Wonderwall Music - George Harrison

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El pasado martes 29 de noviembre se cumplieron 10 años del fallecimiento del ex Beatle George Harrison, uno de los grandes íconos de la historia del rock y también uno de los mejores guitarristas que ha dado este género musical. Con motivo de este aniversario, dedicamos nuestra emisión del 27 de noviembre a escuchar un trabajo poco conocido del músico nacido el 25 de febrero de 1943 en Liverpool, Inglaterra. Se trata de Wonderwall Music, primer álbum en solitario de Harrison que fue la banda sonora original de la película Wonderwall, cinta dirigida por Joe Massot, y estrenada en el Festival de Cannes de 1968.

El protagonista de esta historia es el excéntrico científico Oscar Collins, quien fue encarnado por el actor irlandés Jack MacGowran. Collins está observando microbios a través de un microscopio que tiene en su casa, pero la música que proviene del apartamento del lado lo perturba. Al darse cuenta de un rayo de luz que sale de un pequeño hueco que hay en la pared que separa su apartamento del de sus vecinos, Collins descubre que quienes viven allí son un fotógrafo de pop art y su novia, una modelo que posa para él, llamada Penny Lane, mismo nombre de la famosa canción de los Beatles. Cautivado por la belleza de Penny, quien fue interpretada por Jane Birkin, Collins empieza a abrir más y más huecos para poder verla detalladamente y con el paso de los días se enamora perdidamente de ella.

Así transcurre este filme que retrata el Swinging London, expresión que hace referencia al Londres de la segunda mitad de los años 60, epicentro del arte y la moda de dicha época en la que la psicodelia, el hipismo, la liberación sexual, el rock y la contracultura hacían parte de la vida de los jóvenes. Los Beatles fueron los catalizadores de esa gran transformación cultural que vivió el mundo durante esos años. Su imagen irreverente, su música tan original, innovadora e influyente, así como sus letras, expresaron y reflejaron el sentimiento de una generación. George Harrison hizo parte de esa aventura y su figura, así no fuera tan visible como la de John Lennon y Paul McCartney, fue clave en el desarrollo y evolución del grupo.

Cuando los Beatles se interesaron por explorar otros sonidos distintos a los provenientes del rock and roll y el rhythm and blues estadounidense, su música y sus letras cambiaron radicalmente. Uno de los primeros ejemplos de ese cambio fue el uso de la cítara, un instrumento de cuerda hindú, tocado por Harrison en la canción "Norwegian Wood (This Bird Has Flown)" del álbum Rubber Soul, de 1965. Nunca antes una canción de rock-pop había incluido un instrumento oriental, y el responsable de ello fue Harrison, quien se convirtió en un gran seguidor de la cultura hindú.

Por esa razón, el Beatle motivó a sus compañeros y amigos a que tomaran cursos de meditación trascendental. A mediados de 1967, los Beatles recibieron charlas por parte del Maharishi Mahesh Yogi, y justamente hacia finales de ese mismo año Joe Massot, un joven cineasta quien estaba preparando su primer largometraje, contactó a Harrison para que creara la música de dicho filme. Cuando se lo propuso, el Beatle dijo que nunca había hecho una banda sonora y le preocupaba defraudarlo. Sin embargo, Massot le dijo que no se preocupara, pues utilizaría la música que él creara.

Harrison aceptó y decidió hacer una banda sonora que mezclara algo del rock de la época y la música hindú que tanto le gustaba. En diciembre de 1967 reunió a varios amigos entre quienes se encontraban el guitarrista de Cream, Eric Clapton, Peter Tork de los Monkees y a los miembros de la agrupación The Remo Four, uno de los grupos que manejaba Brian Epstein, manager de los Beatles. Con ellos grabó los cortes de rock psicodélico y de otros géneros, y en enero de 1968 se trasladó a Bombay o Mumbai, en la India, donde grabó junto a varios músicos hindúes los demás cortes del disco. 

Los músicos que realizaron la grabación de los cortes no hindúes fueron John Barham tocó el piano y el flügelhorn; Colin Manley la guitarra; Tony Ashton el órgano; Philip Rogers el bajo; Roy Dyke la batería; Tommy Reilly la armónica; Eddie Clayton, seudónimo de Eric Clapton, la guitarra; Richie Snare, pseudónimo de Ringo Starr, la batería; y Peter Tork el banjo, aunque no aparece en los créditos. Ellos grabaron en los De Lane Lea Studios de Londres, en diciembre de 1967 bajo la producción de George Harrison.

En el caso de los cortes de música hindú los intérpretes fueron: Aashish Khan en el sarod, un instrumento de cuerda; Mahapurush Misra, en la tabla y el pakavaj, ambos instrumentos de percusión; Sharad Jadev  y Hanuman Jadev en el shehnai, un instrumento de viento parecido a una flauta que produce un sonido bastante peculiar del que ustedes pudieron percatarse al inicio de este programa en el corte “Microbes”; Shambu-Das, Indril Bhattacharya y Shankar Ghosh en las cítaras; Chandra Shekhar en el surbahar; Shivkumar Sharma en el santoor; S. R. Kenkare en la flauta; Vinaik Vora en el thar-shehnai, instrumento de cuerda tocado con un arco al igual que un violín; y Rij Ram Desad en el harmonio y la tabla-tarang .

Harrison grabó en una pista de cuatro canales en Londres, mientras que en Mumbai grabó en una de dos únicamente. De los seis días de sesiones de grabación en la India, se extrajo el corte “The Inner Light” que un par de meses después sería el primer lado B de un sencillo de los Beatles compuesto por George Harrison.

Wonderwall fue proyectada en el Festival de Cannes, celebrado en mayo de 1968. Allí asistieron Harrison junto a su esposa Patty Boyd y Ringo Starr al lado de su esposa de ese entonces, Maureen Cleeve. Sin embargo, el estreno oficial se produjo hasta el 12 de enero de 1969, cuando fue exhibida en algunos teatros del Reino Unido. El problema fue que no hubo una buena labor por parte de la empresa distribuidora y la película llegó hasta mediados de los años 70 a los Estados Unidos. La crítica la consideró en su momento como una película pobre en estructura y muy compleja. Aunque la música de Harrison sirvió para fortalecer el surrealismo que domina la historia del científico Oscar Collins, la producción en realidad es recordada porque un ex Beatle participó en ella y no por la película como tal.

Domingo 27 de noviembre de 2011 - 10:30-11:00 p.m. (GMT -05:00)

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La Bella y la Bestia - Alan Menken y Howard Ashman

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El 22 de noviembre de 1991, hace 20 años, se estrenó en los Estados Unidos uno de los grandes clásicos animados de Walt Disney, La Bella y la Bestia. Esta cinta, que fue inspirada en el clásico cuento de hadas tradicional europeo escrito por la autora francesa Jeanne-Marie Leprince de Beaumont a mediados del siglo XVIII, fue dirigida por Gary Trousdale y Kirk Wise, contó con guión adaptado escrito por Linda Woolverton y su banda sonora original fue obra del compositor Alan Menken y el letrista Howard Ashman.

Con motivo del vigésimo aniversario del estreno de esta recordada película, que pasó a la historia por ser la primera cinta animada nominada en la categoría de Mejor Película en los premios Óscar, dedicamos nuestro programa del pasado 20 de noviembre a escuchar una selección de temas extraídos de su banda sonora original, la cual se alzó con varios premios y recibió múltiples nominaciones.

La Bella y la Bestia fue una de las producciones más exitosas del llamado Renacimiento de Disney, nombre que se le dio a la era dorada que vivió la compañía desde finales de los años 80, cuando se estrenó La Sirenita, hasta finales de los 90 con Tarzán. El compositor Alan Menken y el letrista Howard Ashman eran viejos amigos y habían realizado un exitoso musical de Broadway en 1982 titulado La tienda de los horrores. Cuando ambos se vincularon al proyecto de La Sirenita, tuvieron la idea de que la película fuera narrada a modo de gran musical, y allí estuvo la clave del éxito del filme que los hizo merecedores de las dos estatuillas doradas en las categorías musicales de los Óscar, Mejor Banda Sonora Original y Mejor Canción Original.

Al ver la acogida y la aclamación por parte del público y la crítica, los productores de Disney le apostaron a la misma fórmula para La Bella y la Bestia. Alan Menken y Howard Ashman volvieron a unirse para crear la música de esta historia y el resultado fue igual de exitoso. Una de las primeras canciones que compusieron para la película fue "Bella", tema en estilo de opereta en el que se ve por primera vez a la  protagonista, quien se pasea por el pueblo y expresa su aburrimiento por la simpleza del lugar y su gente. Además, revela su personalidad introvertida y soñadora. Dentro del número también aparece en escena el villano de la historia, Gastón, un cazador que se jacta de ser el más apuesto del pueblo y quien buscará casarse con Bella a como dé lugar.

Otra canción que fue nominada a Mejor Canción Original, al lado de "Bella", es "Nuestro Huésped", tema interpretado por los objetos encantados del castillo, quienes buscan darle una calurosa bienvenida a Bella, la prisionera de la Bestia, cuando ella toma el lugar de su padre, Maurice. Sin lugar a dudas, el sonido de la canción francesa hace de esta canción uno de los más destacados y atractivos de los números musicales creados por Alan Menken y Howard Ashman para esta cinta. 

La tercera canción nominada en la categoría de Mejor Canción Original, y que a la postre obtuvo el galardón, fue "La Bella y la Bestia",  tema interpretado en la versión de Hispanoamérica por Norma Ramos, quien aportó la voz para el papel de la Señora Potts. Esta canción suena cuando la Bella y la Bestia tienen una cena romántica y bailan en el gran salón del castillo. Por motivos comerciales, se grabaron versiones pop en los diferentes idiomas de este tema. La cantante canadiense Céline Dion, desconocida hasta ese entonces, fue la encargada de interpretar la versión inglesa junto a Peabo Byrson, y gracias al éxito de la película la dio a conocer ante el mundo. Algo similar pasaría años después con Christina Aguilera, cuando interpretó la canción de Mulán, otra producción de Disney. Cabe recordar que el doblaje al español de Latinoamérica fue realizado en México, bajo la conducción de  Francisco Colmenero, un célebre locutor mexicano quien se especializó en doblajes y desde los años 50 es una de las voces más familiares y recurrentes en las producciones de Disney.

Además de las canciones que son uno de los principales atractivos de esta película, la música original creada por Alan Menken para acompañar la acción dentro del filme fue todo un acierto. A nivel cinematográfico, la partitura sinfónica compuesta por el hombre nacido en Nueva York está completamente al servicio de las imágenes. Existe una sincronía casi perfecta entre imágenes y música, motivo por el cual Menken fue un justo ganador en los Óscar y Globos de Oro en la categoría de Mejor Banda Sonora Original. Además de Ashman en las letras, Menken contó con la colaboración de Danny Troob en los arreglos y orquestaciones, así como de David Friedman, quien condujo a la orquesta en la grabación del disco y realizó algunos arreglos vocales. Aunque Menken ya había dado muestras de su talento en La Sirenita, la partitura que escribió para La Bella y la Bestia es claramente superior y más desarrollada.

El éxito que obtuvo esta película marcó un hito en la historia de Disney y del cine animado. Nunca antes un filme de este género había sido nominado en la categoría de Mejor Película en los Óscar, además de recibir cinco postulaciones más en los premios de la Academia. A la postre, la cinta obtuvo 16 galardones, entre ellos dos premios Óscar, tres Globos de Oro y cinco Grammy. Fue tal la acogida por parte del público en el mundo entero que el musical fue llevado a Broadway en 1994, algo que después sucedería con otras películas de la época como El Rey León, cuya versión teatral fue estrenada en 1997, y la más reciente, la versión de La Sirenita, estrenada en 2008.

Para algunos expertos, esta película está entre las mejores de los estudios Disney y marcó sin dudas una época dorada del cine animado que encantó a grandes y chicos. La cinta fue lanzada en alta definición, en formato Blu-Ray, en 2009 y en enero del próximo año, 2012, será lanzada en formato 3D en las salas de cine de todo el mundo.

Domingo 20 de noviembre de 2011 - 10:30-11:00 p.m. (GMT -05:00)

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No le temas a la oscuridad - Marco Beltrami y Buck Sanders

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El 4 de noviembre se estrenó en las salas de cine de Colombia la más reciente producción del cineasta mexicano Guillermo Del Toro, No le temas a la oscuridad, cinta de terror basada en la película para televisión homónima emitida en 1973 por la cadena ABC. Escrita y producida por Del Toro, dirigida por Troy Nixey, y protagonizada por Katie Holmes, Guy Pearce y Bailee Madison, esta película cuenta con banda sonora original compuesta por el italiano Marco Beltrami y el estadounidense Buck Sanders. En la emisión del domingo 13 de noviembre dedicamos el programa a escuchar en estreno una selección de cortes extraídos de esta banda sonora, publicada por el sello independiente Lakeshore. 

La protagonista es Sally Hirst, una niña de ocho años que viaja con su padre Alex y con Kim, la pareja de su papá, a la mansión Blackwood, una antigua propiedad de un pintor del siglo XIX llamado Lord Blackwood. Ubicada en el condado de Providence, en Rhode Island, la mansión guarda un oscuro secreto y aunque Alex y Kim van con la intención de ponerla a la venta, Sally escucha unas voces que la llaman y que salen de una chimenea sellada de la antigua residencia. Así descubre que allí habitan unas extrañas criaturas a las que se verá obligada a enfrentar junto a Kim y su padre.

La partitura que compusieron Beltrami y Sanders para esta producción es un buen ejemplo de música para una película de terror en el estilo clásico de compositores como Bernard Herrmann o Jerry Goldsmith, quienes crearon obras maestras para el género durante los años 60 y 70. Del Toro, quien se inspiró en la versión televisiva de la historia emitida en 1973 y por eso realizó el proyecto, le dijo a Beltrami que quería una partitura para orquesta sinfónica y el resultado fue el esperado. La banda sonora fue escrita en dos niveles dramáticos: uno es el de la música que acompaña el misterio, la acción, el suspenso y las escenas más aterradoras, y dos el de los temas destinados a mostrar la fragilidad de la niña, tal y como el tema principal que la identifica.

Beltrami, compositor italiano nacido en la ciudad de Fornero en 1968, se dio a conocer a mediados de los 90 con la música de la película Scream. A partir de entonces se especializó en el género de terror y ha compuesto la música de películas como Mimic, Blade, Hellboy, Drácula 2001 y la versión moderna de La profecía. Este trabajo significó su segunda colaboración con Buck Sanders, un asistente y programador con quien resultó nominado en los premios Óscar de 2010 por la banda sonora original de la película ganadora de esa edición, Zona de miedo. 

El reconocido cineasta mexicano Guillermo del Toro es recordado por producciones como Laberinto del fauno y El espinazo del diablo. Precisamente, al igual que en esas películas, del Toro muestra en No le temas a la oscuridad una historia en la que el protagonista es un niño, en este caso la pequeña Sally, y la historia incluye a duendes y hadas. Una de las fascinaciones del cineasta son los monstruos e inclusive ha declarado que siente una especie de fetichismo por ellos, así como por los lugares oscuros.

Aunque del Toro no aparece como director de No le temas a la oscuridad y el crédito es para Troy Nixey, un autor de cómics canadiense que había dirigido algunos cortos pero nunca antes un largometraje, lo cierto es que el sello del hombre nacido en Guadalajara es evidente. La ambientación así como los detalles visuales y el manejo de la tensión en la película está hecha en el estilo característico del director que escribió el guión adaptado de la película junto a Matthew Robbins.

Aunque es un remake y la historia nos muestra el típico relato de terror acerca de una mansión embrujada, esta película resulta interesante para cualquier amante de este género y demuestra el talento de Guillermo del Toro, cuyo trabajo ha sido reconocido por la crítica a nivel internacional desde hace varios años. En cuanto a la música, esta banda sonora es una de las más destacadas de los últimos años en el género de terror, pues trajo de vuelta el estilo tradicional sinfónico de partituras legendarias. Sin lugar a dudas, es en este caso un condimento fundamental para generar el efecto deseado en la audiencia: sentir terror, vivir en carne propia la pesadilla de los protagonistas y tenerle miedo a la oscuridad.

Domingo 13 de noviembre de 2011 - 10:30 -11:00 p.m. (GMT -05:00)

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Basil Poledouris

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El pasado martes 8 de noviembre se cumplió el quinto aniversario del fallecimiento de Vassilis Konstantinos Poledouris, un compositor estadounidense de ascendencia griega, más conocido como Basil Poledouris, quien se destacó en el mundo de las bandas sonoras durante más de dos décadas. Con motivo del primer lustro de la muerte de Poledouris, dedicamos nuestro programa del primer domingo de noviembre a hacer un recorrido por su carrera y a escuchar algunas de sus más recordadas creaciones.

Basil Poledouris nació en la ciudad de Kansas, en el estado de Missouri, el 21 de agosto de 1945. Hijo de inmigrantes griegos de religión ortodoxa, Poledouris empezó a tomar lecciones de piano a la edad de siete años. Después de graduarse en el colegio, ingresó a la Universidad del Sur de California, donde estudió cine y música, sus dos grandes pasiones. Inspirado por Miklós Rózsa, el legendario compositor húngaro, Poledouris quiso convertirse en compositor de bandas sonoras, por lo cual desde sus años como universitario musicalizó algunos cortos. En la universidad conoció a dos de sus grandes socios, los cineastas John Milius y Randal Kleiser, con quienes trabajó en más oportunidades durante su carrera como compositor. 

Durante los años 70, Poledouris musicalizó varios documentales y cortometrajes. Su primer largometraje fue Tintorera, una película de terror estrenada en 1977. Un año después musicalizó El Gran Miércoles, una producción de su amigo y colega John Milius que narra la vida de unos surfistas de California, y una primera versión cinematográfica de El Señor de los Anillos, cinta dirigida por Ralph Bakshi y producida por Saul Zaentz. Sin embargo, su primer trabajo reconocido fue la banda sonora original de la película La laguna azul, clásica producción estrenada en 1980, adaptación de la novela homónima del irlandés Henry De Vere Stracpoole dirigida por su amigo y socio Randal Kleiser, y protagonizada por Brooke Shields y Christopher Atkins.

Poledouris creó una partitura sumamente romántica en la que expresó la grandeza y la ternura de la historia de amor que viven los protagonistas, Emmeline y Richard, quienes desde que eran niños quedaron abandonados en una isla tropical desierta ubicada al sur del Océano Pacífico. Esta fue una de las películas más taquilleras de 1980 y, a pesar de que su trama no es envolvente y por momentos resulta cursi, contó con un trabajo de fotografía magnífico, realizado por el español Néstor Almendros, y con la bella partitura de Basil Poledouris, quien dio muestras de su talento en este, uno de sus mejores trabajos.

En 1982, Basil Poledouris entró al olimpo donde se encuentran solo los compositores que han logrado crear obras maestras en el arte de la música para cine. Nuevamente junto a uno de sus socios y amigos, el director John Milius, el compositor escribió la que es, sin lugar a dudas, su obra cumbre, la partitura original de la película Conan, el bárbaro, cinta del género fantástico basada en las historias sobre el personaje del mismo nombre del escritor Robert E. Howard en los años 30. En el filme, el héroe fue encarnado por Arnold Schwarzenegger, quien saltó a la fama gracias a su papel protagónico.

La banda sonora creada por Poledouris se convirtió en un clásico después del estreno de la película. El compositor tuvo la oportunidad de trabajar en la partitura desde antes que empezara el rodaje del filme y le dio gusto al director Milius, quien quiso que creara una partitura sinfónica para gran orquesta en el estilo de Richard Wagner, Igor Stravinsky y Sergei Prokofiev. El resultado fue el deseado y Poledouris compuso casi dos horas de música que dotaron de grandilocuencia a la historia, con temas épicos y frenéticos, en los que sobresalen los metales, la percusión y en algunos pasajes los coros. Si bien no fue nominado a ningún galardón por su composición, dicha banda sonora es una de las más populares y de culto entre los amantes de la música para cine.

A pesar de que Poledouris nunca fue nominado por sus trabajos en los premios más importantes del cine como los Óscar, Globos de Oro, Grammy o BAFTA, la industria de la televisión sí reconoció su labor. En 1989, recibió un premio Emmy por la música original que compuso para la miniserie Paloma solitaria, una producción de la CBS que trajo de vuelta al género del oeste a las grandes audiencias. Dirigida por Simon Wincer, y protagonizada por Robert Duvall y Tommy Lee Jones, esta miniserie fue basada en la novela homónima del escritor Larry McMurtry ganadora del Premio Pulitzer de Literatura en 1985. La producción que tiene una duración total de casi 400 minutos obtuvo gran éxito en Estados Unidos y recibió múltiples galardones. 

Los años 80 fueron muy fructíferos en la carrera de Poledouris. Además de los trabajos mencionados anteriormente, se destacan trabajos como Amanecer Rojo, Los señores del acero, RoboCop, Cherry 2000, Adiós al Rey y Un vaquero sin rumbo. En 1990, el compositor escribió la partitura de la película La caza del Octubre Rojo, cinta basada en el bestseller homónimo del escritor Tom Clancy. Protagonizada por Sean Connery y Alec Baldwin, esta historia se desarrolla en plena Guerra Fría y relata la historia de un comandante soviético que viaja en un poderoso submarino llamado Octubre Rojo hacia las costas americanas. La orden que tiene es invadir el territorio estadounidense, pero decide desobedecer porque desea desertar. Basil Poledouris compuso una partitura de carácter épico, su especialidad, y lo más interesante del trabajo es el uso de sonidos propios de la música rusa, algo que se evidencia claramente en el coro del tema principal que se titula “Himno al Octubre Rojo”.

Durante la primera mitad de la década de los 90, los trabajos más destacados de Poledouris fueron las bandas sonoras de Colmillo blanco, La fuerza del viento, Liberen a Willy, Lassie, Fiesta de despedida y la versión no animada de El Libro de la Selva. En todos ellos aplicó su estilo característico con melodías evocadoras y solemnes. Cabe decir que el compositor casi siempre recurrió a la orquesta tradicional para sus trabajos, aunque también utilizó sintetizadores en algunos casos.

A finales de los años 90 el compositor escribió partituras destacadas como la de la película Breakdown, protagonizada por Kurt Rusell, trabajo en el cual contó con la colaboración de Steve Forman, Judd Miller, Eric Colvin y Richard Marvin, y la adaptación del clásico de Víctor Hugo, Los Miserables, cinta dirigida por Bill August, y protagonizada por Liam Neeson, Geoffrey Rush, Uma Thurman y Claire Danes. Ya entrado el siglo XXI, el compositor recibió la noticia de que sufría de cáncer, razón por la cual se vio forzado a retirarse de su carrera para cuidarse. Finalmente, después de cuatro años de lucha, en 2006 falleció a sus 61 años en Los Ángeles, California.

Aunque Basil Poledouris no es tan conocido como otros compositores de Hollywood que han sido más galardonados y tienen un repertorio más amplio, su legado en el arte de las bandas sonoras es muy valioso y fue autor de algunas joyas.

Domingo 6 de noviembre de 2011 - 10:30-11:00 p.m. (GMT -05:00) 

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