Ben-Hur - Miklós Rózsa - 50 años de su estreno

Hola a todos:

Se cumplen 50 años del estreno de una de las películas más exitosas y aclamadas en toda la historia, Ben-Hur, cinta dirigida por William Wyler y protagonizada por Charlton Heston. Recordaremos su banda sonora, obra del compositor húngaro Miklós Rósza, que marcó un hito en su momento y es considerada como una de las grandes obras maestras de la música para cine.

Cuando Ben-Hur se estrenó el 18 de noviembre de 1959, no era la primera vez que se hacía una adaptación cinematográfica basada en la novela de ficción histórica escrita por Lew Wallace, la cual tenía lugar en la época en que vivió Jesucristo, y que a la postre se convertiría en uno de los más grandes bestsellers de la historia. La primera adaptación fue realizada en 1907 por el director canadiense Sidney Olcott, un filme silente de quince minutos de duración. Varios años después, en 1925, la Metro-Goldwyn Mayer produjo otra adaptación de más de dos horas de duración, dirigida por Fred Niblo y protagonizada por Ramon Novarro, filme que ostenta el record de ser la producción más cara de la era del cine mudo.

La década de los 50 es conocida como la era dorada de los filmes épicos en Hollywood, en la que las grandes productoras de la llamada meca del cine, realizaron megaproducciones sobre historias que en su mayoría, estaban inspiradas en historias bíblicas. Bajo esta influencia, la Metro-Goldwyn Mayer quiso hacer un remake de la película del 25 a color, invirtiendo todo lo que fuera necesario y utilizando toda la tecnología disponible en aquel entonces, para lograr una epopeya cinematográfica.

William Wyler fue elegido como director de la cinta, Charlton Heston encarnaría al protagonista Judah Ben-Hur, y dentro del elenco estarían los actores Jack Hawkins, Stephen Boyd y Hugh Griffith, entre otros. 15 millones de dólares fue la cifra invertida en la realización de esta película, que además de ser filmada en su mayoría en los estudios de la MGM, tuvo algunas escenas como la de la carrera de cuadrigas, que fue filmada en Cinecittà Studios de la capital italiana, Roma.

Miklós Rózsa, el compositor de la banda sonora de Ben-Hur, nació el 18 de abril de 1907 en Budapest, Hungría. Estudió música desde temprana edad, influenciado por sus padres. No muy contento con su ciudad natal, el músico se trasladó a Leipzig, en donde estudió en el conservatorio de la ciudad, y posteriormente se radicó por un tiempo en París.

Gracias a su amigo Arthur Honegger, quien compuso la banda sonora de la película Los Miserables de 1934, Rózsa quiso dedicarse a la composición de música para cine. Fue así como a partir de la década de los 40 Rózsa fue uno de los más prolíficos compositores de música para cine, con creaciones como El Ladrón de Bagdad, Días sin huella, Quo vadis?, Ivanhoe, Julio César, Rey de Reyes, El Cid y la que es su obra cumbre, Ben-Hur.

El trabajo de Rózsa fue revolucionario y sumamente importante para los compositores que vendrían después. El húngaro logró crear una gran variedad de temas, con música solemne y festiva por momentos, y en otros dramática y romántica. La virtud del compositor, además de su gran talento para la composición, fue lograr acoplar los diferentes motivos musicales, dándole una unidad a la partitura, convirtiéndola en toda una suite sinfónica que acompaña a la perfección a esta épica cinta.

La famosa carrera de cuadrigas fue grabada en el transcurso de 5 semanas en los estudios Cinecittá a las afueras de Roma. Fueron utilizados 15.000 extras, que formaron parte del escenario más grande construido hasta ese entonces para cualquier película, de aproximadamente 73.000 metros cuadrados.

Esta secuencia de acción, teniendo en cuenta que para la época no existían efectos especiales sofisticados ni generados por computador, es considerada como una de las más grandiosas y espectaculares escenas de acción jamás registradas en toda la historia del séptimo arte. La música de Rózsa, quien según declaró en su momento, caminó durante varios días por las calles romanas, para lograr inspirarse y capturar el sonido de la gloria del Imperio Romano, acompañó a la antesala de la carrera y los momentos después de que esta terminara.

Esto es algo que vale la pena resaltar, porque hoy en día para cualquier película de acción, los compositores de bandas sonoras crean música para ese momento clave dentro de la trama. En Ben-Hur, se optó por dejar el sonido natural de los caballos y carruajes, para que la experiencia del espectador fuera muy cercana a la realidad, además de que esta película fue grabada con una cámara de 65 mm, es decir que se duplicaba el tamaño de la pantalla casi al doble, por lo cual cuando se iba a ver al teatro, era sumamente real y colosal.

Una de las virtudes de esta cinta, fue la forma en que se narró de forma íntima la vida y sentimientos de un héroe como Ben-Hur, sin ser opacado por la grandeza de la historia y el período en que se desarrolla. Diálogos y escenas llenas de drama, sumado a las escenas de acción, hicieron que esta película no tuviera flaquezas, además de otros aspectos por los cuales fue galardonada y aclamada. El manejo del claroscuro fue uno de ellos, que fue pionero en su momento.

Ben-Hur obtuvo un éxito sin precedentes en los premios Oscar. En la entrega número 32 de estos galardones, celebrada la noche del 4 de abril de 1960, obtuvo 11 de los 12 premios que entregaba la Academia por ese entonces. Los premios que recibió fueron los siguientes: Mejor Banda Sonora Original, por el gran trabajo de Miklós Rózsa, Mejor Sonido, Mejor Edición, Mejores Efectos Especiales, Mejor Diseño de Vestuario a Color, Mejor Fotografía a Color, Mejor Decoración de Set a Color, Mejor Actor de Reparto, por el papel de Hugh Griffith como el jeque Ilderim, Mejor Actor Principal, por el papel de Charlton Heston como Judah Ben-Hur, Mejor Director a William Wyler y, por supuesto, la estatuilla a Mejor Película. El único premio que no obtuvo fue el de Mejor Guión Adaptado.

Hasta la fecha, tan solo Titanic de 1997 y El señor de los anillos: el retorno del rey de 2003, han logrado igualar el record obtenido por Ben-Hur, pero si se hace un análisis de época y cantidad de premios que se otorgan hoy en día, lo de Ben-Hur fue algo magnífico, sin demeritar a las otras producciones. De igual manera, la cinta obtendría 4 Globos de Oro y 7 premios BAFTA.

Domingos 22 y 29 de noviembre de 2009 - 10:30-11:00 p.m. (GMT -05:00)

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La Sirenita - Alan Menken y Howard Ashman

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El programa de este fin de semana estará dedicado a escuchar la banda sonora de una de las películas animadas de Walt Disney más recordadas de la historia, La Sirenita, cinta estrenada hace 20 años, el 17 de noviembre de 1989, que fue revolucionaria en diferentes aspectos.

La idea de realizar esta película animada basada en el cuento de hadas homónimo escrito por el célebre escritor danés de literatura infantil Hans Christian Andersen, estuvo en la mente de los miembros de la productora de Walt Disney desde la década de los 30, cuando comenzaban a trabajar en sus primeras películas.

Por diferentes circunstancias, el proyecto quedó en el tintero hasta medio siglo después, cuando a finales de la década de los 80, el director Ron Clements, quien dirigió Policías y Ladrones, cinta estrenada en 1986, propuso realizar una película basada en el cuento de Andersen. Finalmente, la idea fue aprobada y para la realización se incluyeron los bocetos y cambios de adaptación que se habían comenzado en los 30.

En 1987, Howard Ashman, un libretista de musicales y películas de este género, se interesó en el proyecto de La Sirenita. Fue así como junto a Clements y John Musker, ideó la realización de la película a forma de musical de Broadway, su especialidad, y algo que había quedado en el ostracismo en las películas de Disney. Para esto, Ashman trabajó de la mano con su socio musical Alan Menken, con quien había laborado en el exitoso musical de Broadway La pequeña tienda de los horrores de 1982.

Darle este caracter musical a la película significó el trabajo mancomunado entre directores y compositores. Hubo algunos cambios respecto a la historia original, como por ejemplo la creación de un personaje llamado Sebastián, un cangrejo que oficiaba como director musical en el fondo del mar, en el reino de rey Tritón, y como protector de Ariel, la protagonista y una de las hijas del rey.

El formato musical fue el elemento clave y característico de las películas de Disney desde la década de los 30 hasta la de los 70, algo que se retomó hasta la realización de La Sirenita. La banda sonora compuesta por Alan Menken y Howard Ashman incluyó en total siete canciones, además de los cortes instrumentales de la partitura original compuesta por el mismo Menken. En ella se pueden escuchar diferentes estilos musicales, como el inglés del barroco, música francesa y caribeña. Hoy en día sigue siendo considerada como una de las mejores bandas sonoras en toda la historia de Disney.

La Sirenita fue una película revolucionaria por varias razones. En primer lugar, marcó el regreso de los musicales de Broadway a las películas de Disney como formato narrativo que tanto éxito les había brindado en el pasado. La película recaudó 200 millones de dólares en taquillas en todo el mundo, algo jamás sucedido hasta ese entonces. Inclusive, en re-estrenos y realizaciones en VHS y DVD ha tenido ventas millonarias.

En segundo lugar, la animación fue algo innovador, por primera vez se generaron efectos especiales por medio de computadores. En tercer lugar, la película también significó el regreso de los cuentos de hadas a las películas de Disney, luego de 30 años, cuando en 1959 se realizó La Bella Durmiente.

Finalmente, la música fue algo fundamental para el éxito que obtuvo la producción. El trabajo realizado por Alan Menken y Howard Ashman fue prolífico y prueba de ello fueron los premios que recibieron por esta exitosa banda sonora, que a propósito ha sido seis veces platino, una cifra record. Dos premios Oscar y dos Globos de Oro en las categorías de Mejor Banda Sonora Original y Mejor Canción Original por “Bajo el mar”, y un premio Grammy por el mismo tema calipso, fueron los galardones para esta pareja que logró dos años después el mismo éxito con La Bella y la Bestia, y al siguiente año con Aladdín. La fórmula ganadora fue la misma, la de adaptar el formato de musicales de Broadway a las películas de Disney, que significó la llamada era del "Renacimiento de Disney".

Domingo 15 de noviembre de 2009 - 10:30-11:00 p.m. (GMT -05:00)

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Bastardos sin Gloria

Hola a todos:

Dedicaremos el programa de este fin de semana a escuchar en estreno la banda sonora de la más reciente producción del siempre polémico director norteamericano Quentin Tarantino, Bastardos sin Gloria, cinta estrenada el pasado mes de octubre en nuestro país y que es considerada por muchos críticos como la mejor película de Tarantino, luego de Tiempos Violentos o Pulp Fiction de 1994.

Quentin Tarantino ha sido un declarado fanático de los spaghetti westerns de la década de los 60 y 70. Desde el año 2001 el director nacido en Knoxville, Tennessee, comenzó a escribir el guión de esta película, la cual describe como “Un spaghetti western, pero con iconografía de la Segunda Guerra Mundial” y que considera como su obra en el estilo de Los Doce del Patíbulo, Donde las águilas se atreven o Los cañones de Navarone, todas ellas clásicas cintas del género bélico, que se desarrollan durante el período de la segunda guerra mundial.

El director pospuso la filmación y realización de este filme tanto tiempo, porque cada vez se le iban ocurriendo más cosas y la historia iba creciendo, ya que como afirmó, esta sería una cinta épica en la que reuniría varios elementos, como las batallas sociológicas del racismo y la barbaridad de la guerra, pero de una forma más cercana al expresionismo del cine negro y la ucronía, subgénero de la ciencia ficción en la que una historia real sucedida en el pasado, es versionada de forma diferente y alternativa a lo acontecido.

Tres historias convergen dentro de esta película: una es la de un grupo de prisioneros que se volvieron soldados con el fin de matar nazis, y se hacen llamar a sí mismos “Los Bastardos de Aldo”; la segunda historia es la de una joven judía quien fue la única sobreviviente de una masacre realizada por los nazis, en la que murieron sus padres, y por lo cual quiere vengarse; y finalmente la historia de una miembro de la resistencia alemana, llamada Bridget Von Hammersmak, quien busca efectuar un complot para atacar a la cúpula nazi.

Filmada en Francia y España, esta película de Tarantino tuvo un elenco de lujo, encabezado por Brad Pitt, quien encarnó al teniente Aldo Raine, Diane Kruger en el papel de la agente y actriz alemana Bridget Von Hammersmark, Daniel Brühl como Frederick Zoller, y el austriaco Cristoph Waltz, quien interpretó a Hans Landa, el llamado “cazador de judíos”. Este papel hizo merecedor a Waltz del premio al Mejor Actor en el pasado Festival de Cannes de 2009. Ante la actuación de Waltz, Tarantino declaró “Creo que Landa es uno de los mejores personajes que he escrito y que escribiré, y Christoph lo interpretó a la perfección... Es cierto que si no hubiese encontrado a alguien tan bueno como Christoph, no podría haber hecho Bastardos sin Gloria”.

Algunos críticos han aclamado a esta cinta de Quentin Tarantino como una obra maestra por algunas escenas magistralmente logradas, lo cual reafirma el talento de este polémico director, como uno de los mejores cineastas contemporáneos. Para algunos no es afortunada la mezcla entre spaghetti westerns y la Segunda Guerra Mundial, además de que la prensa judía no le agrado en lo absoluto la forma en que fueron ilustrados en la cinta. De todas maneras, cabe resaltar, como se mencionó al inicio de este programa, que es una cinta del subgénero de la ucronía, es decir, ciencia ficción, a pesar de tener personajes y situaciones que existieron en la realidad.

La banda sonora de esta cinta, publicada por el sello Warner Music, como ha sido costumbre en las producciones de Tarantino, está compuesta de temas preexistentes de varios artistas populares y de bandas sonoras de filmes del pasado. En ella se encuentran temas del célebre compositor italiano Ennio Morricone, quien le dió un sonido, un colorido y una atmósfera a las películas del oeste de la década de los 60 y 70; música de Billy Preston, David Bowie, Jacques Loussier, Dimitri Tiomkin, Lilian Harvey y Gianni Ferro, entre otros.

Domingo 8 de noviembre de 2009 - 10:30-11:00 p.m. (GMT -05:00)

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Güemes, la Tierra en Armas - Ariel Ramírez y Mercedes Sosa

 

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El pasado 4 de octubre falleció una de las figuras más importantes de la música latinoamericana en la segunda mitad del siglo XX, conocida como 'La Voz de América' o 'La Negra', Haydée Mercedes Sosa, mujer nacida el 9 de julio de 1935 en San Miguel de Tucumán, capital de la Provincia de Tucumán, al noroeste de la República Argentina. Gran exponente de la música folclórica de su país y de la Nueva Canción Latinoamericana, la mujer que se definía a sí misma como “cantora” antes que “cantante”, también incursionó en contadas ocasiones en la pantalla grande.

Dedicaremos el programa del fin de semana a escuchar la banda sonora de la primera película en la que participó “La Negra”, titulada Güemes, la tierra en armas, cinta estrenada en 1971, dirigida por Leopoldo Torres Nilsson y que contó con banda sonora del célebre compositor Ariel Ramírez, además de incluir, por supuesto, algunos temas en los que canta Sosa.

Esta película hace un recuento por la vida y la batalla del General Martín Miguel de Güemes, primer gobernador de la Provincia de Salta, y una de las figuras principales en la historia de la independencia de Argentina. Güemes defendió de los españoles a las provincias norteñas, comandando al ejército de los gauchos. 

 

El General Güemes fue encarnado por el reconocido actor Alfredo Alcón, uno de los más importantes representantes del cine, el teatro y la televisión de su generación en Argentina. Mientras tanto, Mercedes Sosa interpretaría a la guerrillera del Alto Perú, actual Bolivia, Juana Azurduy, otro importante personaje en la historia de la independencia de los pueblos boliviano y argentino del dominio y opresión del Virreinato del Río de la Plata.

Esta película de Leopoldo Torres Nilsson, fue la única en la que Mercedes Sosa no apareció como ella misma. En los otros filmes en los que apareció, que fueron: Argentinísima de 1972, Esta es mi Argentina de 1974, Mercedes Sosa, como un pájaro libre de 1983, Será posible el sur: Mercedes Sosa de 1985 e Historias de Argentina en vivo de 2001, la cantante no interpretó a ningún personaje en especial.

 

El compositor de la música original  de esta cinta fue Ariel Ramírez, músico, pianista, concertista, compositor y director argentino, quien ha sido uno de los más versátiles músicos que ha dado Latinoamérica, nacido el 4 de septiembre de 1921 en la ciudad de Santa Fe, Ramírez ha trabajado mucho por la música, siendo en la actualidad el presidente de la Sociedad Argentina de Autores y Compositores de Música.

Ramírez fue uno de los grandes representantes y promotores del folclor musical de Suramérica, presentando su música en varios países de Europa. Su más célebre obra, la Misa Criolla, obtuvo gran éxito internacional y fue interpretada, entre otros artistas, por Mercedes Sosa, con quien trabajó en algunos de los álbumes más exitosos de la tucumana, como Mujeres Argentinas de 1969 y Cantata Sudamericana de 1971, justamente el mismo año en que se estrenó Güemes, la tierra en armas. En esta banda sonora se pueden escuchar temas de música andina en su mayoría, así como de música contemporánea.

Domingo 1 de noviembre de 2009 - 10:30-11:00 p.m. (GMT -05:00)

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Coco antes de Chanel - Alexandre Desplat

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Dedicaremos el programa de este fin de semana a escuchar en estreno la banda sonora de la película Coco antes de Chanel, cinta autobiográfica de la directora Anne Fontaine, acerca de la vida de la célebre diseñadora de moda Gabrielle Bonheur Chanel, más conocida como “Coco” Chanel, una de las mujeres más influyentes en el mundo durante el siglo XX. Esta cinta, que se encuentra actualmente en cartelera, fue estrenada el 22 de abril en Francia, y el 9 de octubre del presente año en las salas de cine de nuestro país.

Como bien dice su título, esta película se centra en los años anteriores al gran período de fama y reconocimiento de Coco Chanel como modista. La mujer nacida un 19 de agosto de 1883 en Saumur, población ubicada en la región de Pays de la Loire o los países del Loria, al noroccidente de Francia, vivió durante 7 años en un orfanato ubicado en Auvergne, administrado por unas tías, luego de que su madre falleciera de una tuberculosis y su padre la abandonara junto a sus hermanos y hermanas, cuando ella apenas contaba con tan solo 12 años.

Dicho período de su vida, justamente en plena adolescencia, fue bastante duro para Gabrielle por la falta que le hacían sus padres. Sin embargo, la joven aprendió durante aquel tiempo a coser y manejar el hilo y la aguja, gracias a lo cual obtuvo su primer empleo como costurera a los 17 años. Un año después se independizaría, abandonando el orfanato de sus tías, y probaría suerte como cantante en un cabaret de provincia.

Luego de que el multimillonario Étienne Balsan la conociera en la sastrería donde trabajaba, "Coco" vive una relación amorosa con este hombre, por lo cual se desplaza a París, donde comparte reuniones y bailes junto a la elite de la llamada ciudad Luz. Luego de terminar su relación con Balsan, “Coco” conocería al mejor amigo de éste, el capitán Arthur Edward “Boy” Capel, jugador de polo y miembro de la realeza británica, con quien sostendría también una relación sentimental.

Durante el transcurso de la película, podemos ver cómo esta mujer era pujante y autónoma, rebelde y talentosa, características que a la postre la llevarían a ocupar el lugar de honor que tuvo en la historia de la moda y la alta costura francesa.

La partitura compuesta por Alexandre Desplat para esta cinta fue bastante intimista, con melodías muy suaves que evocan fragilidad y dramatismo, que envuelven a la historia de la diseñadora de moda en el período de vida anterior a su exitosa carrera, recordemos. Si bien no hay mucha variedad dentro de la partitura, la composición fue bien lograda y funciona dentro de la película.

Además de la participación de Audrey Tautou, la dirección de Anne Fontaine y la música de Alexandre Desplat, estuvieron el italiano Alessandro Nivola en el papel de “Boy” Capel, y el belga Benoit Poelvoorde, quien encarnó a Étienne Balsan.

Luego de su estreno, esta película ha recibido bastantes críticas, especialmente por el guión y el ritmo que lleva la cinta, que según varios expertos la hace perder mucho a la hora de hacer una valoración general del filme. Si bien se destacan la cuidada fotografía, el vestuario y la actuación de Tautou, para muchos esta película no muestra la faceta más importante en la vida de la famosa “Coco” Chanel.

No es la primera vez que esta importante mujer aparece en la pantalla grande, ya en 1981 había aparecido una cinta de George Kaczender, titulada Chanel Solitaire; Coco Chanel, película de televisión norteamericana; Coco Chanel e Igor Stravinsky del director Jan Kounen, que muestra la supuesta relación que tuvieron “Coco” y el ruso; y finalmente el musical de Broadway de André Previn, Coco, estrenado en 1969.

Domingo 25 de octubre de 2009 - 10:30-11:00 p.m. (GMT -05:00)

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