Che - Alberto Iglesias

Hola a todos:

El pasado mes de junio fue estrenada en Colombia, la segunda parte de Che, película del director estadounidense Steven Soderbergh, que narra la vida del mítico y revolucionario líder argentino Ernesto ‘Che’ Guevara, uno de los íconos más importantes y populares de la segunda mitad del siglo XX. El programa del fin de semana será dedicado a escuchar en estreno la banda sonora de este filme, publicada en 2008 por el sello especializado Varése Sarabande y compuesta por el español Alberto Iglesias.

El ‘Che’ Guevara fue un personaje emblemático que se convirtió en mito por ser uno de los ideólogos e impulsores, junto a Fidel Castro, de la revolución cubana en 1959, cuando fue derrocada la dictadura de Fulgencio Batista. Médico de profesión y aventurero por naturaleza, a sus 22 años, Ernesto emprendió una expedición a lo largo y ancho de Latinoamérica en una bicicleta a la cual le instaló un pequeño motor.

Al conocer cada uno de los países que conformaban el continente sudamericano, el joven médico pudo detectar el alto nivel de pobreza que azotaba a estas naciones y la necesidad urgente que tenían de obtener libertad e independencia, para salir de la miseria y progresar.

Inspirado en el socialismo de Marx, Guevara estuvo en Guatemala, donde fue testigo del golpe de Estado de 1954, organizado y ejecutado por la CIA. Gracias a este suceso, el ‘Che’ fue formando su yo político, el cual veía, más allá de las ideas, a la revolución armada como la única salida para alcanzar el fin de la libertad. Fue así como años después participó de la revolución en Cuba y viajó por el mundo entero pregonando sus ideas hasta que su sueño se convirtió en una utopía y terminó muy pronto.

Basándose en diferentes textos propios del mítico personaje, como los diarios que acostumbraba a escribir, así como en textos de diferentes autores y periodistas que investigaron a fondo la historia de este fascinante personaje, Steven Soderbergh quiso realizar una película en el estilo de cinéma vérité o cinema real, uno de los estilos para hacer documentales, que ya había sido usado para otras películas biográficas como JFK o Nixon del director Oliver Stone.

De esta forma, Soderbergh buscó retratar de la manera más fiel posible la realidad de los hechos, los momentos más importantes en la vida política del ‘Che’ Guevara. En la primera parte, que se llama Che: El Argentino, se puede ver al hombre antes y durante su instancia en Cuba así como su recordado discurso en la sede de las Naciones Unidas en Nueva York, en 1964. En la segunda, titulada Che: Guerrilla, se muestra su viaje y lucha en las selvas de Bolivia.

Alberto Iglesias, nacido en San Sebastián, es el más famoso y exitoso del país ibérico en esta década. Ganador de varios premios Goya y nominado en otras oportunidades a los más prestigiosos galardones de música para cine de la industria, como lo son el Oscar, Globo de Oro, premio Grammy y BAFTA, Iglesias es un compositor que ha ido incursionando, poco a poco, en el cine estadounidense.

Para este trabajo, Iglesias compuso una partitura dramática con algunos cortes sumamente delicados y evocadores que ayudaron a darle ese toque nostálgico a la historia, y otros más sombríos y tensos que acompañaron escenas de drama y conflicto. La utilización de la guitarra clásica en el leitmotiv principal que identifica al ‘Che’, fue todo un acierto.

Filmada en España, Puerto Rico y México, esta ambiciosa película hablada en español fue estrenada en el Festival de Cannes de 2008, en donde se proyectó de corrido durante más de cuatro horas. Durante el mismo evento, el actor puertorriqueño Benicio del Toro, quien encarnó al ‘Che’, obtuvo el premio a mejor interpretación masculina.

Fue realmente merecido este galardón al igual que el premio Goya en la categoría de Mejor Actor, que condecoraron un trabajo arduo de viajes, investigación y apropiación de un personaje histórico, que aún hoy en día, más de 40 años después de haber muerto, sigue siendo parte del imaginario universal.

De igual forma, aspectos como la fotografía, el vestuario, la música y la dirección son bastante destacados. No es la primera vez que el ‘Che’ Guevara aparece en la pantalla grande, pero esta producción es sin dudas la más elaborada, detallada y cercana a la vida de este ícono de la cultura de masas.

Domingo 11 de julio de 2010 - 10:30-11:00 p.m. (GMT -05:00)

Escúchelo por los 91.9 FM de Javeriana Estéreo en Bogotá o a través del audio en vivo de la página web http://www.javerianaestereo.com/ desde cualquier lugar del mundo.

La Laguna Azul - Basil Poledouris

Hola a todos:

Hace 30 años se estrenó la película La Laguna Azul, famosa producción en la que participó la actriz Brooke Shields y que fue basada en la novela homónima del irlandés Henry De Vere Stracpoole, publicada en 1908. Esta historia ya había sido adaptada al cine en dos oportunidades, en 1923 se realizó un filme silente en Gran Bretaña y en 1949 el director Frank Launder hizo una versión sonora.

Dedicaremos el programa del fin de semana a recordar la banda sonora original de esta versión moderna realizada por el director y productor norteamericano Randal Kleiser, la cual fue filmada en locaciones de Jamaica y las islas Fiji. La partitura fue obra del compositor estadounidense de ascendencia griega, Basil Poledouris.

"Dos niños náufragos en una solitaria isla tropical. La naturaleza es amable. Ellos se desarrollan en la generosidad de la selva y la laguna. El niño crece y se vuelve alto. La niña es hermosa. Cuando el amor entre ambos ocurre, es natural y poderoso como el mar". Ésta era la descripción que aparecía en el poster oficial de esta película.

Todo inicia en un galeón británico que se transporta por el sur del pacífico, dentro del cual se encuentran, entre varios tripulantes, dos niños, Richard y Emmeline Lestrange, quienes son primos. El barco sufre un incendio y todos escapan en botes. En medio del humo, el bote del padre de Richard sale en otra dirección distinta a la de su hijo y su sobrina, quienes están con el cocinero del barco, llamado Paddy Button.

Al cabo de varios días a la deriva, Paddy y los niños Lestrange desembarcan en una isla deshabitada que tiene una gran variedad de plantas y animales, así como una laguna azul, que hacen del lugar algo paradisiaco. Al no tener más opción que quedarse allí, hasta que tal vez un día sean encontrados, Richard, Emmeline y Paddy se instalan y sobreviven en medio de este hábitat.

Luego de un buen tiempo, en el que Paddy les enseña a sus apadrinados a sobrevivir en la isla, el cocinero fallece, causándoles un gran golpe anímico y emocional a los niños. Como es natural, cuando Richard y Emmeline crecen, comienzan a descubrir su sexualidad y surge la atracción física entre ambos. Luego de haberse besado y de empezar a tener una vida sexual activa, la joven queda embarazada y da a luz a un niño meses después. Finalmente, el padre de Richard se reencuentra con su hijo y con su sobrina, quienes duermen a la luz del sol, en un pequeño bote en el que escaparon de la isla.

Basil Poledouris nació en la ciudad de Kansas, el 21 de agosto de 1945, y falleció en Los Ángeles, el 8 de noviembre de 2006. De ascendencia griega, este compositor trabajo a lo largo de su carrera en asociación con quien fuera su compañero de universidad, el cineasta John Milius. Su trabajo más recordado es el de Conan El Bárbaro, sin embargo, con esta partitura de La Laguna Azul, que fue apenas su segunda banda sonora, Poledouris dio a conocer sus principales virtudes, con una partitura solemne, delicada, sumamente romántica y con temas muy destacados que dotaron de grandeza a esta historia y fueron el acompañante perfecto para la excelente labor de fotografía del español Néstor Almendros, quien fue nominado a un premio Oscar por esto mismo.

El trabajo del español Néstor Almendros, le permitió al mundo y a los científicos, conocer diferentes especies, como algunas iguanas que motivaron a un herpetólogo a viajar a algunas de las locaciones donde fue filmada la película, para investigar sobre estos animales desconocidos. En 1991, Basil Poledouris también aportó la música para una continuación de esta historia, titulada El Retorno a la Laguna Azul, la cual contó con la actuación de Milla Jovovich en el rol principal.

Cuando fue estrenada, esta cinta fue criticada por grupos cristianos y conservadores, los cuales la consideraron lasciva, especialmente por el manejo del tema de la sexualidad en la pubertad. Sin embargo, fue uno de los mayores éxitos de taquilla en 1980, y lanzó a la fama a Brooke Shields, quien tenía tan solo 14 años al momento de la filmación.

La historia como tal no es sobresaliente, ni la película en términos generales es muy destacada. Claro que hay aspectos como la fotografía y la música que son excelentes. El tema de amor compuesto por Poledouris, es uno de los más bellos que jamás se hayan compuesto en la historia de la música para cine.

Domingo 4 de julio de 2010 - 10:30-11:00 p.m. (GMT -05:00)

Escúchelo por los 91.9 FM de Javeriana Estéreo en Bogotá o a través del audio en vivo de la página web http://www.javerianaestereo.com/ desde cualquier lugar del mundo.

El Príncipe de Persia - Harry Gregson-Williams

Hola a todos:

El pasado mes de mayo fue estrenada en todo el mundo la película El Príncipe de Persia: Las Arenas del Tiempo, cinta basada en el videojuego homónimo publicado en 2003 por la empresa Ubisoft Montreal, una subsidiaria norteamericana de la empresa de entretenimiento francesa Ubisoft.

El famoso productor Jerry Bruckheimer, quien estuvo detrás de la realización de la trilogía de Los Piratas del Caribe, adquirió los derechos para llevar a cabo este filme, que fue distribuido por la Walt Disney Pictures. Hacia finales de 2007, se iniciaron negociaciones con el director británico Mike Newell, quien dirigió esta película, una de las más taquilleras en lo que va de este año 2010.

Dedicaremos el programa del fin de semana a escuchar en estreno la banda sonora de esta película, compuesta por el británico Harry Gregson-Williams, quien fue miembro alguna vez de la compañía de compositores de música para cine y medios audiovisuales Remote Control Productions o Media Ventures, liderada por el alemán Hans Zimmer.

Esta leyenda no hace parte de los relatos históricos del poderoso Imperio Persa de la edad antigua, sino que fue creada por el neoyorquino Jordan Mechner, un hombre que revolucionó el arte del videojuego, al inventarse uno sobre un príncipe de Medio Oriente, quien debe luchar contra varios enemigos, esquivar múltiples trampas y avanzar por los distintos escenarios para lograr un objetivo.

La fluidez y realismo de los movimientos de dicho videojuego influenciaron altamente a esta industria que por ese entonces, principios de la década de los 90, estaba emergiendo. En 2003, Ubisoft Montreal quiso rendir un homenaje al clásico juego de Mechner, sacando al mercado uno similar en cuanto al contenido, pero con tecnología de avanzada que mejoraba ostensiblemente la experiencia.

Ese videojuego se llamó El Príncipe de Persia: Las Arenas del Tiempo, tal y como esta película, y al obtener bastante éxito, se realizaron tres secuelas, una próxima a publicarse en este año. Fue así como Jerry Bruckheimer se interesó por esta historia y quiso llevarla de la fantasía virtual al cine. Para esto, además de contactar al director británico Mike Newell, contó con el mismo creador del videojuego lanzado hace 20 años, Jordan Mechner, quien escribió el guión para esta película.

La historia nos muestra a Dastan, un niño huérfano quien luego de cometer un acto heroico es adoptado por el rey de Persia. Quince años después, tanto Dastan como sus hermanos de sangre real, Tus y Garsiv, planean atacar la ciudad sagrada de Alamut, puesto que sospechan que allí se están fabricando armas que son vendidas a los enemigos del reino.

Cuando el rey muere, el príncipe Dastan es considerado culpable de este grave suceso, por lo cual debe huir para sobrevivir. En su travesía tendrá una acompañante, la reina de Alamut; Tamina está al lado de Dastan, porque quiere apoderarse de una daga mágica que tiene el poder de liberar las arenas del tiempo, es decir, devolver los días y las horas, para cambiar el pasado.

De allí en adelante, Dastan y Tamina, quienes fueron interpretados por Jake Gyllenhall y Gemma Arterton respectivamente, lucharán por defender esta daga, codiciada por varios enemigos sedientos de poder. En otros roles importantes, el villano Nazim fue encarnado por el reconocido Ben Kingsley, y el jeque Aram por Alfred Molina.

Hay que decir que esta producción es muy buena dentro de su género, el de acción, aventuras y fantasía. Filmada en Marruecos y en los estudios Pinewood de Londres, se destaca el vestuario, la escenografía, los efectos especiales y la música. Gregson-Williams creó una partitura solvente y funcional, bien orquestada y con momentos destacados. Se nota eso sí, la influencia de la música de Hans Zimmer, la cual en ocasiones es excesiva, pero que no deja de ser efectiva.

En el leitmotiv principal trae a la memoria la clásica banda sonora de Lawrence de Arabia, compuesta por el francés Maurice Jarre. La mezcla de música sinfónica con música étnica, es la base que fundamenta esta partitura, con la que se buscó expresar la grandeza de la leyenda del príncipe de Persia.

Domingo 27 de junio de 2010 - 10:30-11:00 p.m. (GMT -05:00)

Escúchelo por los 91.9 FM de Javeriana Estéreo en Bogotá o a través del audio en vivo de la página web http://www.javerianaestereo.com/ desde cualquier lugar del mundo.

The Blues Brothers

Hola a todos:

El 20 de junio de 1980, fue estrenada en los Estados Unidos la comedia musical The Blues Brothers, una película que tenía como protagonistas a dos hombres que por su forma de vestir y actuar daban la impresión de ser detectives o policías. Sin embargo, su misión no era la de conseguir informaciones secretas o mantener el orden público, sino la de juntar de nuevo a su banda de Rhythm & Blues para ir de gira y conseguir dinero para salvar un orfanato católico en el que crecieron, el cual estaba al borde de la quiebra.

Con motivo del aniversario número 30 del estreno de esta cinta, dedicaremos el programa de este fin de semana a escuchar su banda sonora, compuesta de temas de grandes estrellas de la música popular negra en Estados Unidos, así como de la agrupación que sirvió de inspiración para realizar este filme.

 

El estadounidense John Belushi y el canadiense Dan Aykroyd, dos comediantes que hicieron parte del primer elenco del recordado e influyente programa de variedades y comedia Saturday Night Live de la cadena NBC en Estados Unidos, fueron los fundadores de una banda tributo que rendía un homenaje al blues, soul y R&B de las décadas de los 50 y 60.

 

Por sugerencia de un hombre asociado al mundo de la música para cine, el canadiense Howard Shore, quien trabajaba por ese entonces como el compositor de la música original de dicho exitoso show televisivo, se hicieron llamar The Blues Brothers o los hermanos del Blues. Aykroyd como Elwood y Belushi como “Joliet” Jake, fueron los personajes que lideraron este grupo, en el cual participaron múltiples músicos.

Luego de presentarse por un tiempo en el Saturday Night Live, los Blues Brothers se decidieron a expandir su proyecto hacia otros campos del entretenimiento, gracias a la buena acogida que tuvieron ante la teleaudiencia. En 1978, grabaron su primer álbum, titulado Briefcase Full of Blues, el cual fue grabado en vivo durante una presentación realizada por la agrupación en la ciudad de Los Ángeles.

Dicha producción fue bastante exitosa y estuvo durante dos semanas en el tope de los álbumes más vendidos de la revista Billboard. Gracias al reconocimiento que iban adquiriendo día a día los Blues Brothers, a la Universal Pictures le pareció rentable realizar una película acerca de estos dos personajes y su banda tributo. Fue así como bajo la dirección de John Landis, se rodó en Chicago, entre los meses de julio y octubre de 1979, un filme con estos curiosos y simpáticos personajes.

Todo inicia cuando Jake sale de la cárcel, luego de pagar tres años de prisión por haber robado a mano armada. Su hermano Elwood lo recoge en el Bluesmóvil, un Dodge Monaco patrullero en el que se transportan. Al visitar el orfanato donde crecieron y al darse cuenta de que la institución está quebrada por no tener el suficiente dinero para pagar $5.000 dólares de impuestos, los Blues Brothers se dirigen a una iglesia evangélica cercana, donde el reverendo Cleophus James predica e invita a sus creyentes a entonar un tema góspel. Mientras todos cantan, Jake sufre una epifanía gracias a la cual puede vislumbrar la forma en que pueden conseguir esa suma de dinero que necesitan: reuniendo a la banda de R&B que alguna vez lideraron.

Al tener clara la misión que deben realizar, Jake y Elwood van en búsqueda de los diferentes ex miembros de la agrupación. En su camino, encuentran varios obstáculos, como una mujer misteriosa interpretada por Carrie Fisher, recordada por su papel como la princesa Leia en La Guerra de las Galaxias, quien los persigue para acabarlos. También un grupo de nazis del estado de Illinois, se interponen en su trayecto. Sin embargo, poco a poco, varios de los músicos se van uniendo nuevamente a los Blues Brothers.

Luego de haberse fogueado en un bar de country y western, en el que en principio fueron abucheados por no interpretar temas del oeste, los Blues Brothers consiguen el dinero necesario para salvar el orfanato, con su presentación en el hotel Palace. Después de interpretar varios temas y de encantar a la audiencia con su presentación, Jake y Elwood inician su viaje hacia el centro de Chicago, para llevar el dinero al cobrador de impuestos. Sin embargo, nuevamente las autoridades interfieren su misión. En el fragmento final de la película, se pueden ver algunas de las escenas de acción más destacadas de esta producción, que sirvieron de inspiración para la creación de un juego de video que saldría años más tarde al mercado.

Cuando este filme fue estrenado, la crítica que recibió fue bastante favorable. Además de ser divertida, la película es una joya por la aparición de grandes figuras del jazz, blues, soul y R&B, como James Brown, Aretha Franklin, Ray Charles, Cab Calloway y John Lee Hooker, razón por la cual vale la pena verla. Para muchos esta es una película de culto, debido a que puso en contacto a varias personas, especialmente a los jóvenes, con estos músicos tan importantes e influyentes en el destino de la música popular de la segunda mitad del siglo XX.

Por esta misma razón, la banda sonora que acompañó a la película es un verdadero clásico, en el que se pueden escuchar a estos grandes exponentes y a los Blues Brothers, grupo tributo que aún hoy en día existe, gracias al empuje de Dan Aykroyd, quien siguió adelante a pesar de la sorpresiva muerte de John Belushi en 1982. Hasta la fecha han sido muchos los que han pasado por las filas de la agrupación y asimismo han lanzado más de diez álbumes, contando grabaciones en estudio, en vivo y las dos bandas sonoras de esta película estrenada hace 30 años y una realizada hace diez, en el año 2000, que se tituló Blues Brothers 2000.

Domingo 20 de junio de 2010 - 10:30-11:00 p.m. (GMT -05:00)

Escúchelo por los 91.9 FM de Javeriana Estéreo en Bogotá o a través del audio en vivo de la página web http://www.javerianaestereo.com/ desde cualquier lugar del mundo.

Psicosis - Bernard Herrmann

Hola a todos:

Hace 50 años, el 16 de junio de 1960, fue estrenada una de las películas más importantes de todos los tiempos, Psicosis, cinta dirigida por Alfred Hitchcock, que contó con una de las bandas sonoras más emblemáticas en la historia del cine en general y del género del terror en particular. Su compositor fue el neoyorquino Bernard Herrmann. Dedicaremos el programa de este fin de semana a recordar esta clásica banda sonora.

Psicosis fue basada en una novela del mismo nombre, escrita por el norteamericano Robert Bloch, quien creó una historia ficticia, basándose en hechos reales. Tomó la personalidad de un asesino en serie de Wisconsin, llamado Edward Theodore “Ed” Gein, para crear al recordado Norman Bates.

Fue así como Alfred Hitchcock, el llamado “maestro del suspenso”, se interesó por esta historia para llevarla a la pantalla grande. Con guión adaptado escrito por Joseph Stefano, el británico rodó este largometraje entre noviembre de 1959 y febrero de 1960.

La película nos ubica en la capital del estado de Arizona, Phoenix, donde Marion Crane, una joven mujer interpretada por la rubia Janet Leigh, le roba $40.000 a su jefe, con el fin de casarse con su novio, Sam Loomis. La mujer escapa en su automóvil fuera de la ciudad y se dirige hacia la casa de Sam, sin embargo, nerviosa por lo que hizo, se encuentra con varios obstáculos en su camino: un policía que le pide papeles, la oscuridad de la noche y una tormenta que le impide tener buena visibilidad para seguir su camino. Es así como la mujer hace una parada en el motel Bates, para pasar la noche.

Allí se encuentra con su dueño, Norman Bates, quien fue encarnado por Anthony Perkins. El hombre le dice que hay habitaciones libres y que si le gustaría cenar con él en su casa, la cual queda arriba de una pequeña colina que limita con el motel. Ella acepta y, mientras se cambia, escucha una conversación entre Norman y su madre, quien le dice que no quiere a niñas para cenar en su casa. Enseguida, Norman baja a la habitación y le trae la comida a Marion, le explica las razones por las cuales no comerán en su casa, y posteriormente sostienen una plácida conversación.

A partir de este diálogo, el espectador puede darse cuenta de cuál es la personalidad y la psicología de cada uno de los protagonistas. Ambos hablan de que sus vidas han caído en una trampa, de la cual no encuentran salida. Luego de que culminan la cena y la charla, Marion está decidida a devolver el dinero que robó, ya que tiene un fuerte peso en la conciencia, del cual quiere liberarse.

Pero de repente, cuando se ducha antes de irse a dormir, viene el momento clave de la película, una de las escenas más recordadas y aterrorizantes que se hayan hecho jamás. La escena de la ducha, en la que Norman Bates, vestido de mujer, asesina con un cuchillo a la joven Marion Crane.

Cuando se llegó la hora de musicalizar esta escena, Bernard Herrmann le rogó a Hitchcock que le permitiera mostrarle el corte que había creado para esta secuencia, ya que 'Htich' había optado por dejarla sin música. Sin embargo, al ver el resultado tan impactante que se obtuvo incluyendo la música,  inmediatamente tomó la decisión de doblarle el salario a Herrmann, quien definió la música que creó simplemente como terror.

Luego de ocurrido el asesinato, Norman Bates lleva el cadáver de Marion Crane en el carro de la víctima, envuelta entre la cortina del baño. Cuando llega a un pequeño pantano, deja que el vehículo se hunda con el cuerpo de Crane, que se encuentra en el baúl.

Al no conocer el paradero de Marion, su hermana, su novio y un inspector, inician la búsqueda para encontrarla. Al llegar al motel, interrogan a Bates e intentan hacer lo mismo con su madre, pero fallan en el intento, puesto que Norman les dice que ella está enferma y no los atenderá. Sin embargo, esto no será un impedimento para que ellos entren a la lúgubre casa, donde son atacados por la misma mujer que asesinó a Marion.

Hay muchos aspectos para analizar sobre esta aclamada película, que fue rodada a blanco y negro. A nivel de la historia y de los personajes, podemos ver las ironías respecto a la vida, el amor, el sexo, el sentimiento de culpa y la muerte, tan característicos en el cine de Hitchcock. También, por supuesto, el psicoanálisis y el suspenso, que fueron manejados de una forma magistral, capturando totalmente la atención de las audiencias.

La música es una de las obras más representativas en la historia de las bandas sonoras. Alfred Hitchcock atribuyó el 33% del éxito de la película a la música creada por Bernard Herrmann, quien optó por crear una partitura para orquesta de cuerdas únicamente, argumentando que no debía haber secciones de maderas y metales o percusión, porque la cinta era en blanco y negro.

El filme fue nominado en las categorías de Mejor Director, Mejor Actriz de Reparto, Mejor Fotografía a Blanco y Negro, y Mejor Dirección Artística en los premios Oscar. Además de esto, el impacto cultural que tuvo esta producción fue enorme y aún, hoy en día, sigue siendo una de las más recordadas en toda la historia del séptimo arte. Hubo cuatro secuelas realizadas entre las décadas de los 70 y 80, la última de ellas realizada como película para televisión. Ninguna de ellas tuvo gran acogida.

Domingo 13 de junio de 2010 - 10:30-11:00 p.m. (GMT -05:00)

Escúchelo por los 91.9 FM de Javeriana Estéreo en Bogotá o a través del audio en vivo de la página web http://www.javerianaestereo.com/ desde cualquier lugar del mundo.