Giorgio Moroder

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Hace 70 años, el 26 de abril de 1940, en el municipio de Ortisei, ubicado al nordeste de Italia en la provincia autónoma de Bolzano, nació el reconocido y revolucionario músico y productor Hansjörg Moroder, más conocido como Giorgio Moroder, quien obtuvo a lo largo de su carrera tres premios Oscar, cuatro Globos de Oro y tres premios Grammy. Todos ellos a excepción de uno de los Grammy, le fueron otorgados al italiano por su trabajo en el cine. Dedicaremos el programa del fin de semana, con motivo de este aniversario, a hacer un breve recorrido por la vida y obra de este célebre artista dentro del mundo de las bandas sonoras.

Giorgio Moroder dio sus primeros pasos en el mundo de la música por fuera de Italia, en el país de donde provenían sus raíces, Alemania. Allí fundó los famosos Musicland Studios, ubicados en la ciudad de Múnich, en donde grabarían, durante la década de los 70 y 80, reconocidos artistas como Led Zeppelin, Queen, los Rolling Stones, la Electric Light Orchestra, Elton John y Donna Summer, entre muchos otros.

Con su trabajo como compositor y productor, Moroder se fue dando a conocer poco a poco, con temas como “Looky Looky”, publicado en 1969, o “Son of my father”, prensado en 1972. Sin embargo, su primer trabajo de importancia fue From here to eternity, álbum de música electrónica publicado en 1977, con el cual el italiano demostraba cómo la tecnología permitía explorar nuevos sonidos y nuevos ambientes musicales. El uso de sintetizadores, ya previamente utilizado por la agrupación alemana Kraftwerk, fue capitalizado por Moroder para hacer música bailable electrónica, marcando un precedente muy importante para la música que vendría a posteriori, con géneros como el techno, el house y el dance-pop. Pero fue el cine, el medio a través del cual Moroder pudo dar a conocer su música y obtener fama en todo el mundo.

Su primer trabajo importante en el séptimo arte fue en la recordada Expreso de Medianoche del director británico Alan Parker, cinta estrenada en octubre de 1978 y ganadora del Globo de Oro a Mejor Película de Drama. Con esta banda sonora, Giorgio Moroder adquirió una inmensa popularidad a nivel mundial. Prueba de ello fue el éxito que “Chase” obtuvo en listados y discotecas de todo el mundo, así como los premios que recibió meses después: un Oscar y un Globo de Oro en la categoría de Mejor Banda Sonora Original, es decir, dos de los tres premios más importantes que un compositor de música para cine puede recibir.

Si bien para muchos la amplia merecedora del Oscar de ese año era la pletórica partitura sinfónica de John Williams para Superman, Moroder se salió con la suya y conquistó al mundo con sus sonidos electrónicos, muy de moda por entonces, debido a la explosión del movimiento de la música disco. Además de esto, en aquella época la música para cine estaba pasando por un período en el cual los temas pop estaban siendo utilizados de forma continua en varias producciones, con el fin de atraer más público. Un claro ejemplo de esto fue la banda sonora de Saturday Night Fever, la cual obtuvo millonarias ventas y catapultó a los Bee Gees al éxito internacional.

Con Expreso de Medianoche, Moroder hizo historia, por ser la primera banda sonora de música electrónica en ganar un premio Oscar. Publicada por el sello Casablanca Records, esta banda sonora está compuesta de ocho cortes, dos de ellos vocales y el resto instrumentales. El italiano compuso unos temas básicos meramente atmosféricos que acompañaron a esta dramática y frenética cinta, basada en el libro homónimo escrito por el ciudadano norteamericano Bill Hayes, quien narra su experiencia al haber intentado escapar la frontera turca con una dosis de hachís en su posesión, su posterior captura y el largo período en el que estuvo en prisión, hasta lograr escapar. El encargado de encarnar a Hayes fue el actor Brad Davis y el guión adaptado fue obra de Oliver Stone.

Moroder compuso la música original para la película Gigoló Americano, un thriller dirigido por Paul Schrader y protagonizado por Richard Gere, estrenado en 1980. El tema principal titulado "Call Me" fue interpretado por la banda neoyorquina de new-wave Blondie, siendo el mayor éxito en la carrera de esta agrupación. Nuevamente, fiel a su estilo vanguardista, el italiano creó una partitura electrónica y atmosférica, con música creada a través de sintetizadores, samplers y teclados modulares. Un año atrás, Moroder había sacado al mercado el que es tal vez su trabajo más popular, titulado E=MC², el cual marcó un antes y un después para la grabación y la historia de la música electrónica. Igual de relevante fue su trabajo al lado de la llamada reina del disco, Donna Summer.

En 1982, Moroder volvería a trabajar junto a Schrader, esta vez en un remake de terror erótico, llamado La marca de la pantera, historia en la que un hombre se enamora de una mujer que se convierte en pantera en las noches. Su tema principal, titulado “Cat People (Putting out fire)”, fue interpretado por David Bowie.

Un año después, en 1983, Moroder supervisaría y dirigiría la composición y selección de temas para la banda sonora original de Flashdance, un filme de los productores Jerry Bruckheimer y Don Simpson, dirigido por Adrian Lyne. Esta historia de la joven provinciana Alex Owens y su deseo por convertirse en una estrella del baile, se convirtió en uno de los grandes éxitos de taquilla de ese 1983, principalmente por la música que la acompañó.

La canción “Flashdance…what a feeling!”, el tema principal de la película compuesto por el italiano, fue interpretado por Irene Cara, reconocida cantante quien se había dado a conocer tres años antes por la canción principal de la película Fama. El éxito de esta canción fue rotundo e hizo merecedor a Giorgio Moroder de su segundo premio Oscar y su segundo Globo de Oro, esta vez en la categoría de Mejor Canción Original. Así mismo, la canción obtuvo un premio Grammy en la categoría de Mejor Interpretación Pop Femenina, galardón otorgado a Cara.

De igual manera, el tema de amor de hizo merecedor al italiano de un premio Grammy en la categoría de Mejor Composición Instrumental. En dicha entrega de los Grammy, la número 26, celebrada el 28 de febrero de 1984, Moroder recibiría un tercer premio en la categoría de Mejor Banda Sonora de Cine, Televisión u otro Medio Audiovisual, por su producción y supervisión de la selección de música utilizada en esta Flashdance.

En 1986, Moroder volvería a trabajar con los productores de Flashdance, esta vez para trabajar en la película Top Gun: Pasión y Gloria, protagonizada por un joven Tom Cruise. Además de supervisar la selección y producción de temas para esta banda sonora, compuesta únicamente de canciones, el italiano hizo su aporte con “Take My Breath Away”, clásico tema que ganó el premio Oscar y el Globo de Oro en la categoría de Mejor Canción Original.

Cabe destacar que la labor de Moroder fue trascendental para el desarrollo y creación de música electrónica bailable, y el ser diferente a los demás le permitió obtener éxito también en el mundo de la música para cine.

Domingo 25 de abril de 2010 - 10:30-11:00 p.m. (GMT-05:00)

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Del Amor y Otros Demonios - Fidel Gamboa

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El pasado 26 de marzo, se estrenó en nuestro país la adaptación cinematográfica de una de las novelas del premio Nobel de Literatura colombiano, Gabriel García Márquez, Del amor y otros demonios. Esta es una nueva película de CMO Producciones, una de las casas productoras de cine y televisión más reconocidas y exitosas de Colombia en la última década, y una de las principales promotoras de la industria cinematográfica nacional, luego de que fuera creada la Ley de Cine de 2003. Dedicaremos el programa del fin de semana a escuchar en estreno la banda sonora original de esta nueva producción de CMO, compuesta por Fidel Gamboa. Además, escucharemos testimonios de algunas de las realizadoras.

Hilda Hidalgo, una reconocida cineasta costarricense, graduada de la Escuela Internacional de Cine y TV de La Habana, en Cuba, se había dedicado principalmente durante su carrera a la producción de documentales. En el año 2004, cuando participó en un taller de guión junto a Gabriel García Márquez, le comentó que Del amor y otros demonios le había parecido una novela fascinante y apasionante, así como una de las más cinematográficas de todas sus novelas. Gabo le respondió que, efectivamente, la había escrito jugando a utilizar la dramaturgia de un guión. En medio de esta conversación, surgió la propuesta del hombre nacido en Aracataca, quien le dijo a Hilda que si deseaba hacer una película sobre la novela, tenía su aprobación.

Del amor y otros demonios nos muestra a Sierva María, una niña de piel blanca de 13 años, quien fue criada por negros y vive en la Cartagena colonial del siglo XVII. Cuando un perro la muerde accidentalmente en una pierna, la iglesia considera que la adolescente está endemoniada, por lo cual debe ser internada en un convento. Un joven cura, llamado Cayetano Delaura, tiene por encargo exorcizarla. Al conocerse, nace una fuerte atracción entre ambos, a pesar de que el clérigo es mayor que la niña 23 años. Es así como surge entre Sierva María y Cayetano un amor prohibido, de acuerdo a la época y el contexto en el que se encontraban cada uno de los protagonistas.

Fidel Gamboa es un reconocido músico, compositor, arreglista y cantante, nacido en Guanacaste en 1961, hijo de una familia dedicada a la música. Además de componer música para cine, es el líder de la reconocida agrupación Malpaís, la cual interpreta desde su aparición en 1999, música tradicional y folclórica de Costa Rica. Además de esto, Gamboa ha trabajado con Grupo Experimental, varias bandas de jazz y también ha compartido junto a reconocidos artistas latinoamericanos como Rubén Blades o Jorge Drexler. Esta es la tercera producción en la que trabaja junto a Hilda Hidalgo, luego de su participación en La pasión de nuestra señora y Polvo de estrellas, estrenadas en 1999 y en el año 2000, respectivamente. En la partitura para Del amor y otros demonios, la cual no es muy extensa, hay dos motivos o temas principales, los cuales son interpretados tanto instrumental como vocalmente. La música es muy intimista y minimalista, así como bastante melancólica.

La realización de esta película tardó seis años aproximadamente, desde que García Márquez le cedió los derechos a Hilda Hidalgo, quien inmediatamente comenzó a trabajar en el guión y planeación del filme. Fue un proyecto en el cual participaron varias productoras de Costa Rica, Argentina, México y Colombia, con CMO Producciones.

La cinta contó con un elenco de experiencia en su mayoría, encabezado por el español Pablo Derqui, quien encarnó a Cayetano, Jordi Dauder y Joaquín Climent también españoles, el mexicano Damián Alcázar, y los colombianos Humberto Dorado, Margarita Rosa de Francisco y Alina Lozano, entre otros más. La joven Eliza Triana, hija del reconocido director Jorge Alí, hizo su debut en la pantalla grande con el rol protagónico de Sierva María.

Esta película ha sido bien recibida por la crítica en general y será estrenada próximamente en diferentes festivales de cine internacionales y varios países. Se destaca el trabajo de fotografía, iluminación y escenografía, así como las actuaciones y la música compuesta por Fidel Gamboa.

Domingo 18 de abril de 2010 - 10:30-11:00 p.m. (GMT -05:00)

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Alicia en el País de las Maravillas - Danny Elfman

Hola a todos:

Dedicaremos el programa del fin de semana a escuchar la banda sonora original de Alicia en el país de las maravillas, cinta estrenada mundialmente el pasado mes de marzo y que fue basada en la clásica novela homónima del británico Lewis Carroll, publicada en 1865, así como en una segunda novela titulada A través del espejo y lo que Alicia encontró allí, publicada seis años después. La película fue dirigida por el extrovertido Tim Burton y contó con música de quien ha sido su socio por varios años, Danny Elfman.

Existen numerosas versiones cinematográficas, televisivas e inclusive videojuegos y cómics basados en las clásicas novelas de fantasía infantil Las aventuras de Alicia en el país de las maravillas y A través del espejo y lo que Alicia encontró allí, creadas por el británico Charles Lutwidge Dodgson, un sacerdote anglicano, matemático, lógico, fotógrafo y escritor más conocido por su nombre artístico, Lewis Carroll.

Desde que fue publicada, esta historia ha sido amada por niños, jóvenes y adultos, quienes se han adentrado en el mundo de Alicia y todos los personajes que hacen parte de él, tales como el conejo blanco, el gato de Cheshire, el sombrerero y la reina de corazones, entre otros.

La primera versión cinematográfica basada en las novelas de Carroll que se conoce es un filme silente de 1903, dirigido por Cecil Hepworth y Percy Stow. Como mencionamos anteriormente, a lo largo de todo el siglo pasado y hasta el día de hoy han sido muchas las versiones que se han realizado, pero sin lugar a dudas la más popular es la clásica cinta animada de Walt Disney, estrenada en el año de 1951. El compositor de bandas sonoras Oliver Wallace, conocido principalmente por su trabajo en películas animadas de Disney, recibió una nominación al premio Oscar de 1952, por su partitura para dicha cinta.

Más de medio siglo después, la Walt Disney volvió a interesarse en hacer una nueva versión de la historia de Carroll, para lo cual contactó a Tim Burton en el año 2007. El californiano expresó que la meta era hacer una película atractiva en la que los espectadores pudieran tomar algo de la fuerte carga psicológica que envuelve al personaje de Alicia y su mundo imaginario, pero dándole un sentido más claro y procurando hacer una historia coherente y no un compendio de hechos aislados.

Para la realización del guión estuvo la también californiana Linda Woolverton, conocida por haber realizado los guiones de clásicas cintas de Disney, como La Bella y la Bestia y El Rey León. Woolverton investigó acerca de los modos y costumbres de las niñas y adolescentes de la era victoriana, para hacer de Alicia una totalmente rebelde. Para el rol protagónico fue elegida la actriz australiana de ascendencia polaca, Mia Wasikowska, junto a ella estuvieron Johnny Depp, quien con esta completa ya siete participaciones en películas de Burton, Anne Hathaway, Helena Bonham Carter, Michael Sheen y Alan Rickman, un elenco en su mayoría británico.

Danny Elfman ha demostrado con el paso de los años, que sabe ambientar musicalmente a la perfección las películas de Tim Burton, y ese buen entendimiento que tienen, son el resultado de la larga asociación que han mantenido desde hace 25 años, trabajando en múltiples filmes. En Alicia en el país de las maravillas, una de las bandas sonoras más esperadas de este año, el californiano logró impregnar la música, como ha sido característico en sus creaciones para Tim Burton, de un carácter gótico y algo sombrío. El tema central, sobre el cual se basa el resto de la partitura, es bastante destacado y dota de grandeza a Alicia. Hay varios cortes unidos para algunas secuencias, lo cual le brinda unidad a este trabajo de Elfman.

Esta película es hasta la fecha la más taquillera de este 2010 en todo el mundo, la crítica ha sido positiva en general, aunque para algunos Burton, en ciertos aspectos, se excedió y le quitó un poco de lo esencial a la historia escrita por Carroll. Sin embargo, algo en lo que todos coincidieron es en lo destacada que es la cinta a nivel visual, debido a la utilización de efectos especiales con las nuevas tecnologías en este campo, con las que se pudo mezclar acción en vivo con animación. Burton pensó que para hacer funcionar la película, debía ser vista en tres dimensiones, aunque filmó con cámaras convencionales, para luego finalmente convertirla a 3D.

 

Domingo 11 de abril de 2010 - 10:30-11:00 p.m. (GMT -05:00)

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Jesucristo en el Cine

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Estamos en la Semana Santa, una de las celebraciones religiosas más importantes para el mundo cristiano. Durante estos siete días del año, además de los ritos y ceremonias que se realizan en conmemoración de la pasión, muerte y resurrección de Jesucristo, se emiten por televisión varias producciones cinematográficas que retratan la vida, obra y misión del rabino nazareno. Dedicaremos el programa del fin de semana a escuchar la música que acompañó a algunas de estas recordadas producciones.

Cabe aclarar que, como menciona el experto en bandas sonoras Conrado Xalabarader, “las características tan complejas en la figura histórica y teológica de Jesucristo hacen difícil -sino imposible- una concreción musical definitoria. Normalmente, en el cine, se ha recurrido a la música sacra, creada bastantes siglos después de su existencia, o a la hebraica, pero siempre conforme a unas interpretaciones libres.”

El húngaro Miklós Rózsa compuso la banda sonora para la superproducción Rey de Reyes, de la Metro Goldwyn-Mayer. Esta cinta, estrenada el 11 de octubre de 1961, retrata y narra toda la vida de Jesucristo, desde su nacimiento hasta su muerte y resurrección, pero dándole relevancia al dominio que tenían los romanos en la llamada “tierra prometida”. De igual forma, el personaje de Barrabás cumple un papel importante, ya que se muestran sus pensamientos y diferencias ideológicas con Jesús, así como su amistad con Judas Iscariote.

El actor Jeffrey Hunter, oriundo de New Orleans, Louisiana, fue el encargado de interpretar a Jesucristo, siendo uno de los primeros íconos de los actores que alguna vez encarnaron al mesías. Nicholas Ray era conocido por la clásica Rebelde sin Causa, protagonizada por James Dean, y quiso incursionar con un filme del género épico con Rey de Reyes, que de hecho fue un remake de un filme silente de 1927, dirigido por el legendario Cecil B. De Mille. Como dato curioso, aunque no apareció en los créditos, Orson Welles prestó su voz para ser el narrador en esta cinta.

De la música hay que decir que es otra de las grandes obras maestras del húngaro Miklós Rózsa, quien trabajó durante toda la década de los 50 en filmes del género épico-histórico, en las que el Imperio Romano se veía envuelto, tal y como en Quo Vadis, Julio César y Ben-Hur. Para esta partitura, el compositor creó un tema grandilocuente, con un poderoso coro que buscaba resaltar la grandeza del rey de reyes. La banda sonora fue publicada por el sello Rhino y tiene una duración de 134 minutos aproximadamente, una partitura extensa, pero bien lograda y apropiada, compuesta por una de las leyendas de la música para cine.

La historia más grande jamás contada, fue estrenada en febrero 15 de 1965, tiene una duración de aproximadamente 3 horas y 20 minutos y fue dirigida por George Stevens. Además de esto, contó con un elenco multiestelar, incluyendo a Charlton Heston en el papel de Juan El Bautista, Dorothy McGuire como la virgen María, José Ferrer como Hérodes Antipas, Martin Landau como Caifás, Sidney Poitier como Simón de Cirene, y en el rol principal de Jesucristo estuvo el actor sueco Max von Sydow.

La banda sonora fue compuesta por Alfred Newman, quien más premios Oscar ha recibido en la historia y  padre de la dinastía Newman. El compositor oriundo de New Haven, Connecticut, compuso una de sus mejores partituras, sumamente emotiva y radiante, que demuestran su seriedad, rigor y calidad a la hora de componer. La misma lo hizo merecedor de una nominación al premio Oscar en 1966.

En 1973, se estrenó la versión cinematográfica de Jesucristo Superstar, dirigida por Norman Jewison.Creada por los británicos Andrew Lloyd Webber y Tim Rice, esta ópera-rock fue polémica desde que se estrenó en los teatros y posteriormente con esta versión cinematográfica, debido a que si bien está basada en el evangelio de San Juan, se muestra a un Jesús más humano que divino, igual de vulnerable a los demás, con dudas y temores, lo cual no fue del agrado de algunos fundamentalistas católicos y cristianos.

Sin embargo, con el paso de los años, la obra fue adquiriendo más aceptación y es uno de los musicales más populares y aclamados en el mundo. Para esta versión cinematográfica, participaron en su mayoría actores que ya habían interpretado la ópera en teatro. Filmada en distintas locaciones de Israel y Oriente Medio, esta es una de las cintas imprescindibles para ver en semana santa, impregnada del espíritu y el sonido hippie de la segunda mitad de la década de los 60, es un verdadero clásico, en el cual se destaca el enfrentamiento político e ideológico entre Jesús, interpretado por el tejano Ted Neeley, y Judas Iscariote, interpretado por el afroamericano Carl Anderson.

Jesús de Nazaret es tal vez la la serie más popular y retransmitida cada año en televisión, sobre la vida, obra y misión de Jesucristo en el mundo. El italiano Franco Zeffirelli, a pedido del papa Pablo VI, quien le expresó su deseo de que realizara una gran producción en la que contara la vida de Jesucristo según los cuatro evangelios canónicos, dirigió esta miniserie televisiva, que también fue proyectada en salas de cine. Una superproducción italo-británica, para la cual fueron invitadas grandes superestrellas del séptimo arte.

Entre ellas, Peter Ustinov, Sir Laurence Olivier, Anthony Quinn, Anne Bancroft, Olivia Hussey y Ernest Borgnine. El británico Robert Powell, quien encarnó a Jesús, se inmortalizó con su papel, debido a su parecido físico al prototipo histórico que hemos tenido sobre Jesucristo. La miniserie fue filmada en localidades de Marruecos y Túnez, y tiene una duración total de 371 minutos, un poco más de seis horas.

La música fue compuesta por Maurice Jarre, compositor francés fallecido en 2009, quien acudió a lo étnico y a lo solemne en esta partitura, una de las mejores de su repertorio, sin dudas. Musicalmente, Jarre logró expresar cierto sentido de la espiritualidad y la grandeza de Jesucristo.

La polémica cinta La Última Tentación de Cristo, del director neoyorquino Martin Scorsese, fue basada en la novela homónima del escritor griego Nikos Kazantzakis, publicada en 1960, quien expresa una visión muy personal de Jesucristo, basada más en textos y evangelios que fueron considerados apócrifos, y no en los evangelios canónicos. Filmada en su totalidad en Marruecos, la cinta contó con las actuaciones de Willem Dafoe como Jesús, Harvey Keitel como Judas, Barbara Hershey como María Magdalena y David Bowie como Poncio Pilato.

Estrenada originalmente en agosto de 1988, esta película fue vetada en diferentes países como Argentina, México, Turquía, Chile y Colombia, en donde vino a ser estrenada hasta el año 2001. La música fue obra de Peter Gabriel, uno de los principales promotores de la llamada world music, quien además, con esta banda sonora popularizó aún más este género. En 1990, Gabriel se llevaría el premio Grammy al Mejor Álbum de la Nueva Era, por esta banda sonora, en la cual utilizó como base instrumentación y música del Medio Oriente. Gabriel contó además con la colaboración del pakistaní Ali Khan, Nusrat Fateh.

Fue grande la expectativa que hubo previo al estreno de La Pasión de Cristo, cinta dirigida por Mel Gibson, protagonizada por Jim Caviezel, y que fue estrenada en Marzo de 2004. Esto debido a que se filmó por primera vez una cinta que tuviera diálogos en la lengua que habló Jesús en su tiempo, el arameo, además del latín y hebreo que también se hablaban por ese entonces.

El éxito en taquillas no fue sorpresivo, por la temática del filme y la publicidad que tuvo, pero algunos la criticaron por ser excesivamente violenta y sangrienta. Sin embargo, esa era la intención clara de Gibson, mostrar crudamente lo que vivió Jesucristo para el perdón de los pecados de toda la humanidad. La banda sonora fue obra de John Debney, la cual lo hizo merecedor de la nominación en los premios Oscar de 2005 en la categoría de Mejor Banda Sonora Original. El norteamericano utilizó elementos propios e instrumentación de la música oriental, pero con una sonoridad moderna, además de grandes coros.

Domingo 4 de abril de 2010 - 10:30-11:00 p.m. (GMT -05:00)

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