West Side Story

Hola a todos:

Cuando el 6 de octubre de 1927, hace 84 años, se estrenó en Nueva York la adaptación cinematográfica del exitoso musical de Broadway El cantor de jazz, el cine cambió para siempre. Luego de tres décadas de películas mudas, esta producción, protagonizada por Al Jolson, fue la primera en incluir diálogos sonoros así como una grabación de sonido sobre un disco. De esa forma se inició la era del cine sonoro, y gracias a ello Hollywood se convirtió en una de las mayores industrias culturales del mundo.

El cantor de jazz, además de marcar ese hito en la historia del séptimo arte, bautizó al que es tal vez el género más representativo del cine norteamericano, el cine musical. Las inolvidables canciones y melodías, así como las elaboradas coreografías de estas producciones teatrales que encontraron su lugar en la pantalla grande, convirtieron a este género cinematográfico en uno de los favoritos del público, pues expresaba de manera clara el concepto del espectáculo, tan enraizado en la sociedad estadounidense.

Figuras tan relevantes como Busby Berkeley, Gene Kelly y Vincente Minelli labraron el desarrollo del cine musical durante su era dorada, entre los años 30 y 50. Ya en la década de los 60, fueron realizadas producciones sobresalientes y muy exitosas que quedaron grabadas en la memoria de los amantes del género.

Una de ellas fue West Side Story, conocida en Hispanoamérica como Amor sin barreras, adaptación del musical del mismo nombre que fue ideado por Arthur Laurents, dirigido y coreografiado por Jerome Robbins, musicalizado por Leonard Bernstein y que contó con canciones del letrista Stephen Sondheim. Estrenada el 18 de octubre de 1961, hace exactamente 50 años, esta película se alzó con diez premios Óscar, tres Globos de Oro y un premio Grammy, y es hasta la fecha la más exitosa del género musical en el cine. Con motivo del aniversario número 50 del estreno de West Side Story, dedicamos nuestros programas de los dos pasados fines de semana a escuchar una selección de temas de la banda sonora original de esta recordada producción. 

La película se desarrolla en Nueva York, más específicamente en Manhattan. La historia fue inspirada en Romeo y Julieta, la clásica tragedia romántica del legendario escritor y dramaturgo británico William Shakespeare. Al igual que en el clásico de Shakespeare, vemos una historia de amor entre dos personajes que provienen de dos familias que se odian entre sí. Esta gran barrera impedirá que vivan su idilio como desean y terminará con un final trágico.

Los protagonistas son Tony y María. Tony proviene de los Jets, una pandilla callejera de jóvenes blancos nativos de clase baja en Manhattan. María, por su parte, es una joven hija de inmigrantes puertorriqueños, hermana del líder de los Sharks, pandilla que rivaliza con los Jets por el control del barrio en el que viven en la Gran Manzana. De esa forma se desarrolla esta historia que se desarrolla a la par con canciones y piezas musicales magníficas. 

Una de las claves del éxito de este musical fue haber contado con un genio como Leonard Bernstein. Además de ser reconocido por haber sido director durante varios años de las mejores orquestas del mundo, Bernstein compuso diversas obras, entre ellas tres sinfonías, dos óperas, una misa y cinco musicales, entre los que se destaca, por supuesto, West Side Story.

Este es uno de los musicales más revolucionarios por la variedad de la música que acompaña a la perfección la temática de la historia. Bernstein incluyó ritmos latinos, para hacer referencia a los inmigrantes puertorriqueños, jazz, la música norteamericana por excelencia que representa a la pandilla de nativos, y canciones de amor de gran belleza melódica que encantaron a las audiencias y se convirtieron en grandes clásicos de la música popular de la segunda mitad del siglo XX.

El número de músicos requerido para una interpretación apropiada de la obra está entre los más altos del repertorio de teatro musical. La partitura requiere de 30 músicos para su interpretación. Sin embargo, para la versión cinematográfica, la orquestación y adaptación de la partitura compuesta por Bernstein, que fue obra de Saul Chaplin, Johnny Green, Irwin Kostal y Sid Ramin, el número de músicos se triplicó. Esto no fue del agrado de Bernstein, quien declaró que la adaptación era “arrogante, carente de textura y sutileza”.

Sin embargo, en 2004, se lanzó en disco compacto la versión remasterizada de la banda sonora original. Para dicho lanzamiento se grabaron nuevamente las partes orquestales, se incluyeron todos los temas, pues varias partes no aparecieron en la versión del LP publicada originalmente en 1961, y además se escuchan diálogos de la película.

Uno de los grandes retos para llevar West Side Story a la pantalla grande fue dar con el elenco más adecuado. Aunque en principio se pensó que los actores de la versión original de Broadway, ganadora de un premio Tony, eran los más apropiados para interpretar los papeles, la producción optó por buscar a otros. Se llegó a pensar en Elvis Presley, Anthony Perkins, Burt Reynolds, Richard Chamberlain, Dennis Hooper y Gary Lockwood para el rol protagónico, pero finalmente el elegido fue Beymer. Para el papel de María, llegó a presentar casting la legendaria Audrey Hepburn, pero la producción se decidió finalmente por Natalie Wood, célebre actriz de ascendencia rusa. 

Aunque Beymer y Wood intentaron cantar los números dentro de la película, los realizadores consideraron que sus voces no eran lo suficientemente armoniosas y refinadas, por lo cual fueron doblados por Jimmy Bryant y Marni Nixon en las partes cantadas.

Robert Wise, quien nunca había incursionado en el cine musical, fue el encargado de dirigir esta cinta. Para ello contó con la colaboración de Jerome Robbins, quien hizo parte del montaje del musical en los teatros de Broadway. El aporte de Robbins fue fundamental para la producción del filme, especialmente en las secuencias donde hay baile y canciones. Sin embargo, cuando ya se había rodado cerca de un tercio de la película, Robbins fue despedido por la producción, pues consideraron que se habían sobrepasado en el presupuesto destinado para la realización del filme. Los amigos cercanos a Robbins declararon que el artista se sintió fuertemente golpeado por esa decisión, pero al final de cuentas recibió el crédito en la dirección y su trabajo se vio recompensado.

Contrario a lo que muchos pensaban, inclusive los mismos productores, la versión cinematográfica de West Side Story fue todo un éxito y se alzó con diez premios Óscar, una marca histórica que la ubica detrás de las tres máximas ganadoras en los 83 años en que se han entregado los premios de la Academia: Ben-Hur, Titanic y El Señor de los Anillos: El Retorno del Rey, filmes que obtuvieron once estatuillas doradas cada uno.

La película obtuvo los galardones de las siguientes categorías: Mejor Película, Mejor Director, Mejor Actor de Reparto, por el papel de George Chakins como el antagonista Bernardo; Mejor Actriz de Reparto, premio obtenido por Rita Moreno, quien encarnó a la otra villana de la historia, Anita; Mejor Dirección de Arte; Mejor Fotografía; Mejor Diseño de Vestuario; Mejor Edición; Mejor Sonido y Mejor Banda Sonora Original. La única categoría en la que no salió victoriosa fue la de Mejor Guión Adaptado, que fue escrito por Ernest Lehman.

Además de arrasar en los Óscar, West Side Story se alzó con tres Globos de Oro, en las categorías de Mejor Película-Musical, Mejor Actor Secundario y Mejor Actriz Secundaria por los papeles de Chakins y Moreno, respectivamente. Saul Chaplin, Johnny Green, Irwin Kostal y Sid Ramin obtuvieron el premio Grammy en la categoría de Mejor Banda Sonora para cine, televisión u otro medio audiovisual.

El próximo 15 de noviembre la película será lanzada en formato Blu-Ray, con motivo de la conmemoración de los 50 años de su estreno. 

Domingos 16 y 23 de octubre de 2011 - 10:30-11:00 p.m. (GMT -05:00)

Escuche el podcast de este ciclo especial en los siguientes links: 

1ra parte: http://www.javeriana.edu.co/javerianaestereo/podcast//index.php?id=4442 

2da parte: http://www.javeriana.edu.co/javerianaestereo/podcast//index.php?id=4443

Carros de Fuego - Vangelis

Hola a todos:

El 9 de octubre de 1981, hace 30 años, se estrenó en los Estados Unidos la película Carros de Fuego, recordada producción británica que retrata la historia real de dos atletas que participaron en los Juegos Olímpicos de Verano de 1924, celebrados en la capital francesa, París. Ganadora de cuatro premios Óscar, tres BAFTA y un Globo de Oro, esta película incluye música original del compositor y teclista griego Vangelis. Con motivo del trigésimo aniversario del estreno de esta cinta, dedicamos el programa del fin de semana pasado a escuchar esta banda sonora original, publicada por el sello británico Polydor.

La idea de hacer esta película fue idea del célebre productor británico David Puttnam, quien buscó una historia de alguien que luchara por cumplir sus sueños sin abandonar sus principios. Cuando estaba leyendo un libro sobre la historia de los Juegos Olímpicos, y se adentró en el capítulo dedicado a París 1924, se encontró con la biografía de Eric Lidell, un excepcional atleta escocés quien conquistó la medalla dorada en los 400 metros planos y que, además de ser un gran deportista, se dio a conocer por ser un hombre humilde de fuertes convicciones religiosas que dedicaba todas sus acciones a Dios. Lidell era cristiano evangélico.

Por esa razón, Puttnam se interesó por realizar una película en la que se mostrara a un héroe como Lidell. Sin embargo, también hubo un segundo protagonista dentro de la historia quien luchaba por mantener en alto su honor. Se trataba de Harold Abrahams, un atleta inglés de origen judío quien estudió en la prestigiosa Universidad de Cambridge, un lugar donde había un fuerte antisemitismo. Al observar a Lidell ganar una carrera en la que había perdido varios segundos por haberse caído, queda pasmado ante esa proeza y decide contactar a un entrenador profesional para buscar un lugar en el equipo que va a representar a Gran Bretaña en los Olímpicos. A pesar de los obstáculos que le imponen los altos directivos de Cambridge, Abrahams logra clasificar y viaja en el mismo equipo junto a Lidell para competir en el máximo evento del deporte mundial. A la postre se alza con la medalla en la prueba reina del atletismo, los 100 metros planos.

Aunque este filme se desarrolla en la primera mitad de los años 20 del siglo pasado, y por lo general las películas de época suelen acompañarse de música orquestal, el director Hugh Hudson conocía la música del músico griego Vangelis y quiso incluir su música en esta película. Vangelis, nacido el 29 de marzo de 1943 y cuyo nombre real es Evangelos Odysseas Papathanassiou, empezó su carrera en bandas de rock progresivo de su país en los años 60, y que en los 70 se dio a conocer por su carrera en solitario, especialmente gracias a sus álbumes de música electrónica. Durante dicha década, el compositor y teclista trabajó en algunas bandas sonoras y capturó la atención de algunos cineastas como Hudson por su trabajo en Ópera sauvage, un documental sobre animales del realizador Frédéric Rossif.

De hecho, Hudson quería incluir el corte ‘L’Enfant’ de la banda sonora de Ópera sauvage, para acompañar la escena de los atletas corriendo en la playa. Sin embargo, Vangelis le dijo que él podía componer un tema original que acompañara adecuadamente la escena. Finalmente, Vangelis compuso el célebre tema que acompaña los primeros minutos de la película cuando se ve a los atletas del equipo británico, en cámara lenta, entrenándose para competir en los Juegos Olímpicos de París. La escena es muy recordada porque aparecen corriendo descalzos en la playa y porque el tema que creó Vangelis para acompañarla es muy evocador. Dicha escena fue filmada en la costa este de Escocia, en una pequeña pero importante ciudad de ese país, St. Andrews, ubicada en el condado de Fife. El tema alcanzó tal popularidad que logró llegar al puesto número 1 en el listado de sencillos de las 100 calientes de Billboard, la semana del 8 de mayo de 1982. 

Con esta banda sonora, poco ortodoxa para una producción de época, Vangelis alcanzó gran fama y obtuvo el premio Óscar a Mejor Banda Sonora Original. El griego no pensó que tuviera chances de ganar e inclusive no viajó a Los Ángeles para asistir a la ceremonia. Cuando amanecía en Atenas, lo llamaron a avisarle que había obtenido la estatuilla dorada. La música creada por el griego se adecuó al filme de manera solvente y aparece principalmente en las escenas en las que los atletas entrenan y compiten. Muchas de estas secuencias fueron filmadas en cámara lenta y esto sumado a los sonidos evocadores de los sintetizadores creó una combinación perfecta para expresar el sentido heroico del deporte.

Las escenas de este filme que tenían lugar en la ciudad Luz, más específicamente en el estadio Olímpico de Colombes, no fueron filmadas allí sino en el centro deportivo de Bebington, en el condado de Merseyside, Inglaterra. Luego de su estreno, esta producción, protagonizada por los actores Ben Cross, Ian Charleson, Nicholas Farrell e Ian Holm,fue aclamada por el público y la crítica especializada.

Recibió varios galardones, entre ellos cuatro premios Óscar, en las categorías de Mejor Película, Mejor Guión Original por el trabajo de Collin Welland quien realizó una investigación exhaustiva al buscar periódicos de la época y realizar entrevistas con algunos de los personajes que aún vivían; Mejor Diseño de Vestuario, uno de los elementos más sobresalientes de esta producción, y Mejor Banda Sonora Original por la música original compuesta por Vangelis. La cinta obtuvo tres premios BAFTA en las categorías de Mejor Película, Mejor Diseño de Vestuario y Mejor Actor de Reparto; y, finalmente, un Globo de Oro como Mejor Película Extranjera, entre otros galardones.

La conmovedora historia de estos dos atletas que lucharon y compitieron en la máxima competición deportiva por distintos intereses, la magnífica puesta en escena con el vestuario de la época, actuaciones sobrias, la dirección que utilizó la cámara lenta como herramienta clave para retratar de la mejor forma posible la competición, así como la música poco convencional pero muy llamativa y sobresaliente de Vangelis, fueron elementos suficientes para hacer de esta película un clásico que quedó grabado en la memoria de muchos.

El título de la película está inspirado en un poema de la Iglesia Anglicana que fue adoptado y musicalizado por Hubert Parry en 1916. Su letra hace alusión a un texto apócrifo en el que se dice que Jesús visitó junto a José de Arimatea la ciudad de Glastonbury, y a la segunda venida que se anuncia en el libro de las Revelaciones, dando a entender que Jesús estableció un nuevo Jerusalén en Inglaterra. Este es un canto muy importante para los anglicanos y es considerado por muchos como el himno no oficial de los británicos. En cuanto a los protagonistas, Eric Lidell viajó a China como misionero, poco tiempo después de obtener la medalla dorada en los Olímpicos, y falleció en 1945 cuando Japón ocupó dicho país. Harold Abrahams, por su parte, se convirtió en un importante dirigente deportivo en el Reino Unido.

Domingo 9 de octubre de 2011 - 10:30-11:00 p.m. (GMT -05:00)

Escuche el podcast del programa en el siguiente link: http://www.javeriana.edu.co/javerianaestereo/podcast/index.php?id=4344

Alejandro Ramírez Rojas

Hola a todos:

El pasado domingo 2 de octubre tuvimos un programa especial dedicado a un talento nacional del arte de la música para cine, quien se ha destacado en los últimos seis años por ser uno de los principales exponentes del oficio en Colombia. Se trata de Alejandro Ramírez Rojas, compositor nacido en la ciudad de Cali, en 1976, quien ha trabajado en varios cortometrajes, documentales y largometrajes desde el año 2005. Ramírez visitó los estudios de Javeriana Estéreo y compartió con los oyentes anécdotas sobre su trayectoria así como ejemplos de sus composiciones.

La formación musical de Ramírez inició en la Escuela de Música de la Universidad del Valle, en Cali, posteriormente estudió en la Universidad EAFIT de Medellín, donde recibió clases con la maestra Cecilia Espinosa. Luego viajó a Europa, y estudió en la Universidad de Música y Arte Dramático de Viena. A su regreso a Colombia, tuvo como maestros a Álvaro Gallego y Francesco Belli, y trabajó junto a la Orquesta Sinfónica del Valle, en Cali. Al darse cuenta de su interés y gusto por la música para cine, empezó a transcribir partituras de películas colombianas como hobbie. 

Al conocer al director Juan Manuel Acuña, Ramírez tuvo la oportunidad de musicalizar el cortometraje Los Ciclos. Ese fue un trabajo clave para la carrera del vallecaucano, pues además de cumplir su sueño de convertirse en compositor de música para cine, obtuvo el premio a Mejor Banda Sonora de la Cinemateca Distrital, y grabó la partitura junto a la Orquesta Filarmónica de Bogotá, un hecho sin precedentes. 

Después del excelente comienzo con Los Ciclos, Alejandro Ramírez compuso la banda sonora original para el largometraje Yo soy otro, cinta escrita y dirigida por Óscar Campo. En dicha partitura incluyó sonidos electrónicos, además de utilizar instrumentos de cuerda, piano y arpa. Esa producción se estrenó en 2006 y un año después creó la música original de Los actores del conflicto, producción del reconocido cineasta vallecaucano Lisandro Duque. 

Nuevamente Ramírez trabajó con música electrónica y utilizó instrumentos de cuerda, trombones, guitarras acústicas y eléctricas. La interpretación corrió por cuenta de la Orquesta Filarmónica de Bogotá y de la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia. El trabajo fue bastante enriquecedor tanto para Ramírez como Duque, pues el compositor no había trabajado hasta ese momento con un director tan experimentado como Duque, y este último tampoco había grabado la música de una de sus películas con una orquesta en vivo. Aunque en principio hubo 16 cortes, finalmente quedaron editados 14.

En 2010 se estrenó el cortometraje animado Dreamcatchers o Los atrapasueños, primera producción colombiana hecha en formato 3D, dirigida y creada por el actor y comediante Antonio Sanint. Este trabajo tiene una duración de 12 minutos y fue un ejemplo claro del auge que ha tenido la industria de animación en Colombia en los últimos años.

Para ese trabajo, Ramírez condujo a la Orquesta Sinfónica EAFIT de Medellín, y la música fue grabada en una sola sesión en el Auditorio Fundadores de dicha universidad, en la capital antioqueña. En ese mismo 2010, el compositor caleño tuvo un gran reto al tener que musicalizar el documental Apaporis, cinta que llegará a las salas de cine de Colombia en 2012. Así como cuando trabajó con Lisandro Duque, Ramírez tuvo la oportunidad de trabajar al lado de un realizador reconocido como Antonio Dorado, director nacido el 16 de enero de 1960 en Bolívar, Cauca.

Según el compositor, ese trabajo poco convencional marcó un antes y un después en su carrera, pues tuvo que crear música que expresara la cosmogonía de las tribus indígenas que habitan cerca del río Apaporis. Por eso, además de la orquesta y los coros propios de la tradición occidental, la partitura incluyó partes de música étnica. Esta película estuvo basada en el libro El Río de Wade Davis, en el cual se narran las vivencias del botánico, explorador y científico naturista de origen estadounidense Richard Evan Schultes, quien se adentró en la selva amazónica en 1938 por encargo del gobierno de Estados Unidos con el fin de conseguir caucho para dotar de este material a la armada que iba a combatir  la Segunda Guerra Mundial. La banda sonora fue interpretada por la Orquesta Filarmónica de Cali y el Coro del Taller de Ópera de la Universidad del Valle.

El 2011 ha sido un año prolífico para Ramírez, pues ha trabajado en varias producciones. Una de ellas es La sargento matacho, una película basada en la novela inédita del mismo nombre del escritor colombiano Pedro Claver Téllez. La cinta, que se desarrolla entre 1948 y 1962, fue dirigida por William González, y contó con la actuación estelar de Marlon Moreno.

La banda sonora original de dicha producción es considerada por su autor como una de sus principales obras y en ella se destaca el uso del violonchelo como instrumento solista. Para el final de la partitura, Ramírez compuso una elegía para violonchelo y orquesta que interpretaron la violonchelista Magdalena Eichmeyer y la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia. La idea del violonchelo era que fuera la voz musical de la protagonista de la historia. Para esta producción, Ramírez contó la colaboración de Gustavo Parra para la orquestación y de la ingeniera de sonido Marcela Zorro para la grabación.

Además de los trabajos que hemos mencionado durante el programa, cabe recordar que Ramírez compuso la música para Correr o morir, La tarea, Retratos de la Ausencia, Los 33 de Atacama, Magnolia y La Vida era en serio, producción estrenada en el Festival Internacional de Cine de Cartagena, y que estuvo en cartelera el pasado mes de septiembre en las salas de cine de Colombia.

El pasado viernes 30 de septiembre se estrenó una película de la que se ha venido hablando bastante en los últimos meses, Poker, un thriller que cuenta la historia de seis personajes que se encuentran una noche para jugar a las cartas y sus vidas terminan conectadas de una forma inesperada. El filme fue dirigido por Juan Sebastián Valencia, quien debutó con esta producción, y producido por Natalia Agudelo.

La música fue interpretada por la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia e incluyó solos de guitarra de Santiago Jiménez y de piano de Sergei Sichkov. La grabación de esta partitura se realizó en octubre de 2010 en el auditorio Fabio Lozano de la Universidad Jorge Tadeo Lozano, y la producción corrió por cuenta de Camilo Posada, uno de los principales socios de trabajo de Ramírez. En la premiere del filme que fue celebrada la noche del miércoles 29 de septiembre en el teatro Jorge Eliécer Gaitán de Bogotá, el compositor ofreció un concierto en el que dirigió a la Orquesta Sinfónica Nacional. 

Domingo 2 de octubre de 2011 - 10:30-11:00 p.m. (GMT -05:00)

Escuche el podcast del programa en el siguiente link: http://www.javeriana.edu.co/javerianaestereo/podcast/index.php?id=4283