Charles Chaplin - 30 años de su muerte

Hola a todos:

El pasado martes 25 de diciembre se conmemoraron 30 años de la muerte del cómico más popular en la historia del cine, uno de los más geniales e importantes artistas del séptimo arte, el inglés Sir Charles Spencer Davis Jr., mas conocido como Charles Chaplin, quien creó al famoso personaje Charlot.

Chaplin nació el 16 de abril de 1889 en Lambeth, Londres, fue hijo de dos artistas de music-hall, que le enseñaron a cantar y actuar a temprana edad; cuando sus padres se separaron, vivió junto a su hermano mayor Sydney y su madre Hannah, teniendo muy poco contacto con su padre, ya que era alcohólico. Esta enfermedad terminaría con su vida en 1901, cuando Charles tenía tan solo 12 años. Posteriormente, su madre tuvo un problema de laringe, por lo cual su carrera como cantante de music-hall terminó para siempre, al poco tiempo, se volvería una enferma mental, por lo cual Charles y su hermano la llevaron a un asilo.

De esta manera, los hermanos Chaplin tuvieron que arreglárselas para sobrevivir, ganándose la vida como actores en el music-hall, recordemos que el music-hall fue una forma de espectáculo muy popular en Gran Bretaña desde la segunda mitad del siglo XIX hasta la década de los 60 del siglo pasado, en la que se mezclaban canciones populares, comedia y baile, siendo muy similar al vaudeville americano, y que fue de gran influencia para el teatro musical moderno.

El gran salto de Chaplin a la fama, se produjo cuando su hermano Sydney, quien se había convertido en una de las estrellas del grupo cómico de Fred Karno, recibió una oferta por parte de este, para que viajara con el grupo, y trajera a Charles para una gira que iban a realizar por los Estados Unidos, esto a comienzos de la década de 1910. Luego de esta gira, Mack Senett, canadiense conocido como “El Rey de la Comedia” en California, contrató a Charles y fue allí donde conoció el mundo del cine y pronto recibiría propuestas de Hollywood, para que trabajara en varias cintas.

En 1914 haría su primera aparición en la película Charlot Periodista, y en la segunda Carreteras Sofocantes, ya aparecería con su indumentaria característica, de vagabundo andrajoso que tenía un bastón y un bigote pequeño. Ese era el famoso Charlot, que se convertiría en un icono de la cultura universal. Un personaje que buscaba mejorar su vida sin conseguirlo nunca.

Dentro de cada una de las películas de Chaplin, había una dura crítica a la sociedad americana, esto se pudo evidenciar claramente en películas como El Inmigrante de 1917 o Vida de Perro de 1918. Además de ser un gran actor y mimo, Chaplin era polifacético, y desde que adquirió reconocimiento y fama, fue productor, director, guionista, protagonista e incluso compositor de la música de sus películas.

En 1919, junto a Mary Pickford, Douglas Fairbank y David W. Griffith, Chaplin fundó la United Artists, y gracias a esto pudo rodar largometrajes, ya que hasta ese momento solo había rodado cintas de corta duración. En 1921, realizaría una de sus películas más recordadas, El Chico, cinta que muestra a un hombre que decide adoptar y criar a un niño que fue abandonado por su madre. La relación entre ambos es muy enternecedora, cariñosa y amorosa, y es una de las cintas imprescindibles de la era muda del cine, en la que Chaplin trató de mostrar en ese niño, lo que él había vivido en su infancia.

En la década del 20 del siglo pasado, se impondría el cine sonoro, hecho que no hizo que Chaplin cambiara su forma de realizar películas, teniendo confianza de que el público aceptaría que él continuara realizando películas mudas, en las que mostraba su habilidad como mimo, expresando las emociones sin necesidad de diálogos. Él pensaba que su personaje Charlot que había creado con tanto esmero y esfuerzo durante años, perdería su esencia, sí llegaba a hablar.

Lo que sí cambiaría dentro de sus películas, sería la forma en que le añadiría la música. Con el surgimiento de la hoja sonorizadora, es decir, la banda de sonido, Chaplin pudo controlar la música de sus cintas. En palabras de él mismo, escritas en su autobiografía, dijo al respecto lo siguiente: “Me esforcé mucho en componer una música elegante y romántica, que contrastase con mi personaje. Estaba convencido de que una música elegante daría a mis películas una dimensión afectiva, cosa que no acababan de comprender los arreglistas musicales. Ellos pedían que la música fuera divertida, pero los explique que lo que yo buscaba no era rivalizar con la imágenes, sino darles un contrapunto. Mi idea era que la música expresará sentimientos, porque sin ellos, como escribió William Hazlitt, toda obra de arte está incompleta”.

En 1925 se estrenó una de sus cintas más recordadas, La Quimera de Oro, que es considerada como una de sus obras maestras. Varios años después, en 1942, Chaplin compondría la música para esta película. En 1928 realizaría El Circo, una de las películas más taquilleras de la era muda del cine. Chaplin recibiría un premio Oscar, en una categoría especial, por “su versatilidad al producir, escribir, dirigir y actuar en su película El Circo”.

Debido a la fuerte crítica social que expresaba en sus películas, en especial hacía el capitalismo y la sociedad de consumo, Chaplin tuvo muchos problemas con el gobierno estadounidense, por cintas como Tiempos Modernos y El Gran Dictador, llegando a ser deportado en 1952 por ser una amenaza moral para el país, por su apoyo e identificación con la ideología comunista. De esta manera, Charles se instaló en Suiza en 1953, en donde pasaría el resto de sus días.

En 1966 estrenaría su última película, en la que actuaron Marlon Brando y Sophia Lorén, titulada La Condesa de Hong-Kong, que no fue muy aclamada por la crítica. Posteriormente en la década del 70, recibiría un Oscar Honorífico por el “incalculable efecto producido en el arte del siglo XX: el cine”, esto en 1972, así mismo recibió en la misma ceremonia el premio a Mejor Banda Sonora por su trabajo realizado junto a Ray Rass y Larry Russell en la música de la película Candilejas, original de 1952; en 1975, fue nombrado caballero de la Corte Real Británica, fallecería el día de navidad de 1977, cuando tenía 88 años.

En 1992, con motivo de los 15 años de su muerte, el británico Richard Attenborough, recordado por dirigir la película ganadora de 9 premios Oscar en 1982, Gandhi, realizaría un filme semi-biográfico titulado Chaplin, la cinta sería nominada a 3 premios Oscar, incluyendo el de Mejor Banda Sonora, compuesta por John Barry y a Mejor Actor Principal, por el papel de Robert Downey Jr. como Chaplin.

La sencillez y profundidad a la vez, que tenían las películas de Chaplin, fue lo que las convirtió en obras fundamentales para el desarrollo del arte cinematográfico, acompañado de la genialidad y su versatilidad como actor y como creador de historias originales y únicas, que lo convirtieron en una de las figuras más importantes en la historia del cine, así como en la historia del arte del siglo XX.

En el programa se escucháran algunos cortes de la música de las películas: Día de juerga (1919), La quimera de oro (1925) y El Circo (1928).

Los mejores deseos para todos en el próximo año 2008.

Domingo 30 de diciembre de 2007 - 10:30-11:00 p.m. (GMT -05:00)

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Especial de Navidad - Mi Pobre Angelito - John Williams

Hola a todos:

Estamos en vísperas de la navidad, esa época del año que sirve para el recogimiento, la reflexión y que nos permite reunirnos con nuestros seres queridos y nuestros familiares. Por este motivo el programa del próximo domingo, será dedicado a escuchar una banda sonora compuesta por el célebre y reconocido John Williams, para una película familiar navideña, que fue conocida en Latinoamérica como Mi Pobre Angelito.

Esta comedia familiar de Mi Pobre Angelito, que sigue siendo hasta hoy en día la película de comedia de acción en vivo más taquillera de todos los tiempos, fue escrita y producida por John Hughes, reconocido director, productor y guionista de algunas de las comedias estadounidenses más exitosas de la década de los 80 y de los 90. La dirección estuvo a cargo de Chris Columbus, quien también a lo largo de su carrera ha trabajado en películas familiares, tales como Señora Doubtfire, El Hombre Bicentenario y las dos primeras películas de Harry Potter.

Hughes le propuso a Columbus realizar una película con una historia que había escrito sobre un niño de 8 años llamado Kevin McCallister, quien es abandonado por accidente, cuando su familia, bastante numerosa por cierto, en medio del afán y el retraso por salir rápido y llegar al aeropuerto, para su viaje de vacaciones navideñas hacía París. Kevin al quedarse solo en casa, algo que en el fondo deseaba por problemas que había tenido con algunos familiares, se siente feliz por el momento, por su ingenuidad, pero después se va dando cuenta de la falta que le hace su familia. De todas maneras, el niño logra defenderse a su manera, y cuando es asediado por dos ladrones, quienes desean robar su casa, logra enfrentarlos, colocándoles diferentes trampas de manera muy inteligente y sagaz.

El mayor acierto fue haber escogido para el papel de Kevin a Macaulay Culkin, un niño de 9 años, nacido en Nueva York, que desde los 4 años había incursionado en la actuación, y que había aparecido en diferentes obras en Broadway, en series televisivas y con un paso fugaz en cine, en una película también escrita y dirigida por John Hughes, titulada El Tío Buck, cinta estrenada en 1989. Sumada a la escogencia de Culkin, el reparto no pudo ser mejor, con Joe Pesci y Daniel Stern interpretando a los dos ladrones, Harry y Marv respectivamente, sumándose Catherine O’Hara, actriz canadiense que interpretó a la madre de Kevin, quien ya había sido conocida por su actuación en Beetlejuice en 1988.


La música no pudo haber sido dejada en mejores manos, John Williams, recordado por su trabajo en las sagas de Star Wars e Indiana Jones, y por películas como Superman y Tiburón, le puso su sello personal a la música, siendo algo esencial para el éxito de la película. Para esta cinta, Williams utilizó como inspiración la famosa suite del Cascanueces Op.71, composición del músico ruso del siglo XIX, Pyotr Ilyich Tchaikovsky.

Un instrumento utilizado por Williams, que es conocido precisamente por su utilización en el Cascanueces de Tchaikovsky, fue la celesta, instrumento de composición similar al piano, pero cuyos martillos activados por teclas percuten placas de metal en lugar de cuerdas tensas. Estas placas al ser percutidas provocan una resonancia sobre una caja de madera destinada a este fin, produciendo un sonido dulce y bello.

Williams además de poner su cuota musical dentro de la película, también adaptó algunos villancicos tradicionales como "O Holy Night" y "Carol Of The Bells". Por su parte, Williams compuso junto a Leslie Bricusse (letras) dos villancicos: "Star Of Bethlehem" y el recordado "Somewhere In My Memory", que fue nominado como Mejor Canción Original en los Premios Oscar.

Esta película, además del éxito que obtuvo a nivel mundial en taquillas, fue también utilizada para la creación de diferentes videojuegos. Además de la nominación a Mejor Canción Original por “Somewhere In My Memory”, Williams fue nominado también a la categoría de Mejor Banda Sonora por su trabajo. Recordemos que Williams es el compositor y artista vivo con más nominaciones a premios de la Academia en toda la historia con 45 en total.

Como dato curioso, el famoso poster en el que Culkin aparece cogiendose las mejillas con sus 2 manos, es una parodia de uno de los cuadros más conocidos en el mundo, El Grito, del pintor expresionista noruego Edvard Munch, pintura original de 1893, que se encuentra en la Galería Nacional de Oslo y que a finales del siglo XX adquirió el estátus de icono cultural, simbolizando el desespero, la angustia y los complejos de culpa y ansiedad que vive el hombre.

En 1992 se estrenaría una segunda parte de esta historia, Mi Pobre Angelito 2: Pérdido En Nueva York, que contó con la dirección de Columbus nuevamente y con el mismo reparto actoral, incluyendo a los protagonistas. En 1997 ya con otro reparto actoral, se estrenaría una tercera parte, que no tuvo mucho éxito, así como tampoco lo tuvo la cuarta parte estrenada por la ABC en 2002.

!Una Feliz Navidad para todos!

Domingo 23 de diciembre - 10:30-11:00 p.m. (GMT-05:00)

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Saturday Night Fever - 30 años después

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El 14 de diciembre de 1977, se estrenó una de las películas más recordadas en la historia, que generó y tuvo un impacto cultural bastante significativo, se trata de Saturday Night Fever, película que fue protagonizada por John Travolta y que fue la encargada de popularizar la música disco alrededor del mundo.

Robert Stigwood, nacido en Adelaida, Australia, es uno de los empresarios y productores de espectaculos musicales y de entretenimiento más importantes en la historia, desde la década de los 60’s, incursionó en la industria musical, patrocinando a grupos de rock como Cream y los Bee Gees en sus comienzos, y posteriormente siendo el impulsor de varios de los musicales mas exitosos de Broadway y del West End, como Hair, Jesucristo Superestrella, Evita y Grease, que debido a su éxito y acogida, también fueron llevados al cine, con Stigwood a la cabeza.

En 1975, en la revista New York Magazine, el periodista británico Nik Cohn, publicó un artículo titulado “Tribal Rites of The New Saturday Night” o “Ritos Tribales de la nueva noche de Sábado”, que fue una historia ficticia que el periodista creo para describir la escena disco que estaba viviéndose en los Estados Unidos, y que fue la fuente de inspiración para la creación de la película que dirigiría John Badham. La historia que tiene lugar en Brooklyn, Nueva York, muestra a Tony Maniero, un joven de 19 años de ascendencia italiana, quien encuentra en la discoteca el lugar de escape y de diversión, a sus problemas intrafamiliares y laborales. La película retrata la historia de este personaje, y de una bailarina, mayor que él, con quien participa en una competencia de baile. Tony se enamora de Stephanie, y ella llega a interesarse en él, pero las circunstancias y situaciones que ambos viven, los hace entender sobre el final que su relación no puede ser algo más que una bonita amistad.

La música disco, surgió en la década de los 70, convirtiendose en un género popular, tomando elementos de géneros como el Motown, el Soul, el R&B y el Funk, con toques latinos en muchos casos, y que se convirtió en la música de las salas de baile, de las discotecas, de ahí el origen de su nombre. El sonido disco, se caracterizaba por las secciones de cuerda y metales, con la base instrumental del piano eléctrico y la guitarra eléctrica.

Los Bee Gees, un trío formado por 3 hermanos, Barry y los gemelos Robin y Maurice Gibb, tuvo un leve éxito sobre el final de la década de los 60, pero pasaron al olvido rapidamente, Stigwood su productor musical, les propuso que compusieran la música para la película que estaban realizando. De esta manera, el trío compuso la música, y empezo a difundirse en la radio, y luego con el éxito rotundo que tuvo la película, se convirtieron en unos de los artistas más exitosos de la historia, ayudando a difundir y popularizar la música disco en el mundo, por lo cual fue de suma importancia tanto la música como la película, y esto se representó en las ventas millonarias de la banda sonora, que la convirtió en la más vendida de todos los tiempos, con las canciones de los Bee Gees como principal atractivo, y con música de otros artistas.

Los temas más recordados son "Stayin' Alive", "How Deep Is Your Love", "More Than A Woman", "Night Fever", "You Should Be Dancing" e "If I Can't Have You", que fue interpretado por Yvonne Elliman. Todos ellos los podra escuchar en el programa.

Domingo 16 de diciembre de 2007 - 10:30-11:00 p.m. (GMT-05:00)

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Erich Wolfgang Korngold - 50 años de su muerte

Hola a todos:

Los dos primeros programas del mes de Diciembre, serán sobre uno de los compositores más importantes en toda la historia de la música para cine, se trata del compositor austro-húngaro de música clásica, Erich Wolfgang Korngold, quien falleció hace 50 años, el 29 de noviembre de 1957.

Cuando el cine apareció a finales del siglo XIX, con los hermanos Lumiére y hasta la década de los 20 del siglo pasado, la música había sido tan solo un acompañante en las cintas. Servía como elemento distractor para el público, siendo un paliativo para las producciones cinematográficas de aquella época que tenían muchas interferencias de sonido, así como defectos técnicos. Por lo tanto la música se desplegaba más por su forma que por su contenido. La música se interpretaba en vivo por lo general, en su mayoría por un pianista o a veces por una pequeña orquesta, pues no existía la hoja sonorizadora; era un mosaico musical de diferentes obras pre-existentes, que el interprete variaba según la película, siendo en unas ocasiones exitosa la atmósfera que creaba o en otras desastrosa, ya que no había una conexión entre lo que las imágenes mostraban y lo que la música expresaba.

Durante la década de 1910 y la de 1920, ya se fue planificando la música que debía acompañar a cada una de las escenas específicamente; cuando se creó la hoja sonorizadora, se logró sincronizar la imagen con la música, convirtiéndose en un recurso narrativo fundamental, ya que la música para cine tiene como fin reforzar nuestras reacciones emocionales frente a la historia que estamos viendo en la pantalla grande. Así pues, la música además de ser un recurso narrativo, se fue convirtiendo también en un recurso explicativo, porque en la era del cine mudo, cada escena iba acompañada de comentarios, siendo esta la forma en que se le explicaba al público lo que estaba observando.

Cuando el cine sonoro se impuso, con la película El Cantor de Jazz de 1927, esta función de la música en el cine, se convirtió en algo imprescindible para las producciones cinematográficas. En la década de 1930, cuando Korngold llegó a Hollywood, fueron surgiendo compositores muy importantes también, tales como Max Steiner, Franz Waxman y Alfred Newman, quienes fueron pioneros en la creación de música original para las grandes producciones de Hollywood entre los años 30 y 50, periodo conocido como la Era Dorada.

El estilo musical característico de las bandas sonoras de estas películas, era la música totalmente sinfónica, propia del romanticismo del siglo XIX, con representantes como Mahler, Strauss y Wagner, que fueron de gran influencia para Korngold. Para él, la música para cine era como la música de ópera, por lo cual incluyo elementos de la ópera en la música que compuso para los diferentes filmes en los que trabajó. La inclusión de los leitmotivs, propios de las óperas de Wagner, que son temas musicales recurrentes, asociados dentro de una pieza musical con un personaje, un lugar o una idea, fueron utilizados por el compositor.

Korngold, nació el 29 de mayo de 1897 en Brünn, ciudad que quedaba en el territorio del Imperio Austro-Húngaro, y que hoy en día esta ubicada en la República Checa. Desde que tenía 4 años, vivió en Viena, la capital musical del mundo, en donde mostró a los vieneses, y a los músicos en boga por aquella época, Gustav Mahler y Richard Strauss, su gran talento, siendo un prodigio del piano, tanto así, que se le llegó a comparar inclusive con Mozart, guardando las proporciones, claro esta.

En 1911, se estrenaron sus primeros trabajos, su primera sonata para piano y su primer trabajo orquestal; en 1913, se estrenó su primera sinfonía, y su primera sonata para piano; en 1916, se convirtió en un compositor de ópera respetado, luego del estreno de sus dos primeras obras de este tipo, Der Ring des Polykrates y Violanta. En 1920 estrenaría la ópera Die Tode Stadt, que es la más conocida de su repertorio, y que fue compuesta después de la Primera Guerra Mundial.

Luego de ser nombrado profesor Honoris Causa de la Academia de la Música de Viena a los 33 años de edad, y de entablar una amistad con el reconocido director y actor de cine y teatro Max Reinhardt, quien fuera uno de los impulsores del expresionismo en el cine y teatro, en las que la música era sumamente importante, al lado de un montaje teatral espectacular, su vida cambió por completo, cuando este le pidió que viajara a los Estados Unidos, para trabajar en la adaptación de la música de Félix Mendelssohn para la versión cinematográfica de la famosa Sueño de Una Noche de Verano, que el director filmaría con la productora Warner Bros.

Luego de este trabajo, Korngold firmaría un contrato con esta gran productora de Hollywood, siendo un contrato bastante flexible, en el que él escogía las películas que él quisiera, para componer la música de las mismas. De esta manera, Korngold abandonó Viena, para instalarse en Hollywood, en donde se convertiría en el primer compositor de música para cine reconocido y famoso.

La importancia de la obra de Korngold es invaluable en la historia de la música para cine, porque logró darle una identidad al género de las bandas sonoras, junto a sus contemporáneos, dotándola de una exuberante, brillante y muy bien cuidada orquestación, que creaba los ambientes sonoros necesarios para cada secuencia, que fueron de vital importancia, para compositores a posteriori, como Miklós Rózsa, Elmer Bernstein, Jerry Goldsmith y John Williams, entre otros. Asimismo, se pudo ver como la música en el cine, era una nueva forma de componer música sinfónica o música clásica, dotándola de elementos del romanticismo del siglo XIX y de elementos también de la Música Contemporánea de la época.

Entre sus bandas sonoras más destacadas, se encuentran la de Anthony Adverse, The Adventures of Robin Hood, The Sea Hawk, The Prince and The Pauper, Kings Row y Escape Me Never, entre otras.

"La música es música sea para teatro, palco o cine. La forma puede cambiar, la manera de escribir puede variar, pero el compositor no debe hacer concesiones a lo que él considera como su propia ideología musical”, decía Korngold en una entrevista concedida en 1946.

Domingos 2 y 9 de diciembre - 10:30-11:00 p.m. - (GMT-05:00)
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Cine y Literatura

Hola a todos:

El programa de este fin de semana será sobre la música inspirada en adaptaciones de varias novelas a la pantalla grande. Son muchas las películas que se han realizado hasta el momento, en las que se ha tratado de interpretar lo más fielmente posible, diferentes obras literarias, siendo en algunos casos exitoso el resultado, o en otros casos catastrófico. De igual manera, esta apreciación es algo muy subjetivo. De antemano, se sabe que el cine y la literatura son dos lenguajes muy diferentes, y no podrán nunca concordar totalmente.

Los procesos políticos y los escenarios de guerra han sido de gran interés para la literatura anglosajona y en particular para el cine. De ello es prueba las múltiples adaptaciones cinematográficas de las novelas de John Le Carré y Graham Greene, maestros del thriller político y el mundo de los espías.

El Jardinero Fiel es una novela de Le Carré llevada al cine por el director brasileño Fernando Meirelles famoso por su película de la favela de Río de Janeiro Ciudad de Dios. La trama de la novela se inserta en el mundo de la diplomacia británica en Kenya y el negocio de las transnacionales farmacéuticas que en teoría prueban sus nuevos medicamentos como la ficcional Dipraxa para curar la tuberculosis en enfermos africanos, pues sus vidas no valen para el resto del mundo y de paso, reciben gratuitamente medicina para tratar la penosa enfermedad del sida por permitir experimentar con ellos las nuevas tabletas de la corporación Hipo. Nairobi es el escenario inicial de la novela y la película, donde sus dos protagonistas Tessa y Justin dividen sus vidas, ella por el amor a los niños y los derechos humanos en la zona marginal, él por la diplomacia que lo conducirá a encontrar a los asesinos de su esposa en la elite y la corrupción de sus allegados. Tanto así que sacrifica su vida para poder estar con ella, porque tal cuál dijo “Tessa es mi hogar”.

El desarrollo musical fue llevado a cabo por el ya consagrado español Alberto Iglesias que utilizó instrumentos nativos para ambientar la ciudad que coexiste entre la riqueza y la pobreza, los grandes paisajes del país africano y el amor de los protagonistas.

El Fin del Romance es una novela de Graham Greene llevada al cine por Neil Jordan en 1999, que trata la condición moral del amor en un triangulo apasionado entre una mujer casada, Sarah, quien fue interpretada por Juliane Moore, y que le valió la nominación al Oscar a Mejor Actriz Principal, su marido, Henry Miles, interpretado por Stephen Rea, y el amante que narra con honestidad su deseo de que ella sólo esté con él, este último fue interpretado por Ralph Fiennes. La historia se basa en un estado crucial: la muerte que se la lleva a ella por una enfermedad y la que aparece incipiente en un bombardeo alemán durante la segunda guerra mundial para su amante, ella al verlo así le pide a “Dios” que le devuelva la vida y jura arrepentirse de su infidelidad y quedarse al lado de su marido. La música compuesta por Nyman, se convierte en la expresión más honesta del amor tan profundo que los une, al punto de dejarlo para cumplir su promesa divina por el retorno a la vida de Maurice que dice cuando la ve después a ella muriendo al mismo “Dios”: “haré lo que sea, si usted la hace vivir...solamente déjela viva una vez mas”.

En la década de los 90 se estrenaron dos grandes películas de amor inspiradas en novelas que mostraban momentos de tensión política. Primero en 1994, el escritor chileno Antonio Skármeta se hizo famoso mundialmente por la adaptación de la premiada película Il Postino, inspirada en su gratísima novela “El cartero de Neruda”. Situada originalmente en los últimos años del poeta en isla negra al lado de su adorada Matilde, con el descubrimiento de una nueva amistad con su cartero, un joven de 17 años de edad, Mario Jiménez, y el cortejo permanente de él hacía la hermosa Beatriz por medio del aprendizaje riguroso de los versos de Neruda. La banda sonora, ganadora del Oscar, fue realizada por el argentino Luis Bacalov. Ambienta perfectamente la reflexión de Skármeta acerca del fin de Neruda: “muere el poeta, muere la democracia”.

El mexicano Alfonso Cuarón en 1998 estrenó una adaptación cinematográfica contemporánea de la novela clásica Grandes Esperanzas de Charles Dickens. El ejemplo literario más claro de que las propias acciones no siempre determinan nuestras vidas. Es una gran historia del ascenso social de Philipp Pirrip, bajo la mano oculta de un benefactor que hace parte de la ilegalidad, el señor Provis. Pero también es una historia de desamor desde que el niño “Pip” conoce a la rica y hermosa niña, Estela, adoptada por la señora Havisham y entrenada con un sólo fin: destruir los corazones de los hombres. Textualmente como lo dice Dickens: “…el verdadero amor. Es devoción ciega, humillación absoluta, total sumisión, fe y confianza contra uno mismo y el mundo entero, plena entrega del alma y el corazón al que te lo destroza…”. En la cinta de Cuarón, el protagonista, interpretado por Ethan Hawke, se llamó Finnegan Bell, más conocido como “Finn”, en diminutivo, al igual que “Pip”. La banda sonora de la película fue escrita con sencillez por el inglés Patrick Doyle. Esta película fue protagonizada por los británicos Ralph Fiennes y Rachel Weisz, que se llevaría el Oscar a Mejor Actriz de Reparto, por su papel como Tessa.

Una de las mejores películas de lo últimos años tampoco ha sido ajena al fenómeno de la literatura y del guión adaptado. Secreto en la Montaña, la famosa película que ganó en todos los festivales de cine en que se presentó, pero que fue ignorada por el Oscar, está inspirada en un relato de la escritora estadounidense Annie Proulx llamado En Terreno Vedado, que se presenta como una ironía al machismo del cowboy y una propuesta al respeto a la intimidad y a la condición sexual en imperios donde reina la homofobia. Más que una película sobre dos vaqueros, que intiman en un espacio para la aparente gallardía, es una historia de amor clandestino entre Ennis y Jack contada perfectamente por el director Ang Lee y musicalizada majestuosamente por el argentino Gustavo Santaolalla, tanto así, que fue merecedor del Oscar por mejor banda sonora original.

Una gran película que cumplió este año su 25 aniversario de creación, fue Blade Runner, basada en la controversial, futurista y apocalíptica novela de Philip Dick, “Sueñan los androides con ovejas eléctricas” y dirigida por el norteamericano Ridley Scott. La novela plantea el dilema presente de matar y no sentir nada, así sea a unos androides en el futuro, total para ello se puede alterar el estado de animo por medio de la tecnología, olvidar y creer que la realidad es verdadera. La banda sonora fue compuesta por el griego y siempre enigmático Vangelis, con una melodía de otro mundo, uno mas avanzado con caza recompensas, dioses cibernéticos y androides más capacitados para sentir que los propios seres humanos o sino porque un “cuasi” robot como Roy Batty le dice a Rick Deckard un humano depredador de vidas cibernéticas, interpretado por Harrison Ford: “he visto cosas que a los humanos les costaría creer…”.

Durante el programa, se escucharán cortes musicales de cada una de las películas que se mencionan en esta publicación.

Domingo 25 de noviembre - 10:30-11:00 p.m. (-05:00 GMT)

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Titanic - James Horner - 10 años de su estreno

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Se cumplen 10 años del estreno de la película más taquillera de todos los tiempos, Titanic, cinta ganadora de 11 premios Oscar, incluyendo el de Mejor Película y Mejor Banda Sonora, que fue dirigida y concebida por el canadiense James Cameron. Este filme ha sido el que más estatuillas de la Academia ha recibido, junto al clásico épico Ben-Hur de 1959, y El Señor de Los Anillos: El Retorno del Rey de 2003. Además ha sido junto a Eva al desnudo, cinta de 1950, protagonizada por la legendaria Bette Davis, la película con más nominaciones en la historia, con 14 en total.

Desde que el trasatlántico R.M.S. Titanic, salió del puerto inglés de Southampton el 10 de abril de 1912, siendo el barco más grande y lujoso creado hasta ese momento, llegándose a considerar como inundible; y con el posterior choque que sufrió con un témpano de hielo en la noche del 14 de abril, y el hundimiento posterior, en el que murieron aproximadamente 1500 personas, se han realizado varias películas, una serie televisiva, un musical de Broadway y hasta un juego de video, en el cual se recrea la trágica historia.

Al director, productor y guionista James Cameron, le apasionaron siempre los naufragios, por lo cual escribió un guión para realizar una película de más de 3 horas de duración, en la que ilustraría detalladamente la historia del Titanic, teniendo de fondo una historia de amor, entre una joven de clase alta, Rose DeWitt Bukater y un joven de tercera clase, Jack Dawson. Rose fue interpretada por la inglesa Kate Winslet, y fue nominada al Oscar y Globo de Oro por su actuación. Leonardo DiCaprio, por su parte interpretó a Jack, y fue gracias a esta película que saltó a la fama mundial. Luego de que la Twentieth Century Fox aceptará la propuesta de Cameron, se invirtieron aproximadamente 200 millones de dólares para la realización de esta superproducción.

En palabras de Cameron, "La historia no pudo haber sido escrito mejor... la yuxtaposición entre ricos y pobres, la magnificencia del gran barco, la fascinante de historia de amor que la envuelve y por encima de todo, la lección de que la vida es incierta, el futuro impredecible, y lo impensable posible", hizo que la historia fuera bastante atractiva para la audiencia.

La música de James Horner, fue sumamente importante para el éxito obtenido por la película. Para esta, Horner utilizó elementos de la música celta, propia de las islas británicas, mezclándola con música orquestal y sintetizadores. La cantante y soprano noruega Sissel, interpretó todas las partes vocales, por lo cual llegó a ser comparada con Enya y con Sarah Brightman.

James Horner compuso en secreto junto al célebre Will Jennings, la canción ‘My Heart Will Go On’, porque Cameron no quería incluir canciones dentro de la banda sonora de la película. La célebre cantante canadiense Céline Dion grabó un demo, y sobre el final de la filmación, Horner le presentó la canción a Cameron. Luego de escucharla varias veces, Cameron dio su aprobación, pero estaba preocupado, porque según él, lo iban a criticar, por ser comercial sobre el final del filme.

La canción finalmente se incluyo en los créditos finales de la cinta, y tuvo un éxito rotundo en listados populares alrededor del mundo, siendo la canción más exitosa de Celine Dion en toda su carrera, y ganadora de múltiples premios, incluyendo el Oscar, Globo de Oro y Grammy a Mejor Canción Original, así como Mejor Canción y Grabación del año en los Grammy de 1999. Es según la United World Chart, la decimocuarta canción más exitosa de todos los tiempos.

Debido al éxito de esta canción, la banda sonora compuesta por Horner, es hasta la fecha, la banda sonora orquestal más vendida de todos los tiempos, con 27 millones de copias vendidas. Siendo destacable el hecho de que solo incluya esta canción Pop, porque por lo general las bandas sonoras más vendidas, incluyen únicamente temas Pop y Rock. En Agosto de 1998, se lanzaría una segundo álbum con música de la película, incluyendo nuevos arreglos y otros cortes. Este álbum se título Back To Titanic.

Para Cameron, la música de la película expresa hábilmente la grandeza como la intimidad, la felicidad como la tristeza, bajo el espectro que envuelve a la película, sin perder la unidad temática y el estilo propio.

Domingo 18 de noviembre 10:30-11:00 p.m. (-05:00 GMT)

Escúchelo a través de los 91.9 FM de Javeriana Estéreo en Bogotá, o a través del Real Audio de http://www.javerianaestereo.com/ desde cualquier lugar del mundo.

Drácula de Bram Stoker - Wojciech Kilar - 15 años de su estreno

Hola a todos:

A partir de este mes, el espacio de Bandas Sonoras de Javeriana Estéreo ira siempre los domingos de 10:30 a 11:00 pm, así haya lunes festivo. Por esta razón, el domingo pasado, 4 de noviembre, se pasó una repetición del programa emitido el domingo 21 de octubre, sobre la banda sonora de 'Frida' de Elliot Goldenthal, ganadora del Oscar y Globo de Oro en 2002.

Para este domingo que viene, 11 de noviembre, tendremos un programa dedicado a una excelente banda sonora, de las mejores jamás compuestas para el género de terror, suspenso y drama. Se trata de la banda sonora de la película Drácula de Bram Stoker del director Francis Ford Coppola, realizada hace 15 años, siendo considerada hasta la fecha, como la adaptación más cercana a la clásica novela escrita en 1897 por el irlandés Abraham Stoker, más conocido como Bram Stoker, sobre el mítico y legendario vampiro Drácula.

Son varias las películas que se han hecho sobre el mítico vampiro Drácula, desde Nosferatu clásico del expresionismo alemán y del cine mudo de la década de los 20, hasta varias adaptaciones modernas, no solamente cinematográficas sino de series televisivas. Todas ellas han sido basadas en la novela de Stoker, pero cada una ha sido adaptada de acuerdo a lo que el guionista y el director deseaban realizar y mostrar. Esta versión de Coppola, es considerada como la más cercana y fiel a la novela, aunque también tiene sus desviaciones y diferencias respecto a la historia que Stoker creo.

Para el papel de Drácula hubo varios actores candidatos, entre ellos Andy García, Antonio Banderas y Viggo Mortensen, pero finalmente se lo llevó el inglés Gary Oldman, excelente actor recordado por su ‘camaleonismo’, por su habilidad de interpretar a diferentes personajes de una manera muy natural y verosímil, y también por su habilidad para hablar en diferentes lenguas a la inglesa. En su papel como el conde, no fue la excepción.

La música es sumamente importante en esta película, porque crea la atmósfera lúgubre y melancólica de la historia, con una partitura sinfónica imponente, de carácter minimalista, propia del compositor polaco Wojciech Kilar, quien además de ser compositor de música clásica, ha trabajado desde la década de los 60 en música del cine europeo, teniendo hasta el momento en su carrera más de 100 bandas sonoras compuestas. Su incursión en Hollywood, fue esta composición, que lo dio a conocer mundialmente. Además ha trabajado con Roman Polanski, en películas como El Pianista y La Novena Puerta.

Cabe recordar, que esta película muestra una historia de amor ficticia que no aparece en la novela, entre el conde y Mina Harker, quien es la encarnación de la princesa Elisabeta, esposa del príncipe Vlad Draculea, o más conocido como Vlad ‘El Empalador’. Coppola y James V. Hart, guionista del filme, unieron la historia de este príncipe rumano, con la del conde Drácula de Stoker, logrando darle un sentido cautivante a la historia, no solo por el personaje en sí, sino también por la historia de amor que lo rodea, un amor inmortal e imposible a la vez, que logra mostrar a Drácula como un ser frágil y noble, sin dejar de un lado al tenebroso y escalofriante vampiro.

Esta película sería nominada a 4 premios Oscar, llevándose 3, por Mejor Diseño de Vestuario, Mejor Edición de Efectos de Sonido y Mejor Maquillaje. Además de la participación de Gary Oldman como Drácula; estuvieron Winona Ryder que interpretó a Mina Harker, y quien fue la responsable de que le llegara a Coppola el guión de la historia; Anthony Hopkins, legendario actor británico, quien interpretó a Abraham Van Helsing; y Keanu Reeves como Jonathan Harker, en una actuación poco destacable.

Este martes 13 de noviembre, cuando se cumplen exactamente 15 años del estreno de la película, será lanzado en Latinoamérica el DVD de Edición de Coleccionistas, con contenido extra, incluyendo 13 escenas nunca antes vistas, omitidas de la cinta original.

Domingo 11 de noviembre - 10:30-11:00 p.m. (GMT -05:00)
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Estreno - El Cantante - Marc Anthony

Hola a todos:

El programa de este fin de semana será el estreno del mes de octubre, se trata de la banda sonora de la película en la que Marc Anthony interpretó al llamado 'Cantante de Cantantes', Héctor Lavoe, una de las principales figuras en la historia de la salsa. La película no ha sido estrenada en el país, pero su banda sonora sí ha tenido bastante radiodifusión y esta en las discotiendas desde hace algunas semanas.

En 2001, ocho años después de la muerte de Héctor Lavoe, David Maldonado le hizo llegar a Jennifer López, reconocida cantante Pop neoyorquina de ascendencia puertorriqueña y actual esposa de Marc Anthony, un guión sobre la vida del llamado ‘Cantante de Cantantes’ escrito por David Darmstaeder y Todd Anthony Bello, basado en varias entrevistas realizadas con la que fuera la esposa de Lavoe, Nilda Román, más conocida como ‘La Puchi’. Precisamente, López interpretaría a ‘La Puchi’ en esta película, que fue dirigida por el cubano León Ichaso, quien desde los 14 años se exilió en los Estados Unidos debido a la dictadura de Fidel Castro, y fue testigo del florecimiento de la salsa a finales de los años 60 en la Gran Manzana, con el surgimiento de la Fania y su sello discográfico fundado por Johnny Pacheco, Fania Records.

En 1967, cuatro años después de que Lavoe había llegado a Nueva York de su natal Ponce en Puerto Rico, se unió a Willie Colón y su banda, con la que grabarían su primer larga duración titulado El Malo, que obtendría gran éxito, y transformaría la vida de Lavoe y Colón para siempre. De la mezcla de sonidos latinos tradicionales como el cha-cha-cha, el merengue, la rumba, el son y el mambo entre otros, con la música de los Estados Unidos, el rock, el jazz y el Rhythm and Blues, surgió la llamada “salsa”, de la que Colón y Lavoe fueron pioneros y unos de los mejores exponentes.

Desde aquel primer disco y hasta comienzos de la década de los 70, Lavoe seguiría aportando su voz a la banda de Willie Colón, pero su creciente adicción a las drogas, hizo que se ausentara de muchas presentaciones de giras que la banda realizaba por aquél entonces. Durante esta época, se presentó junto a las estrellas de La Fania en giras mundiales bastante exitosas, de las cuales se publicarían discos en vivo. De igual manera, Lavoe comenzó en 1975, con el lanzamiento de su álbum La Voz, su carrera en solitario.

La década de los 80 marcó para Héctor Lavoe, su decadencia artística, que fue de la mano con tragedias, como la fractura de sus piernas, su persistente adicción a las drogas, la muerte de sus padres, la de su hijo a la corta edad de 17 años, a causa de un disparo que le propinó un amigo por equivocación, y la fatal noticia de que era poseedor del virus VIH Sida. Esto llevo al cantante a una depresión absoluta, llegando a intentar suicidarse en varias ocasiones. En 1990 Héctor se presentaría por última vez en vivo junto a las estrellas de la Fania en Nueva Jersey. El 29 de junio de 1993 fallecería a causa del Sida, dejando eso sí, un legado musical sumamente importante para la salsa, género del cual fue uno de los creadores, impulsores y difusores. Entre sus temas más recordados estan 'El Cantante', 'Mi Gente', 'El Día de Mi Suerte' y 'Che Che Colé', entre otros.

Los amigos de Lavoe, han sido críticos con la película de Ichaso, porque según ellos, presenta en exceso el abuso de las drogas y narcóticos por parte de Héctor, sin darle la suficiente importancia al amor que el público tenía por el cantante de cantantes. Asimismo, reclaman que no se le dio tampoco importancia a su papel de padre cariñoso y conciliador. Artistas como Cheo Feliciano, Tito Rojas, Ismael Miranda y Domingo Quiñones y Oscar De León, entre otros, comenzaron en septiembre pasado la gira “El Homenaje al Cantante de Cantantes: Héctor Lavoe World Tour”.

La banda sonora que contiene 10 temas, 9 originales de Lavoe, interpretados por Anthony y un tema Pop de Jennifer López, debutó en el #1 de la lista del Billboard Latino y ha estado dentro del Top 40 de los 200 álbumes de Billboard. Ha sido bien recibida por la crítica, con buenos arreglos y una muy buena interpretación por parte de Marc Anthony.

Domingo 28 de octubre - 10:30-11:00 p.m. (GMT -05:00)
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Frida - Elliot Goldenthal - Centenario del Natalicio y 5 años de la película

Hola a todos:

El programa de este fin de semana será sobre la banda sonora de la película producida y protagonizada por la mexicana Salma Hayek, que la hizo merecedora a la nominación al Oscar a Mejor Actriz Principal. Se trata de Frida, película dirigida por Julie Taymor, quien se basó en el libro Frida: Una Biografía de Frida Kahlo, escrito por Hayden Herrera, para recrear la vida de la pintora mexicana expresionista y surrealista Frida Kahlo en la pantalla grande.

Frida Kahlo, nacida en 1907 al sur del distrito federal de Ciudad de México, en Coyoacán, tuvo una vida marcada por sufrimientos físicos, debido a un polio que la atacó a la temprana edad de 10 años, que le produjo un desarrollo dispar de sus piernas, y a un accidente de tránsito, cuando se encontraba en un autobús, por lo cual sufrió múltiples fracturas, incluyendo la de su columna vertebral. Con la medicina poco avanzada de aquella época, tuvo que verse sometida a varias operaciones y tortuosos tratamientos de estiramiento, con veras a poder recuperarse prontamente, y poder volver a caminar.

Fue la inmovilidad física lo que hizo que Frida se dedicara de lleno a la pintura, llegando a pintar varios autorretratos, en los que expresaba y representaba los eventos de su vida y sus reacciones emocionales ante los mismos. Fue durante su convalecencia que la pintora realizó la gran mayoría de su obra artística. Luego de recuperarse, se casaría con Diego Rivera, muralista y pintor comunista, con quien llevó una relación amorosa, en la que cada uno fue libre de vivir aventuras extramatrimoniales.

La directora Julie Taymor, logró retratar de manera fidedigna y loable la vida de Frida Kahlo, con una propuesta cinematográfica bastante interesante, utilizando diferentes efectos de animación, en los que a través de las pinturas, iba abriendo y cerrando un capítulo en la historia, mostrando como ella misma deseaba, el punto de vista de Frida, sus imaginaciones, y todo a través de su obra. Cuando la llamaron surrealista, Frida dijo “Creían que yo era surrealista, pero no lo era. Nunca pinté mis sueños. Pinté mi propia realidad”.

Para la banda sonora de la película, Elliot Goldenthal afirmó que quiso expresar la intimidad melódica, con un pequeño ensamble de instrumentos acústicos: La pequeña guitarra mexicana (Vihuela), la guitarra clásica, el bajo mexicano (guitarron), acordeón, arpa mexicana, marimbas, y armónica de vidrio (invención de Benjamín Franklin). Las guitarras según él, le daban la tonalidad necesaria de lirismo y percusión que necesitaba.

En cuanto a las canciones, decía que México y su folclor eran sinónimos de canciones, que hacen parte de todo tipo de evento socio-cultural. Durante la película se escuchan diferentes temas populares como "Carabina 30/30", tema de la revolución mexicana de comienzos del siglo XX, y "La Llorona", con la misma Chavela Vargas interpretandola, "Alcoba Azul" por Lila Downs y "La Bruja" por la misma Salma Hayek, entre otros.

La pintora fallecería el 13 de julio de 1954, a la edad de 47 años, dejando como última frase en su diario “Espero que la marcha sea feliz y espero no volver”.

Domingo 21 de octubre - 10:30-11:00 p.m. (GMT -05:00)
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1492: La Conquista del Paraíso - 15 años después - Vangelis

Hola a todos:

Hoy viernes 12 de octubre, se conmemoran 515 años del descubrimiento de América, por parte del navegante italiano Cristóbal Colón. Por esta celebración, este lunes es festivo en Colombia, por lo cual el espacio de Bandas Sonoras de Javeriana Estéreo, se emitirá dicho día en el horario habitual de 10:30 a 11:00 de la noche.

En 1992, con motivo de los 500 años del descubrimiento de América, por parte del italiano Cristóbal Colón, en representación la corona española, varias productoras quisieron realizar varios filmes, que recrearan esos momentos, y esa travesía de Colón por el nuevo mundo. Paramount Pictures, realizó la película 1492: La Conquista del Paraíso, dirigida por el británico Ridley Scott, y con la actuación estelar del reconocido actor francés Gérard Depardieu, quien por pedido del director fue quién interpretó a Colón; la reina Isabela fue interpretada por Sigourney Weaver, actriz recordada por la saga de Alien.

El músico griego Vangelis es recordado por ser uno de los fundadores de la llamada música de la "nueva era", y por haber sido el compositor de la banda sonora de la película ganadora de 9 Oscares, incluyendo el de Mejor Película y Mejor Banda Sonora, Carruajes De Fuego de 1981. En 1982, trabajaría con Ridley Scott, con una banda sonora también recordada, para la película futurista Blade Runner de 1982, protagonizada por Harrison Ford.

En 1992, para esta película de 1492, Vangelis trabajaría nuevamente con Scott. Para la música de esta película, trabajó junto al Coro de Cámara Inglés, dirigido por Guy Protheroe, que interpretó todas las partes corales en el álbum. Asimismo, Vangelis quiso explorar música étnica proveniente de América, para lo cual fue asesorado por el francés Xavier Belanger. Para la interpretación de estos temas, Vangelis contó con la colaboración de dos guitarristas y vocalistas de música Flamenca, así como de otros músicos que interpretaron las partes de flauta, violas y mandolinas; los demás sonidos provinieron de los sintetizadores del músico griego. La música como tal esta bien lograda, y logra expresar ese choque, ese encuentro y ese sincretismo cultural al que se vieron expuestos españoles e indígenas nativos americanos.

El tema central de la película, ‘Conquest of Paradise’, no adquirió gran fama sino hasta 1995, tres años después de la realización de esta película, ya que fue utilizado por un campeón de boxeo alemán y por un partido socialista portugués, como su tema identificatorio, como su himno. Gracias a esta difusión, tanto el sencillo como el álbum tuvieron ventas millonarias, llegando a ser oro y platino en 17 países, así como número 1.

La película como tal fue bien lograda, es un buen retrato histórico de los viajes de Cristóbal Colón, de su lucha contra la incredulidad de muchos, que no confiaban en que encontrara tierra firme. Su convicción y su seguridad por defender sus ideas y confiar en su instinto, que finalmente lo llevaron a descubrir el continente americano. El filme muestra la convivencia y aprendizaje de Colón y quienes lo acompañaban, con los indígenas, así como la imposición por parte de él y de la corona española frente a los nativos, considerándoles inferiores. Es también importante desde el punto de vista histórico, que se muestra el contexto que rodeaba a estas travesías, la época que vivía España, que estaba dominada por la Iglesia Católica y por la cruenta Santa Inquisición, y el resto de Europa con el renacimiento y el humanismo; la crisis de la Iglesia, y ese cambio de concepción de mundo, entre otras cosas.

Lunes 15 de octubre - 10:30-11:00 pm (GMT -05:00)

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Dr.No - James Bond - 45 años de su estreno - Monty Norman

Hola a todos:

Hoy comienza el mes de octubre, y regresa el espacio de Bandas Sonoras de Javeriana Estéreo en su horario habitual de 10:30 a 11:00 de la noche, con el primer programa este próximo domingo 7 de octubre, que será dedicado a la banda sonora de la primera película del inconfundible y famoso agente secreto 007 James Bond, Dr. No, que fue estrenada hace 45 años, el 5 de octubre de 1962 en el Reino Unido, coincidencialmente el mismo día en que se lanzó al mercado británico el primer sencillo de Los Beatles, Love Me Do.

La historia de este personaje ficticio llamado James Bond, quien es un agente secreto británico que tiene licencia para matar, y que vive en plena Guerra Fría, en la cual el espionaje y las agencias de servicios secretos de inteligencia juegan un rol principal, se remonta a 1952, año en que el escritor y periodista londinense Ian Fleming, basándose en su experiencia personal durante la segunda guerra mundial, cuando fue asistente del director de inteligencia naval británica, así como lugarteniente y comandante, creó a este personaje, que se convertiría en una de las figuras seriales de la cultura de masas de la segunda mitad del siglo XX.

La versión cinematográfica de Dr. No, basada en la sexta novela homónima escrita por Fleming en 1958, fue realizada por la productora United Artists, que confió en los productores Harry Saltzman y Albert Broccoli, quienes habían adquirido los derechos para realizar una película sobre Bond.

El actor escocés Sean Connery, quien era desconocido hasta ese momento, fue el elegido para interpretar a Bond, y gracias a su buena actuación, elogiada por el mismo Fleming, adquirió fama mundial, convirtiéndose en uno de los mejores actores de la segunda mitad del siglo XX. La cinta fue dirigida por Terence Young, y contó con la actuación de la bella actriz suiza Ursula Andress, quien adquirió fama por su papel como Honey, una coleccionista de conchas y caracoles, siendo la primera Chica Bond de la historia.

Esta banda sonora, a pesar de no ser la mejor del catalogo de bandas sonoras de las películas de Bond, fue muy importante para la mundialización de la música originada en Jamaica, escuchándose por primera vez en Europa y Estados Unidos, los ritmos caribeños del ska y el calypso, que influenciaron a muchos de los artistas que surgirían en el mundo, interpretando música basada en estos ritmos y en el reggae. Dentro del filme aparece la famosa banda Byron Lee & The Dragonaires

Por otra parte, es importante resaltar que las películas de Bond fueron sumamente importantes para la popularización del género de las llamadas películas de acción, que tanto han sabido aprovechar las grandes productoras en Hollywood. Aunque cabe aclarar, que Bond es un personaje único con su elegancia y refinado humor inglés, muy diferente a otros héroes de películas pertenecientes a este género.

Domingo 7 de octubre, 10:30-11:00 pm (GMT -05:00)

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30 años de difusión cultural y musical - Javeriana Estéreo 91.9 FM - Música Sin Fronteras

Hola a todos:

El 7 de septiembre de 1977, salió al aire por primera vez la primera emisora universitaria de la radio bogotana, a través del dial 91.9 del FM (Frecuencia Modulada), Javeriana Estéreo, la emisora de la Pontificia Universidad Javeriana, que ha sido encargada de difundir cultura y conocimiento, así como también una de las programaciones musicales más ricas y variadas de la radio colombiana, con una amplía gama de géneros (Música Colombiana, Antigua, Clásica, Jazz, Música del Brasil, Bolero, Flamenco, Tango, Rock Clásico y Contemporáneo, Blues, Música Caribeña y Cubana, Salsa, Jazz Latino, Música del Mundo, Sonidos Contemporáneos, Bandas Sonoras)

Por este motivo, la programación del mes de septiembre será especial, y el espacio al cual dedicamos esta web, el de Bandas Sonoras, saldrá del aire, pero en Octubre regresará en su horario habitual de los Domingos y Lunes Festivos a las 10:30 PM.

JAVERIANA ESTÉREO 91.9 FM
30 AÑOS
Especiales septiembre 2007
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Sábado 22
7:00-8:00 a.m. LUIS A. CALVO (6ª parte)
1:00-2:00 p.m. CANTO AZUL DE LUNAS VERDES La música en San Andrés, Providencia y Santa Catalina (3ª parte)
2:00-3:00 p.m. BEATLES 91.9 (5)
5:00-6:00 p.m. AMIGOS DEL BLUES Juan Carlos Garay En este espacio grabado en febrero del 2001 el periodista cultural no solo nos contó acerca de su interés musical sino también cómo fueron los primeros programas de blues en los 91.9 Esta emisión hace parte de la celebración de los 30 años de Javeriana Estéreo.

Domingo 23
7:00-8:00 a.m. CENTRO DON BOSCO Contrastes Un recorrido por la música colombiana que nos presentan los estudiantes del Taller de Música del Instituto Técnico Industrial Centro Don Bosco en su más reciente producción.
9:00-10:00 a.m. MAURIZIO POLLINI Los Nocturnos de Chopin (1ª parte) Escucharemos a este talentoso y polifacético pianista italiano, ganador del premio Frédéric Chopin en 1960, interpretando los 19 nocturnos como una sola secuencia de miniaturas, en una grabación del sello Deutsche Grammophon realizada en el 2006.
12:00 m-1:00 p.m. FEDERICO GARCÍA LORCA Siempre flamenco (3ª parte)
2:00-3:00 p.m. BEATLES 91.9 (6)
5:00-6:00 p.m. MUDDY WATERS, JOHNY WINTER & JAMES COTTON Breakin’ it up, breakin’ it down Treinta años después del regreso triunfante de Muddy Waters a la escena blues con el álbum “Hard again”, producido por Johnny Winter, se publica esta recopilación con lo mejor de los conciertos de la gira promocional de esa exitosa producción -Estreno-
8:00-9:00 p.m. TANGO POR TRES Imposible no recordar, en este mes de aniversario, el ciclo que durante los años 2003 y 2004 llevaron a cabo tres emisoras capitalinas, bajo la coordinación de Roberto Aroldi, Jaime Mario Salazar y Jaime Andrés Monsalve.
9:00-10:00 p.m. NICOLÁS GUILLÉN Vida y poesía comprometida con la raza Abriendo el poemario caribeño y de negritud del escritor cubano. Un programa de la serie Música y Literatura.
10:30-11:00 p.m. MÚSICA PARA ESCUCHAR A SHAKESPEARE Sonetos (4ª parte)
11:00-12:00 p.m. MORTON FELDMAN La respiración de los sonidos (4ª parte)

Lunes 24
11:00 a.m.-12.00 m. GLENN GOULD Genio y excéntrico (1ª parte) Dos programas de archivo, realizados en el 2001, dedicados a la vida del gran pianista canadiense, famoso sobre todo por sus virtuosas grabaciones de las obras para teclado de Johann Sebastian Bach
8:00- 9:00 p.m. LA REPÚBLICA NeoTrópico La agrupación liderada por el pianista antioqueño Juan Diego Valencia, presenta su primera producción discográfica en la que se combinan diversas influencias musicales como la timba cubana, el folclor colombiano y el jazz latino. –Estreno-
9:00-10:00 p.m. LA VIDA Y MILAGROS DE ERIC CLAPTON (4ª parte)
10:00-11:00 p.m. GRINDERMAN Grinderman En el 2005 se empezó a gestar este proyecto liderado por Nick Cave y acompañado por la mayoría de los miembros de su banda The Bad Seeds. En marzo pasado, presentaron su disco debut, aclamado por la crítica por su sonido crudo, cercano al post-punk de los ochenta. –Estreno-

Martes 25
11:00 a.m.-12.00 m. GLENN GOULD Genio y excéntrico (2ª parte)5:00-6:00 p.m. MIKE MARSHALL Un programa de la serie “Brasil, samba y canción”, realizado en la década de los noventa por Norma Ramos.
7:00-8:00 p.m. DIARIO DE CAMPO A comienzos de la década de los noventa, Javeriana Estéreo emitió “Diario de Campo”, un programa del Instituto Colombiano de Antropología y la Unidad de Radio del Ministerio de Cultura, que bajo la dirección de Lavinia Fiori, marcó un camino en cuanto a la investigación y la producción de programas de contenido. Recordaremos algunos de sus capítulos. (Programas de archivo)

Miércoles 26
11:00 a.m.-12:00 m. MÚSICA ANTIGUA (4ª parte) El Día Canónico
5:00-6:00 p.m. GAL COSTA La voz emblemática de la música popular brasileña desde los años 60 hasta nuestros días.
6:00-6:30 p.m. 30 AÑOS DE CULTURA EN LA RADIO (5ª parte) –Repite el sábado 29, a las 9 a.m.-
6:30-7:00 p.m. PALABRA MAYOR Octavio Paz (4ª parte)
11:00-12:00 p.m. INTIMA “3” Influenciadas por el drum n´bass, la agrupación argentina asocia los sonidos análogos y digitales, los samples y los instrumentos convencionales, con el apoyo de un sistema audiovisual –Estreno-

Jueves 27
11:00 a.m.-12.00 m. LOS PREMIOS GRAMMOPHON (3ª parte)
2:00-3:00 p.m. MAX ROACH In Memoriam (3ª parte)
4:00-5:00 p.m. THE BAD PLUS Prog. La grabación más reciente de este trío -que colinda entre el rock y el jazz progresivo- salió al mercado bajo el sello Heads Up, creado por sus integrantes, en mayo del presente año. Una grabación que fortalece el sentido de resistencia y libertad que supera el precepto del marketing que caracteriza las producciones de los grandes sellos discográficos -Estreno-
5:00-5:30 p.m. MÚSICA PARA SERENATA / QUINTETO ARMONIAL Programa de la serie “Brasil, samba y canción”, realizados en la década de los noventa por Norma Ramos.
7:00-8:00 p.m. RAVI SHANKAR Música y espíritu (3ª parte)

Viernes 28
3:00-4:00 p.m. JAVERIANA ESTÉREO 91.9 FM Y EL FESTIVAL INTERNACIONAL DE JAZZ DEL TEATRO LIBRE DE BOGOTÁ (3ª parte)

Sábado 29
7:00-8:00 a.m. QUINTETO ECO (1ª parte) Espacio realizado con el auspicio de Funmusica, y dedicado a esta agrupación liderada por el compositor y director bogotano Mauricio Lozano.
1:00-2:00 p.m. CANTO AZUL DE LUNAS VERDES La música en San Andrés, Providencia y Santa Catalina (4ª parte)
2:00-3:00 p.m. BEATLES 91.9 (7)
5:00-6:00 p.m. BESSIE SMITH La Emperatriz del Blues (1ª parte) La principal cantante de jazz y blues de todos los tiempos, ganó con justo derecho el apodo de “Emperatriz del Blues”. Su voz apasionada logró llegar con más facilidad al público, que la de otras artistas contemporáneas. Un homenaje al cumplirse 70 años de su muerte (Repite el 4 de octubre, a la 1 p.m.)
6:00-7:00 p.m. JAZZ DESDE LA GRAN MANZANA El 11 de febrero del 2006 emitimos por primera vez el programa que realiza Simón Calle, en exclusiva para Javeriana Estéreo, desde Nueva York con lo mejor del jazz que se produce en La Capital del Mundo. (Programa de archivo)

Domingo 30
7:00-8:00 a.m. QUINTETO ECO (2ª parte)
9:00-10:00 a.m. MAURIZIO POLLINI Nocturnos de Chopin (2ª parte)
12:00 m.-1:00 p.m. LOS CANTES DE IDA Y VUELTA (5° parte) Se conoce como “cantes de ida y vuelta” a aquellos estilos flamencos basados en la música latinoamericana, llegada hasta España de la mano de marineros que iban y venían desde la Península Ibérica. Diversos cantaores y tocaores se encargaron de reinventar estos géneros, algunos de los cuales mantuvieron su nombre como la guajira, la vidalita o la milonga, mientras que otros tuvieron bautizo original en tierras españolas, como la rumba catalana o el cante por colombianas. (Repite el lunes 1º de octubre, a las 7 p.m.)
2:00-3:00 p.m. BEATLES 91.9 (8)
5:00-6:00 p.m. BESSIE SMITH La Emperatriz del Blues (2ª parte) -Repite el 5 de octubre, a la 1 p.m.-
8:00-9:00 p.m. ASTOR PIAZZOLLA Concierto para quinteto Capítulo 12 de la serie “Astor Piazzolla: Tango del Ángel, Tango Diablo”.
9:00-10:00 p.m. LA NOSTALGIA DEL MELÓMANO Del mito a la realidad Un estudiante salvadoreño lee “La nostalgia del melómano” en clave mítica y recuerda sus conversaciones con el autor. Un programa de la serie Música y Literatura
10:30-11:00 p.m. MÚSICA PARA ESCUCHAR A SHAKESPEARE Sonetos (5ª parte)
11:00-12:00 p.m. MÚSICA INTUITIVA Programa especial -tomado de nuestros archivos- dedicado a la corriente musical que surgió a finales de los años 60 gracias al compositor alemán Karlheinz Stockhausen. Escucharemos testimonios e interpretaciones del Ensamble de Música Intuitiva de Weimar, en una grabación exclusiva de Javeriana Estéreo.

Escuchela por los 91.9 FM Mhz desde Bogotá, Colombia. A través de la página web http://www.javerianaestereo.com/, desde cualquier lugar del mundo.