es decir, ciencia ficción, a pesar de tener personajes y situaciones que existieron en la realidad.

La banda sonora de esta cinta, publicada por el sello Warner Music, como ha sido costumbre en las producciones de Tarantino, está compuesta de temas preexistentes de varios artistas populares y de bandas sonoras de filmes del pasado. En ella se encuentran temas del célebre compositor italiano Ennio Morricone, quien le dió un sonido, un colorido y una atmósfera a las películas del oeste de la década de los 60 y 70; música de Billy Preston, David Bowie, Jacques Loussier, Dimitri Tiomkin, Lilian Harvey y Gianni Ferro, entre otros.

Domingo 8 de noviembre de 2009 - 10:30-11:00 p.m. (GMT -05:00)

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Güemes, la Tierra en Armas - Ariel Ramírez y Mercedes Sosa

 

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El pasado 4 de octubre falleció una de las figuras más importantes de la música latinoamericana en la segunda mitad del siglo XX, conocida como 'La Voz de América' o 'La Negra', Haydée Mercedes Sosa, mujer nacida el 9 de julio de 1935 en San Miguel de Tucumán, capital de la Provincia de Tucumán, al noroeste de la República Argentina. Gran exponente de la música folclórica de su país y de la Nueva Canción Latinoamericana, la mujer que se definía a sí misma como “cantora” antes que “cantante”, también incursionó en contadas ocasiones en la pantalla grande.

Dedicaremos el programa del fin de semana a escuchar la banda sonora de la primera película en la que participó “La Negra”, titulada Güemes, la tierra en armas, cinta estrenada en 1971, dirigida por Leopoldo Torres Nilsson y que contó con banda sonora del célebre compositor Ariel Ramírez, además de incluir, por supuesto, algunos temas en los que canta Sosa.

Esta película hace un recuento por la vida y la batalla del General Martín Miguel de Güemes, primer gobernador de la Provincia de Salta, y una de las figuras principales en la historia de la independencia de Argentina. Güemes defendió de los españoles a las provincias norteñas, comandando al ejército de los gauchos. 

 

El General Güemes fue encarnado por el reconocido actor Alfredo Alcón, uno de los más importantes representantes del cine, el teatro y la televisión de su generación en Argentina. Mientras tanto, Mercedes Sosa interpretaría a la guerrillera del Alto Perú, actual Bolivia, Juana Azurduy, otro importante personaje en la historia de la independencia de los pueblos boliviano y argentino del dominio y opresión del Virreinato del Río de la Plata.

Esta película de Leopoldo Torres Nilsson, fue la única en la que Mercedes Sosa no apareció como ella misma. En los otros filmes en los que apareció, que fueron: Argentinísima de 1972, Esta es mi Argentina de 1974, Mercedes Sosa, como un pájaro libre de 1983, Será posible el sur: Mercedes Sosa de 1985 e Historias de Argentina en vivo de 2001, la cantante no interpretó a ningún personaje en especial.

 

El compositor de la música original  de esta cinta fue Ariel Ramírez, músico, pianista, concertista, compositor y director argentino, quien ha sido uno de los más versátiles músicos que ha dado Latinoamérica, nacido el 4 de septiembre de 1921 en la ciudad de Santa Fe, Ramírez ha trabajado mucho por la música, siendo en la actualidad el presidente de la Sociedad Argentina de Autores y Compositores de Música.

Ramírez fue uno de los grandes representantes y promotores del folclor musical de Suramérica, presentando su música en varios países de Europa. Su más célebre obra, la Misa Criolla, obtuvo gran éxito internacional y fue interpretada, entre otros artistas, por Mercedes Sosa, con quien trabajó en algunos de los álbumes más exitosos de la tucumana, como Mujeres Argentinas de 1969 y Cantata Sudamericana de 1971, justamente el mismo año en que se estrenó Güemes, la tierra en armas. En esta banda sonora se pueden escuchar temas de música andina en su mayoría, así como de música contemporánea.

Domingo 1 de noviembre de 2009 - 10:30-11:00 p.m. (GMT -05:00)

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Coco antes de Chanel - Alexandre Desplat

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Dedicaremos el programa de este fin de semana a escuchar en estreno la banda sonora de la película Coco antes de Chanel, cinta autobiográfica de la directora Anne Fontaine, acerca de la vida de la célebre diseñadora de moda Gabrielle Bonheur Chanel, más conocida como “Coco” Chanel, una de las mujeres más influyentes en el mundo durante el siglo XX. Esta cinta, que se encuentra actualmente en cartelera, fue estrenada el 22 de abril en Francia, y el 9 de octubre del presente año en las salas de cine de nuestro país.

Como bien dice su título, esta película se centra en los años anteriores al gran período de fama y reconocimiento de Coco Chanel como modista. La mujer nacida un 19 de agosto de 1883 en Saumur, población ubicada en la región de Pays de la Loire o los países del Loria, al noroccidente de Francia, vivió durante 7 años en un orfanato ubicado en Auvergne, administrado por unas tías, luego de que su madre falleciera de una tuberculosis y su padre la abandonara junto a sus hermanos y hermanas, cuando ella apenas contaba con tan solo 12 años.

Dicho período de su vida, justamente en plena adolescencia, fue bastante duro para Gabrielle por la falta que le hacían sus padres. Sin embargo, la joven aprendió durante aquel tiempo a coser y manejar el hilo y la aguja, gracias a lo cual obtuvo su primer empleo como costurera a los 17 años. Un año después se independizaría, abandonando el orfanato de sus tías, y probaría suerte como cantante en un cabaret de provincia.

Luego de que el multimillonario Étienne Balsan la conociera en la sastrería donde trabajaba, "Coco" vive una relación amorosa con este hombre, por lo cual se desplaza a París, donde comparte reuniones y bailes junto a la elite de la llamada ciudad Luz. Luego de terminar su relación con Balsan, “Coco” conocería al mejor amigo de éste, el capitán Arthur Edward “Boy” Capel, jugador de polo y miembro de la realeza británica, con quien sostendría también una relación sentimental.

Durante el transcurso de la película, podemos ver cómo esta mujer era pujante y autónoma, rebelde y talentosa, características que a la postre la llevarían a ocupar el lugar de honor que tuvo en la historia de la moda y la alta costura francesa.

La partitura compuesta por Alexandre Desplat para esta cinta fue bastante intimista, con melodías muy suaves que evocan fragilidad y dramatismo, que envuelven a la historia de la diseñadora de moda en el período de vida anterior a su exitosa carrera, recordemos. Si bien no hay mucha variedad dentro de la partitura, la composición fue bien lograda y funciona dentro de la película.

Además de la participación de Audrey Tautou, la dirección de Anne Fontaine y la música de Alexandre Desplat, estuvieron el italiano Alessandro Nivola en el papel de “Boy” Capel, y el belga Benoit Poelvoorde, quien encarnó a Étienne Balsan.

Luego de su estreno, esta película ha recibido bastantes críticas, especialmente por el guión y el ritmo que lleva la cinta, que según varios expertos la hace perder mucho a la hora de hacer una valoración general del filme. Si bien se destacan la cuidada fotografía, el vestuario y la actuación de Tautou, para muchos esta película no muestra la faceta más importante en la vida de la famosa “Coco” Chanel.

No es la primera vez que esta importante mujer aparece en la pantalla grande, ya en 1981 había aparecido una cinta de George Kaczender, titulada Chanel Solitaire; Coco Chanel, película de televisión norteamericana; Coco Chanel e Igor Stravinsky del director Jan Kounen, que muestra la supuesta relación que tuvieron “Coco” y el ruso; y finalmente el musical de Broadway de André Previn, Coco, estrenado en 1969.

Domingo 25 de octubre de 2009 - 10:30-11:00 p.m. (GMT -05:00)

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Howard Shore

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El 18 de octubre de 1946, nació el compositor canadiense Howard Shore, uno de los más reconocidos compositores de bandas sonoras de los últimos tiempos. Con motivo de este aniversario, dedicaremos el programa del fin de semana a hacer un recorrido por su vida y obra, recordando algunas de sus bandas sonoras más conocidas.

Howard Leslie Shore nació en la ciudad de Toronto en Canadá. Estudió música en el Berklee College of Music de Boston e hizo parte entre 1969 y 1972 de la banda de de rock-fusión Lighthouse. Su carrera en los medios audiovisuales inició en 1970, cuando fue director musical del programa en vivo The Hart & Lorne Terrific Hour. Posteriormente compondría la música del influyente show televisivo de la NBC Saturday Night Live y debutaría como compositor de música para cine en 1979, en la película canadiense de terror La Cría, dirigida y escrita por David Cronenberg, nacido también en Toronto y quien dirigió la conocida serie televisiva Viernes 13.

Desde aquel entonces, Shore ha trabajado en asociación con Cronenberg, quien es considerado como uno de los padres del body horror, es decir, películas de terror y ciencia ficción que muestran gráficamente la destrucción o desmembración de partes del cuerpo, algo evidente, por ejemplo, en la clásica película Alien del británico Ridley Scott. De los trabajos realizados por la sociedad Shore-Cronenberg se destacan La Mosca de 1986, El almuerzo desnudo de 1991, Crash de 1996 y la más reciente colaboración Promesas del Este del 2007.

La experiencia en películas del género del terror y la ciencia ficción, precisamente, hicieron que Shore trabajara aún más en películas de este tipo, con música opresiva, amenazante y siniestra, tal y como el tema que escuchamos para iniciar el programa de esta noche, nos referimos al tema central del clásico thriller de terror y suspenso del director Jonathan Demme, El Silencio de los Inocentes, estrenada en 1991.

Esta película ostenta aún el record, junto a las cintas Lo que sucedió aquella noche de 1934 y Atrapado sin salida de 1975, de haber ganado el llamado grand slam de los Oscar, los 5 premios más importantes que entrega la Academia a Mejor Película, Mejor Director, Mejor Actor Principal, Mejor Actriz Principal y Mejor Guión Adaptado u Original.

La historia entre la detective Clarice, interpretada por Jodie Foster, y el doctor Hannibal Lecter, encarnado por Anthony Hopkins, es uno de los grandes clásicos en la historia del séptimo arte hecho en Hollywood. La música de Howard Shore para esta cinta fue muy bien lograda, generando un ambiente de terror y de constante alerta para la protagonista, por lo cual es una partitura mucho más sugestiva que explícita.

En 1993, Tom Hanks recibió su primer premio Oscar a Mejor Actor Principal por su papel protagónico en Philadelphia, cinta dirigida por Jonathan Demme, mismo director de El Silencio de los Inocentes. Al lado de Hanks estuvieron Denzel Washington y el español Antonio Banderas, siendo ese uno de sus primeros papeles allí en Hollywood.

Durante el resto de la década de los 90, además de continuar trabajando con su socio David Cronenberg, Howard Shore trabajaría con varios directores, entre los que se encuentran Joel Schumacher y David Fincher. Pero lo que consagraría y le daría fama mundial a este compositor fue la música que creó para la adaptación cinematográfica de la trilogía de novelas de fantasía El Señor de los Anillos del escritor, poeta filólogo y profesor de universidad británico John Ronald Reuel Tolkien.

Dichas producciones, estrenadas entre 2001 y 2003, fueron dirigidas por el neozelandés Peter Jackson y obtuvieron gran éxito, por ser películas excelentes en diferentes aspectos, como la fotografía, el maquillaje, la fotografía, escenografía, los efectos especiales y por supuesto, la música, interpretada en su mayoría por la Orquesta Filarmónica de Londres y el reconocido ensamble coral Las Voces de Londres, que han participado en la grabación de otras bandas sonoras como La misión, La guerra de las galaxias, Harry Potter y La Pasión de Cristo.

Howard Shore compuso en total aproximadamente 10 horas de música para la trilogía, algo verdaderamente impresionante, que ha sido publicada en ediciones por separado y también en cajas de lujo, y se espera que en este año 2009 se publiquen temas no utilizados dentro de la película.

La música fue compuesta de modo operático por Shore, quien creó aproximadamente 80 leitmotifs distintos para una partitura que se caracteriza por el sentido épico y fantástico que le imprime la orquesta, compuesta de cuerdas, vientos, metales, percusión y de coros. El compositor quiso expresar con su música la lucha entre el bien y el mal, identificando a las diferentes culturas de Tierra Media, y el resultado fue bastante acertado, haciendo de estas bandas sonoras unas de las más conocidas y aclamadas de la historia, posicionándose al lado de creaciones tan famosas como las de John Williams para la saga de La guerra de las galaxias o Indiana Jones, por ejemplo.

El canadiense recibiría tres premios Oscar por su trabajo en la trilogía de El señor de los anillos, que recordemos contó con las actuaciones de Elijah Wood, Viggo Mortensen y Orlando Bloom, entre otros. Las tres estatuillas doradas de la Academia que obtuvo Shore fueron en la categoría de Mejor Banda Sonora Original en 2001 por su trabajo en La comunidad del anillo y en 2003 por El retorno del rey en la misma categoría y en la de Mejor Canción Original por el tema “Into the west”, interpretado por la escocesa Annie Lennox.

La canción también obtuvo el premio Grammy en 2004, y en dichos galardones, los más prestigiosos del mundo de la música, sus tres bandas sonoras recibieron el premio a Mejor Álbum de Banda Sonora Original compuesta para Cine, Televisión u otro medio audiovisual. En los Globos de Oro, Shore recibiría el premio a Mejor Banda Sonora por la partitura de la última película de la trilogía, que recordemos, fue la más exitosa de todas, llevándose 11 premios Oscar, incluyendo el de Mejor Película, lo cual la hace la cinta con más estatuillas en la historia, al lado de Ben-Hur y Titanic.

Un año después de finalizar su trabajo en la trilogía de El señor de los anillos, Shore compuso la música para la película de Martin Scorsese, El Aviador, que relata la vida del magnate Howard Hughes, encarnado por Leonardo DiCaprio. Dicha banda sonora hizo merecedor a Shore de su segundo Globo de Oro.

En 2006, Shore trabajaría por segunda vez con Martin Scorsese, en la película que le daría al director neoyorquino el tan ansiado Oscar, luego de haber estado nominado en varias ocasiones, nos referimos al thriller policíaco Los Infiltrados, un remake de la película china Asuntos Infernales, que contó con un elenco de lujo, encabezado por Jack Nicholson, Martin Sheen, Alec Baldwin, Leonardo DiCaprio, Matt Damon y Ben Affleck. El trabajo del canadiense en esta película no fue muy amplio, ya que la banda sonora está compuesta en su mayoría de canciones Cronenberg. preexistentes de diferentes artistas populares.

En el 2007, el compositor recibiría su más reciente nominación en los Globos de Oro, por la banda sonora de la película Promesas del Este de su socio David La última banda sonora de su autoría publicada fue para la película La Duda de 2008, protagonizada por Meryl Streep y Philipp Seymour-Hoffman.

Domingo 18 de octubre de 2009 - 10:30-11:00 p.m. (GMT -05:00)

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